Como cada año por estas fechas el gospel se apodera de la ciudad de Madrid donde, además de su ya veterano Festival de Gospel y Negro Spirituals se instala en el Teatro Fernán Gómez de la madrileña plaza de Colón, los conciertos de gospel se multiplican. Este año he tenido el placer de asistir al que ha ofrecido el Coro Gospel de Madrid en el Teatro Auditorio de la Casa de Campo el pasado 15 de diciembre en beneficio de la ONG Diaconía. Diaconía es una entidad religiosa asociativa erigida por la FEREDE (Federación de Entidades Religiosas Evangélicas de España) en 1997 para apoyar y ayudar a las iglesias e instituciones evangélicas en sus proyectos sociales, así como aunar los esfuerzos suficientes para dar un servicio social de calidad a aquellas personas que en nuestra sociedad así lo requieran. En este caso la recaudación irá destinada íntegramente a paliar los demoledores efectos que la crisis actual está causando en las familias españolas. Tanto el Coro Gospel Madrid como los invitados han actuado de forma totalmente desinteresada, costeándose sus propios gastos. Esto es digno de resaltar, sobre todo cuando alguno de ellos venían expresamente al concierto desde los Estados Unidos.
El Coro Gospel de Madrid se fundó hace ya diecisiete años como una, podríamos decir, escisión del Coro Evangélico Nacional, ya que sus integrantes madrileños decidieron "independizarse" en 1998 y crear un coro propio. El Coro Gospel de Madrid está formado por más de 60 cantantes, cinco músicos y un cuerpo de baile que da color y brillantez a sus actuaciones, y está dirigido por Nancy Roncesvalles. Nacida de los Estados Unidos aunque de ascendencia navarra, estudió música, imagen y sonido en el Ithaca College de Nueva York. Atesora una gran experiencia en dirección de coros en diferentes países, además de haber dirigido montajes musicales en varios colegios de Madrid, en los que ejerce como profesora de música y canto en base a sus estudios de pedagogía musical. Echadle un vistazo a esta interesante entrevista que le realizó elmundo.es.
Especialmente para este concierto se ha contado con la presencia de tres espléndidos músicos, que le han dado un mayor toque de autenticidad, si cabe, al Coro Gospel de Madrid. Damien Sneed, pianista, organista, compositor, arreglista y productor, es profesor de música en la City University of New York, y ha actuado en el Carnegie Hall, Lincoln Center y Kennedy Center, además de acompañar a músicos de la talla de Jesse Norman y Winton Marsalis. Toda una garantía de buen hacer sobre el escenario. El reverendo evangélico nigeriano Amos Obasohan se metió al público en el bolsillo, uniendo a sus dotes como predicador las de vibrante cantante de gospel. Además se contó con la presencia de la potente voz de Charisse Nelson-McIntosh. La guinda al concierto la puso la presencia del coro infantil Gospel Kids Connection, el primer coro gospel infantil de Madrid y cantera de futuro para el gospel en España.
Hoy es Nochebuena y como cada año desde esta consulta queremos desearos que paséis esta noche tan especial en la mejor compañía, con los mejores deseos de paz y amor. Y si a todo esto le añadimos un poco de la mejor música seguro que entre todos lo podremos conseguir. Para ello os traigo todo un clásico: “A christmas gift for you”, aquel proyecto de Phil Spector hecho realidad de grabar una serie de villancicos clásicos a los que adereza con aquel invento suyo, el wall of sound o muro de sonido. Para los profanos, el muro de sonido era una técnica creada por Phil Spector en la que superponía una serie de capas de instrumentos musicales, incluso duplicando y triplicando el mismo instrumento, consiguiendo de esta forma un efecto similar al de una orquesta sinfónica.
Phil Spector comienza a trabajar en esta idea en agosto de 1963, en pleno éxito de sus producciones, en especial The Ronettes con su "Be my baby" que estaban en aquel momento el número uno. En el libreto que acompaña al disco Phil Spector reflexiona sobre en concepto de Navidad como "espíritu inocente y efusivo rodeado de buenos propósitos". Pese a ser judío le encantaba el espíritu navideño hasta el punto de que decoraba su mansión de Los Ángeles con profusión de luces, muñecos y parafernalia navideña en general, pudiendose ver el resplandor de las luces desde buena parte de la ciudad.
A finales de agosto de 1963 reúne a todos sus músicos en los estudios Gold Star de Nueva York, que se presentan allí con una fidelidad a toda prueba, pese a se someten a sesiones de 24 horas ininterrumpidas con la presión de un Phil Spector en plena forma, rozando el histerismo en la férrea búsqueda del pop perfecto añadiendole el tinte navideño que rezuma el disco por cada uno de los surcos.
Como corte final del disco y como preámbulo del clásico "Silent night" Phil Spector se recrea durante un speech de un cinco de minutos, que tuvo que ser recortado finalmente a dos, en donde nos dice sobre un lecho de instrumentos de cuerda y arropado por todos los participantes en el disco: “quería relatar mis sentimientos sobre la Navidad a través de la música que amo”.
“A christmas gift for you” salió a la venta en un mal día: el 22 de noviembre de 1963. Ese mismo día John F. Kennedy, presidente demócrata de los Estados Unidos, es asesinado en Dallas. Se intentó retirar de las tiendas por orden del propio Phil Spector, pero no fue posible. Los americanos no estaban para celebraciones y las ventas y la repercusión del disco no fue la esperada. No obstante ha soportado perfectamente el paso del tiempo y ya es considerado un clásico.
Hará como unos quince años encontré rebuscando en alguna de esas tiendas especializadas de discos de las que ya no quedan un disco grabado en directo con actuaciones de B.B. King, Pat Metheny y Dave Brubeck. Atraído por las canciones de B.B. King no hice mucho caso al resto, hasta que comenzó a sonar un tema que me impresionó por su ritmo al piano y un impresionante solo de trombón que resonó grandilocuentemente en mi equipo. El tema era "Ol' Bill Basie" y estaba interpretado por el pianista de jazz Dave Brubeck. Desde ese momento comencé a interesarme por el jazz. El pianista Dave Brubeck ha fallecido en Norwalk (Connecticut) el 5 de diciembre, justo un día antes de cumplir 92 años, a causa de un paro cardíaco cuando iba camino de un hospital para hacerse un reconocimiento médico.
Dave Brubeck nació un 6 de diciembre de 1920 en la ciudad de Concord, junto a San Francisco, y ya desde muy pequeño la música le rodeó. Su madre era pianista y sus dos hermanos mayores estudiaban música clásica. Él no podía ser menos y asistió a clases de violonchelo y piano desde que tenía nueve años. Iba para veterinario, pero sacrifica sus estudios universitarios por los de piano, teoría de la música y composición. Se lo toma muy en serio y se matricula en el College of Pacific. En 1944, la II Guerra Mundial le lleva a luchar a Francia con el ejército aliado, donde aprovecha para dirigir una orquesta militar. Tras el armisticio vuelve a Estados Unidos y retoma sus estudios musicales de la mano del compositor francés Darius Milhaud, quien organiza entre sus alumnos un octeto experimental.
Se dice que la música de Duke Ellington fue culpable de que David Brubeck abandonase la música clásica por el jazz, lo que le trajo no pocas críticas por su estilo musical, que aunaba el jazz con guiños a diferentes músicas europeas, difíciles de interpretar por el ortodoxo público norteamericano aficionado al jazz. Forma en 1951 su legendario cuarteto de la mano del saxofonista Paul Desmond. The Dave Brubeck Quartet alcanza su mayor grado de madurez con la incorporación en 1956 del batería Joe Morello, que ya fue invitado a esta consulta, y el contrabajista Eugene Wright en 1958. Este salto de calidad se traduce en que The Dave Brubeck Quartet comienza a girar alrededor del mundo, dejando de ser un buen cuarteto con reconocimiento únicamente local. Su popularidad aumenta por momentos llegando a ser el segundo jazzman en ser portada de la revista Time, tras Louis Armstrong.
El gran tema que les lanza en 1959 a nivel mundial es "Take five", compuesto por Paul Desmond e integrado en el disco "Time out", conviertiéndose desde entonces en un clásico del jazz, siendo utilizado como sintonía en programas de televisón y en eventos deportivos. Llegó a ser el primer disco de jazz en vender un millón de copias.
El jazz que ofrecía The David Brubeck Quartet desde la costa oeste de los Estados Unidos era alegre y fresco, con aroma a brisa de las playas californianas, frente al jazz nocturno salpicado de notas de blues en algún club neoyorkino lleno de humo. El cuarteto permaneció unido hasta 1967, cuando Paul Desmond abandona la banda. El trabajo con el que se despidieron fue "Anything goes", publicado en 1966, recreando canciones de Cole Porter, como " "I get a kick out of you".
The Dave Brubeck Quartet se disuelve en 1967, lo que le permite dedicarse a la composición de extensos proyectos musicales para orquesta y coro de corte barroco y a componer diferentes bandas sonoras para series de televisión. Dave Brubeck, que se ha mantenido en activo sobre los escenarios hasta 2010, fue galardonado por Bill Clinton con la Medalla de las Artes en 1994 y por Barack Obama con el premio honorífico de los Kennedy Center Honors en 2009 por su aportación a la cultura norteamericana. Cuenta con un premio Grammy por toda su carrera y una estrella en el Hollywood Walk of Fame. Sin duda Dave Brubeck es una de las figuras claves en la historia de jazz, contribuyendo a que pasara de ser música de baile a la consideración de música culta, a la misma altura de la música clásica. En 2010 Clint Eastwood le dedica el documental "Dave Brubeck: in his own sweet way", como homenaje a toda su carrera. Desde esta consulta le rendimos tributo con su gran tema "Blue rondo a la turk". Descanse en paz.
El pasado 2 de octubre The New York Times publicó el siguiente titular: "R. B. Greaves, pop singer, dies at 68". El soul man R. B. Graves falleció el pasado 27 de septiembre en Granada Hill (Los Ángeles) a causa de un cáncer de próstata. Contaba con 68 años de edad.
Ronald Bertram Aloysius Greaves III nació el 28 de noviembre de 1943 en la base aérea de Georgetown, en la entonces Guyana británica, y creció en una reserva de indios seminolas, en California. Se trasladó a Inglaterra en 1963, donde lidera el grupo Sonny Childe & The TNT, consiguiendo cierto éxito tanto en Inglaterra como en países caribeños. Vuelve a América en 1969 y debuta en solitario publicando su gran éxito "Take a Letter Maria", previamente grabada por Tom Jones y Stevie Wonder. El presidente de Atlantic Records, Ahmet Ertegün, insistió en que la grabase el propio R. B. Greaves, quien además la produjo. La canción nos narra la historia de un hombre que ha conocido la infidelidad de su mujer y le dicta la carta de separación a su secretaria. Vendió dos millones y medio de ejemplares en un año.
A partir de aquí su trabajo no tuvo gran repercusión, dedicándose a grabar covers de diferentes clásicos del soul aprovechando su excelente voz, que recordaba la de su tío Sam Cooke. Le faltó carisma para explotarla, consiguiendo solo algún éxito con el tema de Burt Bacharach y Hal David "Always Something There to Remind Me". Se retiró muy joven para dedicarse a trabajar en Los Ángeles en la industria de la tecnología. Descanse en paz.
Se puede definir un músico de sesión o session musician como aquellos instrumentistas que intervienen en actuaciones en directo o en sesiones de grabación. Lamentablemente se caracterizan por no alcanzar la popularidad o incluso el prestigio del solista o grupo que les contrata. Mickey Baker, guitarrista de sesión en los años 50 para los sellos Savoy, King y Atlantic, ha fallecido el pasado 27 de noviembre en la ciudad francesa de Toulouse, cuando contaba con 87 años de edad.
Mickey Baker nació en Louisville (Kentucky) y pasó una infancia difícil, ya que desde los once años, en 1936, ingresó en un orfanato, de donde se escapó en repetidas ocasiones. A los 16 años se emigró a Nueva York y encontró trabajo como albañil. Su mayor afición en aquellos años era el billar, llegando a convertirse en jugador profesional en los salones de billar de la calle 26. Con 19 años decide abandonar su trabajo de lavaplatos para dedicarse a la música a tiempo completo. Acudió a una casa de empeños para comprar una trompeta ya que había decidido ser una estrella del jazz, pero sus ahorros solo le dieron para una guitarra. Se matriculó en The New York School of Music, pero no tenía paciencia y tenía prisa por aprender. Dejó la escuela de música y decidió aprender por su cuenta, pero tampoco avanzaba al ritmo que él quería. Poco después conoció a un músico callejero que le enseñó a dar los primeros pasos con las seis cuerdas, empezando a recibir clases particulares de diferentes músicos poco después.
Decide mudarse a la costa oeste, pero aquel no era territorio para el jazz. Tras un concierto del guitarrista de blues Pee Wee Crayton se preguntó si se podría ganar la vida tocando blues. Pee Wee Crayton conducía un Eldorado blanco y su grupo viajaba en un enorme autobús. Decidió que el blues sería únicamente un medio de ganar dinero. Así consiguió dinero suficiente para volver a desde California a Nueva York. Así, comenzó a grabar para los sellos Savoy, King y Atlantic Records en sesiones para The Drifters, Ray Charles, Ivory Joe Hunter, Ruth Brown, Big Joe Turner, Louis Jordan o Coleman Hawkins, entre muchos otros.
A mediados de los 50 formó el dúo Mickey & Sylvia (con Sylvia Robinson, una de sus estudiantes de guitarra). Su único éxito fue "Love is strange" en 1956.Se separan poco después y Mickey Baker decide instalarse en Francia, donde editó un par de discos en solitario y colaboró como músico de sesión con rockeros como Ronnie Bird o Françoise Hardy, Chantal Goya y Silvie Vartan.
En 1999 recibe el premio Pioneer de la Rhythm and Blues Foundation. En 2003 la revista Rolling Stone le incluyó en el puesto 53 de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos. Está considerado uno de los guitarristas más influyentes en la década de los 50, junto a grandes de blues como Bo Diddley, Ike Turner y Chuck Berry. Su método autodidacta "Complete Course in Jazz Guitar" sigue editándose cincuenta años después, y es habitualmente utilizado por apredices de la guitarra de jazz. Las canciones que ilustran este post son "(Mama) He Treats Your Daughter Mean", con Ruth Brown, grabada en 1953, "Shake, Rattle and Roll", con Big Joe Turner, grabada en 1954, "Love is strange" de Mickey & Sylvia y "Spinning rock boogie", grabada por el propio Mickey Baker en 1956, con la que queremos rendirle homenaje. Descanse en paz.
Como la mayoría de vosotros sabéis, en esta consulta tenemos en especial estima a aquellos artistas que por alguna razón han quedado en un segundo plano, pese a su capital aportación al mundo de la música. Este es el caso de The Delfonics, elegante grupo soul originario de Philadelphia, que fue rescatado del olvido por el director de cine Quentin Tarantino para la banda sonora y eje argumental de su película "Jackie Brown", devolviéndole parte del esplendor perdido y olvidado a lo largo de los años. Su vocalista y líder Major Harris ha fallecido el pasado 9 de noviembre a los 65 años de edad.
Major Harris nació en Richmond (Virginia) el 9 de febrero de 1947. En su familia se vivía intensamente la música. Su padre era guitarrista y además Norman Harris, productor y arreglista del sello Philadelphia International Records era su primo. Como muchos otros dio sus primeros pasos en el gospel, cantando en la iglesia de su barrio de la mano de su madre, que era vocalista del coro. Durante la década de los 60 graba algún disco en solitario para los sellos Laurie y Okeh, y participa con cierto éxito en diferentes bandas vocales como The Jarmels y Nat Turner's Rebellion. Sin embargo el gran espaldarazo a su carrera se produce al sustituir a Randy Cain como voz solista de The Delfonics, consiguiendo los mayores éxitos de la banda, como este "La-La (Means I Love You)".
En 1974 Major Harris decide emprender su carrera en solitario fichando por el sello Atlantic, donde consigue algún éxito discreto, sin lograr brillar como su talento merecía. Su principal éxito en solitario lo alcanza con “Love Won’t Let Me Wait” en 1975, compuesto por Vinnie Barrett y Bobby Elli, e incluido en su álbum "My way". Más tarde sería versionado por Johnny Mathis, Luther Vandross y Seal.
A partir de 1975 desaparece del primer plano y pasa a formar parte de los circuitos norteamericanos del soul, manteniéndose en activo actuando en pequeños clubes, salteado con alguna esporádica reunión de The Delfonics en los 80 y 90. En 1997 se estrena la película de Quentin Tarantino "Jackie Brown" e incluye en la banda sonora los temas “La-La (Means I Love You)” y “Didn’t I (Blow Your Mind This Time)”. La película está basada en la novela de Elmore Leonard "Rum Punch" en la que la azafata Jackie Brown es detenida cuando hace de correo para un traficante de armas y la policía le ofrece libertad a cambio de llevarles hasta el traficante. Quentin Tarantino rescata a la vieja gloria Robert Foster, eterno secundario del cine norteamericano, y a Pam Grier, musa indiscutible del blaixploitation, aquel movimiento cinematográfico de los 70 basado en las vivencias de la comunidad afromericana, la mayoría de las veces traspasando la ilegalidad.
The Delfonics, con Major Harris al frente, fueron uno de los máximos exponentes del sonido Philadelphia, esa especie de soul sinfónico que invadió las discotecas en los 70. Major Harris, descansa en paz.
Esta semana os recomendamos encarecidamente la exposición "Vibraciones prohibidas", de obligada visita para poder conocer y entender la música pop y rock en España, y lo realmente difícil que lo tuvieron los pioneros del rock en nuestro país en los 60 y 70. Desde el 16 de noviembre y hasta el 10 de marzo de 2013 se exponen en el CGAC - Centro Gallego de Arte Contemporáneo, en Santiago de Compostela, unas 300 portadas de discos censuradas por el régimen franquista, se proyecta el documental “Que vienen los Beatles”, dirigido por Pedro Costa, y se podrán escuchar canciones censuradas en aquellos años. Como curiosidad, cabe destacar que la primera canción censurada en España fue "Bésame mucho" en 1960, aunque también fue la primera en ser amnistiada en 1966, año en que el imprescindible disco de Bob Dylan "Blonde on blonde" vio como era mutilado al ser censuradas tres canciones por supuestas referencias homosexuales.
Después de un minucioso trabajo de investigación llevado a cabo por Xavier Valiño, comisario de la exposición, llegó a identificar 4.343 canciones vetadas por la Dirección General de Radiodifusión y Televisión, es decir, que hasta que con la llegada de la democracia en 1975 estaba rigurosamente prohibido que fuesen radiadas. Además están identificadas 564 que fueron indultadas, tras reconsiderar dicha Dirección General de Radiodifusión y Televisión su primera decisión.
En un principio la radio era relativamente fácil de controlar: una canción se declaraba no radiable y el asunto terminaba. Pero en los 60 los españoles empiezan a comprar tocadiscos y discos para escucharlos en ellos. El régimen se alarma y Manuel Fraga Iribarne es nombrado Ministro de Información y Turismo, encargándose de publicar la ley Ley 14/1966, de 18 de marzo, de prensa e imprenta, que básicamente se ocupaba de limitar sistemáticamente la libertad de expresión. Se crea en 1970 la Dirección General de Cultura Popular, compuesta por cuatro censores, que levantaban acta de cada censura, con dictámenes tan sorprendentes como el que reza literalmente: "Parecen filocomunistas, pero en el texto no hay claridad de pensamiento". Para troncharse de risa, por no echarse a llorar... Desde este momento también fueron censurados párrafos de canciones y por supuesto también alcanzó a la apuesta estética de los músicos: más de trescientas portadas, contraportadas, libretos...fueron modificados, como las que ilustran el presente post. Destaca el póster incluido en la banda sonora de "Quadrophenia", en la que el censor se entretuvo en dibujar a mano bikinis que ocultasen los desnudos que aparecían en las fotos.
También habrá un despliegue de actividades entre las que destacan la mesa redonda en la que participarán Kiko Veneno, cuya portada del disco "Veneno" tuvo que ser modificada, Mercedes Ferrer, Directora del Área de Música de la Fundación Autor, y los comisarios de la exposición Xavier Valiño y Héctor Fouce, en la que debatirán sobre "Libertad y creación musical: la censura política y la imposición de los mercados". Asimismo, Cineuropa proyectará documentales sobre artistas censurados por el franquismo, como Jimi Hendrix, Bob Dylan o The Beach Boys. Una buena excusa para hacer una escapada a Santiago de Compostela.
Alguna vez oí decir a alguien que para conseguir una canción de éxito hace falta una buena música, una buena letra, unos buenos arreglos, una buena interpretación... y algo más que nadie sabe qué es pero que es lo único que verdaderamente importa. Una de esas canciones que reúne todas estas características, incluído ese misterioso ingrediente mágico, es "Oh, pretty woman". Fue compuesta por Bill Dees y Roy Orbison, siendo el propio Roy quien le daría su toque personal con su característico estilo. Bill Dees, coautor de "Oh, pretty woman" ha fallecido el pasado 24 de octubre en su casa de Arkansas a causa de un tumor cerebral cuando contaba con 73 años de edad.
Bill Dees creció en Borger (Texas). Su padre era proveedor de arena y grava y le ayudaba asiduamente. Comenzó muy pronto a aficionarse a la música, colándose en fiestas de barrelhouses y ya en el instituto formó un grupo doo-wop llamado The Five Bops, con el que consiguieron cierto éxito en Arkansas con un tema llamado "Jitterbuggin’". Telonearon a Roy Orbison, que ya empezaba a sonar con insistencia en las emisoras y se preparaba para dar el salto y convertirse en una estrella a nivel nacional. De estas colaboraciones surgió una buena amistad entre Bill Dees y Roy Orbison. Se tralada a vivir con su familia a Nashville en 1964, donde reside Orbison. Comienza una fructífera colaboración, llegando a firmar 67 canciones entre ambos. No obstante, su mayor éxito fue "Oh pretty woman", compuesta en agosto de 1964 en apenas una tarde, mientras Claudette, la mujer de Roy Orbison, se fue de compras y dejó a los amigos componiendo. Roy Orbison le preguntó si necesitaba dinero para las compras, respondiéndole que una mujer bonita no necesita llevar dinero. Eso lo tradujeron en el verso “Pretty woman never needs any money” y les dio la idea para componer la canción. La grabaron en una semana para el sello Monument Records y se publicó a la semana siguiente. Se coloca rápidamente en el número 1 de Billboard, puesto que ocupa durante tres semanas, las mismas que ocupa el primer puesto de las listas británicas.
Tras el éxito de "Oh pretty woman", Bill Dees se une a la banda de Roy Orbison, llegando a tocar en los famosos conciertos junto a The Beatles y a The Rolling Stones. Unos años después se cansa de la carretera y se retira a su casa de Arkansas, donde sigue componiendo para primera figuras como Johnny Cash, Loretta Lynn, Glenn Campbell o el propio Roy Orbison. En 2002 se vuelve a subir a un escenario recogiendo el concierto en el disco “Saturday Night at the Movies”, al que sucedieron un par de discos más.
Sin duda "Oh, pretty woman" fue su gran éxito, siendo utilizada en series de tv como "Futurama" o en películas como la inevitable "Pretty woman", protagonizada por Julia Roberts y Richard Gere en 1990, con la que consiguió auparse de nuevo a los primeros puestos de las listas. También está incluida en los videojuegos Band Hero y Rock Band. "Oh pretty woman" ha sido versionada por innumerables artistas como Johnny Rivers, Al Green, Green Day, Bon Jovi o John Fogerty. Entre todas me quedo con el fin de fiesta del homenaje a Roy Orbison inmortalizado en el cd y dvd "A black and white night", en la que Roy Orbison canta "Oh pretty woman" rodeado de Bruce Springsteen, Elvis Costello, James Burton, Glen D. Hardin, Tom Waits, KD Lang, Jackson Browne, Bonnie Raitt, J.D. Souther, T Bone Burnett, Steven Soles y Jennifer Warnes. Faltaba Bill Dees, y por eso con ella queremos rendirle homenaje desde esta consulta. Descanse en paz.
"Largely overlooked Chicago singer-songwriter Terry Callier dies at 67". Con este titular se desayunaron los lectores del Chicago Sun-Times el pasado 28 de octubre, definiendo de esta forma, "pasado por alto durante mucho tiempo", la vida del cantante y compositor Terry Callier, que fue encontrado muerto en su casa de Chicago, tras haber luchado desde hace tres años contra una larga enfermedad que fue minando su salud. Terry Callier forjó un estilo propio, mezcla de soul y folk, en dos etapas con un largo espacio de silencio entre medias.
Terry Callier nació en Chicago en 1945, y creció en el área residencial de Carbbini-Green, en el seno de una familia con ciertas posibilidades económicas. Aprendió piano, y entre sus amigos de la infancia se contaba a Curtis Mayfield, Major Lance y Jerry Butler. Comenzó a cantar en grupos doo-wop y mientras tanto colabora en el Chicago Songwriters Workshop, una especie de asociación de compositores dirigida por Jerry Butler, donde compone canciones para el sello Chess Records. Allí conoce a Charles Stepney, productor, arreglista, músico e inseparable compañero desde entonces. En 1962 ficha por Chess Records y graba un primer single titulado "Look at Me Now". En 1964 graba su primer álbum, "The New Folk Sound Of Terry Callier", aunque no se publicaría hasta cuatro años más tarde en el sello Prestige, especializado en jazz, y producido por el prestigioso Samuel Charters. El resultado fue un disco soul con un estilo muy original, con una base de cantautor con enormes influencias jazzísticas. Pasa un largo período de silencio, hasta que en 1972 ficha por el sello Cadet, subsidiario de Chess Records, con el que publica tres magníficos álbumes: “Occasional Rain” (1792), “What Color Is Love” (1973) y “I Just Can’t Help Myself” (1974). Los tres trabajos son considerados álbumes de culto por los amantes del northern soul, pero sobre todo “What Color Is Love” está considerado por la crítica su obra maestra. Os dejo una actuación suya en un pequeño club en 2004 interpretando el magnífico “What Color Is Love”.
Al desaparecer Chess Records en 1975 ficha por Elektra a través del entonces director de fusion jazz/funk de la compañía Don Mizell, quien le produce dos discos tan buenos como poco conocidos: “Fire on ice” (1977) y “Turn you to love” (1978). Don Mizell es despedido junto con todas sus estrellas. Terry Callier, recién divorciado y cansado de los tejemanejes de la industria musical decide retirarse a cuidar a su hija Sundiata, que no se marchó con su madre a San Diego tras la separación. Permanece largo tiempo apartado del mundo de la música, salvo alguna esporádica aparición en algún concierto en pequeños y selectos clubes de soul, trabajando como programador en la Universidad de Chicago. Este paréntesis se cierra cuando a finales de los 90 es rescatado por los adeptos a nuevos ritmos como el hip hop y el dance. Colabora en un disco de la cantautora "folktrónica" Beth Orton en 1997 y un año después edita su primer disco en 20 años, titulado "Timepeace". Este es el video de otra colaboración con Massive Attack titulada "Live with me", quien le produjo su último disco en 2009 titulado "Hidden conversations".
Terry Callier se movió como pez en el agua en esa encrucijada formada por el jazz, el soul y el folk. Con su voz de timbre amable y cálido, único, consiguió ser apreciado como músico de culto entre los más selectos seguidores de la música negra. Devoto del islam y sufista practicante, seguirá cantando con su talento inagotable en algún lugar. Descanse en paz.
La primera semana del pasado mes de septiembre quedará marcada como una semana negra para el rock&roll español al producirse el fallecimiento casi simultáneo de Lluis Gómis y Manolo Madruga, batería y guitarrista respectivamente del histórico grupo barcelonés Los Sirex, pioneros del rock&roll en España. En cualquier otro país se hubieran sucedido los homenajes por su legado a la cultura española de la segunda mitad del pasado siglo. No me consta que los haya habido o siquiera que estén previstos. Al menos desde esta consulta queremos rendirles tributo.
Los Sirex comienzan a gestarse en Barcelona en 1959 cuando Guillermo Rodríguez Holgado, Antonio Miers y Manolo Madruga comenzaron a tocar juntos intentando emular a su ídolo Elvis Presley. Un año después se les une Santi Carulla, que más tarde sería la voz solista de Los Mustang. Necesitaban un nombre original y por supuesto con origen anglosajón, que era lo que se llevaba en aquellos momentos. Guillermo Rodríguez, el bajista del grupo, que trabajaba en la fábrica de gafas de su padre, propuso la palabra Sirex que nombra un hilo de ajuste de los cristales a la montura. Desde ese momento pasaron a llamarse Los Sirex. Su primera actuación como Los Sirex es en la peña barcelonista de la calle Caspe, y a partir de ahí comienzan a actuar asiduamente por diferentes salas de barcelona y su periferia. Santi Carulla abandona el grupo cediendo a las presiones de su padre, que no le gusta que su hijo se dedique al rock&roll, aunque al final se saldría con la suya. Se incorporan al grupo Antonio Miquel Cerveró "Leslie", también conocido como el "Anxoveta", que era el cantante de Los Meteors, y Lluis Gómis a la batería, procedente de Los Wildes. Poco después se une Pepe Fontseré a la guitarra rítmica. Los Sirex ya estaban en marcha y dispuestos a comerse el mundo en la difícil España de los 60. Deciden ponerse como objetivo grabar un disco y se ponen a trabajar duro para conseguirlo. Las actuaciones se suceden y empiezan a hacerse un nombre en el circuito barcelonés del rock&roll, mientras recorren las discográficas en busca de la oportunidad de grabar. En 1963 el modesto sello Vergara les propone grabar un E.P. de 45 r.p.m., de aquellos que incluían cuatro canciones, dos por cada cara. Tiene buena aceptación, vendiendo mil copias. Entre las canciones que lo integran se incluye "Muchacha bonita". Este éxito desemboca en la grabación de un segundo E.P., en el que incluyen el tema "San Carlos Club", dedicado al local de la calle Mayor de Gracia donde actuaban en 1963. Comienzan a tener éxito y son llamados para actuar en programas de la única televisión de aquel entonces, y protagonizan dos películas dirigidas por Miguel Iglesias Bonns: "Noches del Universo" y "Superespectáculos del mundo". El productor Manuel Salinger, que representaba a la entonces poderosa editorial Canciones del Mundo, les propone grabar un tema llamado "La escoba". En un principio al grupo no le gustó, ya que ellos preferían una versión del “The train keep a rollin'” del Johnny Burnette Trio, clásico del rockabilly, a la que habían titulado "El tren de la costa". Finalmente ceden a las presiones del productor acordando grabarla si por el contrario el productor aceptaba los arreglos que Los Sirex le propusieron. Guillermo Rodríguez arregla la sección rítmica y Leslie le da una vuelta a la letra convirtiéndola en una especie de canción protesta, dentro de los que se podía protestar en aquellos años. De hecho el verso “todas cuantas cosas sucias se ven por los altos mundos” fue modificado por la censura y sustituido por “bajos mundos”. El tema encaja en la audiencia y se convierte en la canción más escuchada de las navidades de 1965 vendiendo más cien mil copias entre 1965 y 1966.
A partir de aquí empieza a forjarse la leyenda de Los Sirex, donde son llamados para actuar por toda la geografía española sin apenas descanso. Los Sirex fueron designados para ser teloneros del concierto barcelonés que The Beatles ofreció el 3 de julio de 1965. Curiosamente no pudieron quedarse a ver la actuación del cuarteto de Liverpool porque tenían firmada otra actuación una hora después en Cornellá. Mientras tanto siguen editando discos que convierten en éxitos como “Que bueno, que bueno” o "Que se mueran los feos", del que os dejo una actuación.
En 1968 editan un single con los temas "¡Fuego!" y "Soy tremendo", versionando el tema popularizado por el rockero italiano Rocky Roberts. En 1969 inician una larga gira por sudamérica acompañados de Marisol y Joan Manuel Serrat. Tras esta frenética actividad, Manolo Madruga abandona el grupo y se instala en Alemania, país de origen de mujer, y poco a poco el grupo decide parar, dedicándose cada uno a sus negocios.
Sin embargo, el venenillo del rock&roll sigue fluyendo por sus venas y se reúnen en 1977 para un festival organizado por Gay Mercader llamado "Hasta luego, cocodrilo", donde cosecharían un gran éxito, animándoles a reemprender su carrera publicando siete álbumes más hasta el día de hoy, manteniéndose totalmente en activo. Tanto que incluso el sábado anterior al fallecimiento de Lluis Gómis y Manolo Madruga habían actuado en Vilafranca del Penedés. Los Sirex nos trajeron el rock&roll en su estado más puro, con un sonido guitarrero muy al estilo de los 50, cuando en España los grupos estaban más influenciados en los 60 por un sonido más británico, acompañado de unos textos críticos con la situación política española y con contenidos eminentemente sociales que en ocasiones les llevó a tener algún encontronazo con la censura. Se cuenta la anécdota de que durante la grabación de un programa en TVE, tras esperar varias horas para grabar un playback, Manolo Madruga exclamó: "¡me cago en Franco; estoy hasta los cojones de él!". La realidad es que se les conminó a pedir perdón, a lo que se negaron, quedando censurados en TVE durante un largo año, así como en Radio Nacional, Radio Juventud y Radio Miramar. Así eran las cosas en España en aquella época. Por todo esto y por todo lo que nos han enseñado queremos rendir homenaje en este post a Los Sirex, y muy en especial a Lluis Gómis y Manolo Madruga, fallecidos en la misma semana recientemente.
¿Quién no se ha dejado embargar por la magia de coger un disco de la estantería, extraer el vinilo de la funda, colocarlo sobre el plato y accionar el brazo para que gire a 33 revoluciones por minuto, colocar la aguja encajándola en el surco mientras se escucha el característico crepitar hasta que comienza a sonar nuestra música favorita, nos arrellanamos en el sofá y abrimos la carpeta observando las fotos que la cubren, concentrándonos en seguir la letra de la canción? Howard H. Scott, uno de los creadores de los discos de larga duración, más conocidos como L.P., ha fallecido recientemente en Nueva York a causa de un cáncer a los 92 años de edad.
Howard H. Scott obtuvo su licenciatura en música y el sello Columbia Records le contrató en 1946 para formar parte de su división de música clásica y que formara parte de un proyecto iniciado en 1940 que se mantuvo en el más absoluto de los secretos. Este ambicioso proyecto estaba destinado a revolucionar tanto la industria de la música como la forma de concebir un trabajo musical. Los discos utilizados hasta entonces eran los de 78 r.p.m. y contaban únicamente con cuatro minutos entre ambas caras. El equipo de ingenieros de Columbia Records crearon un microsurco del grosor de un cabello humano, con 118 surcos por cada centímetro de anchura del vinilo, mientras que los de 78 r.p.m. solo tenían 33 surcos por centímetro. Dentro de este equipo Howard H. Scott fue el experto en música que se encargó de traspasar las grabaciones musicales al nuevo formato.
Posteriormente Howard H. Scott se dedicó a producir discos para numerosas orquestas sinfónicas norteamericanas. Destaca la producción de la primera versión de las "Variaciones Goldberg" compuestas por Johann Sebastian Bach e interpretadas por el pianista Glenn Gould. En 1961 abandona Columbia Records para trabajar en la Metro Goldwyn Mayer, el sello RCA y la Rochester Philarmonic Orchestra. En 1986 volvió a Columbia Records, ya convertida en Sony, donde permaneció hasta su jubilación en 1993.
Desde esta consulta queremos rendir este pequeño homenaje a su memoria por el legado entregado a todos los aficionados a la música. Le recordaremos cada vez que rebusquemos en las ferias de discos antiguos o escuchemos el inconfundible y acogedor sonido de un vinilo. Descanse en paz.
Hace ya 50 años, un 5 de octubre de 1962, se lanzaba en el Reino Unido de Su Majestad la Reinael primer single de un desconocido grupo de melenudos jovenzuelos procedentes de los suburbios de Liverpool llamado The Beatles. La cara A la ocupaba el tema "Love me do" y la cara B "P.S. I Love You". No fue un gran bombazo comercial, ni mucho menos. Incluso la leyenda dice que el propio Brian Epstein, manager de la banda, compró 10 mil copias de su bolsillo para que el disco subiese unos puestos en las listas de ventas llegando a situarse en el puesto 17. Sin embargo, este tema pasó a la historia por ser el primero publicado por The Beatles, el grupo que cambió la música en la década de los 60 del pasado siglo.
La historia de esta canción fue cuando menos curiosa. Allá por 1958, un par de discretos estudiantes llamados John Lennon y Paul McCartney, que contaban con 17 y 16 años respectivamente, escapando de sus clases pasaban las tardes con sus guitarras tratando de componer alguna canción para alimentar su exiguo repertorio. En el libro de David Sheff titulado "All we are saying" publicado en 1980 John Lennon destapaba hacia cuál de los dos se inclinaba la balanza compositiva: "Paul la escribió cuando era un adolescente. Déjame pensarlo bien... Quizás yo ayudé en los ocho compases del medio, pero no te lo podría asegurar ciento por ciento. Lo que sí puedo recordar es que la canción ya la tocabamos en Hamburgo, y que fue escrita mucho antes de que nos tacharan oficialmente de compositores". Sin embargo, Paul McCartney en la biografía autorizada escrita por Barry Miles titulada "Many years from now" se mantuvo firme en la filosofía del tandem Lennon/McCartney: "Fue completamente co-escrita. Podría haber tomado algo de mis ideas, pero en ese entonces todo era al 50 % y esta no sería la excepción. Es totalmente Lennon- McCartney, aunque ninguno de nosotros se acuerda quien dio el primer paso. Nos encantó hacerla, era algo muy interesante en la época en que estábamos aprendiendo a hacer esto, a ser compositores. Fue por esa razón que en esa época teníamos tantas canciones." Se dice, aunque Paul McCartney nunca lo reconoció, que estaba dedicada a su novia en aquel momento Iris Caldwell.
Estamos en plena etapa alemana de The Beatles, comprendida entre agosto de 1960 y diciembre de 1962, cuando John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Stuart Sutcliffe y Pete Best fueron enviados a Hamburgo por su agente Allan Williams para que se curtieran por los clubes de esta ciudad portuaria tocando un repertorio de rock&roll clásico y versiones de Chuck Berry o Ray Charles, al que iban introduciendo poco a poco los temas que iban componiendo. Entre esas canciones propias estaba "Love me do", que fueron perfeccionando a medida que notaban que iba calando en el público hasta que decidieron que si conseguían alguna vez grabar un disco ese sería el tema escogido. Como ejemplo del sonido beatle de su etapa hamburguesa os dejo el audio de esta versión del tema de Chuck Berry "Sweet little sixteen".
Un telegrama de su manager Allan Williams les dio el alegrón de que había conseguido una sesión de audición para el sello Parlophone records el 6 de junio de 1962. El productor sería un tal George Martin. Como ya habían decidido hacía tiempo dedicaron la sesión a la grabación del tema "Love me do", pero el resultado no fue del agrado de George Martin. John Lennon apenas preparó el solo de armónica y sobre todo Pete Best fue el blanco de las críticas al mostrarse desmotivado y apático... y eso es imperdonable en un batería. No llegaron a un acuerdo sobre cómo avanzar... o mejor dicho, en una sola cosa todos estaban de acuerdo: Pete Best no encajaba en el grupo y le comunicaron que no contaban con él. Llegaba un discreto baterista, pero muy conocido en los ambientes musicales de Liverpool por su simpatía y optimismo. Ringo Starr debuta en diferentes actuaciones en terreno británico que les sirve a todos de rodaje para que el 4 de septiembre de 1962 entrar de nuevo en el estudio de grabación con "Love me do". Sin embargo y pese al entusiasmo contagiado por Ringo Starr a George Martin no le gustó el resultado y propuso grabar un cover del tema "How Do You Do It?", compuesta por el cantante y compositor británico Mitch Murray. The Beatles insistían una y otra vez en grabar una canción propia, hasta que convencieron a George Martin, volviendo a la carga definitivamente con "Love me do", pero imponiéndoles una condición innegociable: utilizarían un batería de estudio, ya que Ringo Starr no le terminó de convencer, ofreciéndole a cambio acompañar con la pandereta. Sin embargo, el destino le debía una al bueno de Ringo Starr y finalmente la versión que se publicó como single fue aquella en la que Ringo Starr tocaba la batería. Por el contrario, la versión con el batería de estudio Andy White y Ringo Starr a la pandereta se incluyó en el single "Please, please me" junto a la cara B del single "P.S. I Love You". Unos años después la discográfica EMI decidió quemar las cintas de "Love me do" donde Ringo Starr tocaba la batería para evitar que circularan dos versiones, dando por oficial la que participaba Andy White.
Como última curiosidad cabe destacar el acompañamiento a la armónica por parte de John Lennon, que estuvo a punto de ser eliminado porque a John Lennon le hacía llegar tarde a su entrada con la voz, con lo que tuvo que ensayar una y otra vez la respiración hasta que lo consiguió, obteniendo con la armónica un sello distintivo y original para la canción. Además la armónica la robó John Lennon en una tienda de la ciudad holandesa de Arnhem, cuando iban camino de Hamburgo durante su etapa alemana.
"Love me do" puede considerarse un tema menor en la discografía de The Beatles pero no conozco a nadie a quien no le guste o no acompase con el pie el ritmo de esta canción. Además fue el inicio de una banda, The Beatles, que sin duda cambió la música moderna convirtiéndo los 60 del pasado siglo en una década mágica. Estoy seguro de que todo el mundo tiene una canción de The Beatles en la banda sonora de su vida. ¡Por siempre, Beatles!
Uno de los más representativos del sonido Motown, Frank Wilson, ha fallecido el pasado 27 de septiembre a causa de un cáncer de próstata a los 71 años de edad. Nació en Houston (Texas) en 5 de diciembre de 1940, trasladándose a Los Ángeles (California) durante su adolescencia. Ya en 1965 el capo de Motown Records Berry Gordy planteó a los productores Hal Davis y Marc Gordon abrir una oficina en Los Ángeles y para dirigirla pensó en Frank Wilson. El primer single editado por la Motown de la Costa Oeste fue "Stevie", interpretado por Patrick Holloway. Este tema llevaba en los títulos de crédito el nombre de Frank Wilson como compositor.
Berry Gordy le pidió trasladarse a Detroit y Frank Wilson aceptó la proposición. Allí se dedicó a componer y a producir a músicos de la talla de Brenda Holloway, Marvin Gaye, The Supremes, The Miracles, The Four Tops, The Temptations o Eddie Kendricks. Cuando el trio de compositores Holland-Dozier-Holland abandonó la compañía Frank Wilson adquirió más importancia aún. Llegó a lanzarse como intérprete teniendo cierto éxito con el tema "Do I Love You".
Frank Wilson abandonó la Motown y se convirtió al cristianismo, convirtiéndose en ministro. Escribe numerosos libros religiosos junto a su mujer Bunny Wilson y produce discos gospel. Descanse en paz.
Ya sabéis que en esta consulta mostramos especial respeto por aquellas figuras del mundo de la música que aun permaneciendo en un segundo plano y siendo desconocidos para el gran público son los grandes pilares sobre los que se asienta la industria discográfica moderna. Hal David es una de estas figuras imprescindibles en la música soul de la dorada segunda mitad del pasado siglo. Hal David puso letra a temas impagables como "I say a little prayer" o "Raindrops keep fallin' on my head". Hal David ha fallecido a los 91 años de edad a causa de un ataque al corazón.
Nació en pleno Manhattan en 1921, pero al año se mudaron a Brooklin donde sus padres, austríacos de ascendencia judía, regentaban una tienda de comestibles. Se fijó en su hermano mayor, conocido compositor de jazz, aunque su gran éxito fue "I don’t care if the sun don’t shine", popularizada seis años después por Elvis Presley. Hal David estudia periodismo y comienza a trabajar para The New York Post. Sin embargo, marcha a realizar el servicio militar a Hawai y en sus ratos libres compone canciones para sus compañeros. Cuando regresa decide dedicarse profesionalmente a la música como su hermano. Comienza a componer como autor independiente para artistas como el mismísimo Frank Sinatra, pero el gran espaldarazo a su carrera se produce cuando conoce a un joven músico de formación clásica llamado Burt Bacharach. Comienzan a trabajar en una oficina del Brill Building, componiendo por encargo para diferentes sellos. Entre esas paredes, de espaldas al gran público, comienzan a salir temas como "Close to you" para The Carpenters o "What's new, Pussycat", banda sonora de la película del mismo nombre interpretada por Peter Sellers, Peter O'Toole y Romy Schneider. La inmensa voz de Tom Jones la convitió en un pelotazo de primera en 1965.
Se sentían cómodos trabajando en la sombra, en un edificio de oficinas, con las mangas de la camisa remangadas, como con más aspecto de oficinistas que de músicos. Se especializaron en adecuar su mejor composición a la voz que habría de interpretarla después. La mayor compenetración la llevaron a cabo con Dione Warwick, a quien las sensibles composiciones de Hal David y Burt Bacharach encajaban como un guante en su aterciopelada voz. Entre sus mayores éxitos están "Walk on by", "Alfie" para la película del mismo nombre, "I’ll never fall in love again", "The windows of the world" o este "Don’t make me over".
Ganó un premio Grammy por el musical "Promises, promises", y un Oscar por la banda sonora de "Dos hombres y un destino", con el tema "Raindrops keep fallin' on my head". A comienzos de los 70 el dueto compositor David/Bacharach se separa, y Hal David comienza una carrera en solitario como letrista para músicos como John Barry o Albert Hammond. Hal David fue uno de los principales compositores de finales de 50 y los 60, en una época dorada, donde las canciones eran compuestas a conciencia, cuidando todos los detalles, por equipos como los formados por Jerry Leiber y Mike Stoller, Doc Pomus y Mort Shuman, Jerry Barry y Ellie Greenwich, Carole King y Gerry Goffin, y por supuesto Burt Bacharach y Hal David. Os dejo con "Raindrops keep fallin' on my head", interpretado por B.J. Thomas, para que sirva de homenaje. Descanse en paz.
Siempre se ha defendido el don especial de los músicos de raza negra para liderar la sección rítmica de cada grupo, especialmente si interpretan cualquiera de las vertientes de la música negra, ya sea blues, soul, jazz... El sello Motown, fundado por Berry Gordy en 1960 en Detroit para impulsar la música negra, tenía en nómina una serie de músicos para acompañar en estudio a sus innumerables figuras. Entre ellos hoy queremos recordar en la consulta a Bob Babbitt, bajista de The Funk Brothers y autor de muchas de la líneas de bajo más legendarias de la música negra. Bob Babbitt ha fallecido en Nashville el pasado 16 de julio a los 74 años a causa de un tumor cerebral.
Nació como Robert Kreiner el 26 de noviembre de 1937 en Pittsburgh (Pennsylvania). En 1958 el propio capo Berry Gordy forma el grupo The Funk Brothers reclutando músicos del circuito del jazz de Detroit, al que se une Bob Babbitt en 1968 para sustituir al bajista titular James Jamerson. El grupo se mantuvo en activo como tal hasta que en 1972 Berry Gordy traslada al sello Motown a Los Ángeles, momento en que el grupo se disuelve. No obstante les da tiempo a grabar la legendaria y psicodélica canción “What's Going On”, interpretada por Marvin Gaye.
The Funk Brothers forjaron un sonido basado en los cánones del soul, el gospel y el pop. Excelentes músicos, pasaron a menudo desapercibidos ya que al haber firmado exclusividad con la Motown era habitual que no apareciesen en los créditos de los discos. De hecho el propio Bob Babbitt aportó su bajo a temas inolvidables como "War" de Edwin Starr, "The Tears of a Clown" de Smokey Robinson & The Miracles, “Just My Imagination" de The Temptations o este "Signed, sealed, delivered" de Stevie Wonder.
Tras disolverse The Funk Brothers acompaña como bajista a intérpretes como Frank Sinatra, Bonnie Raitt o Bette Midler. A mediados de los 80 fija su residencia en Nashville, donde siguió colaborando con Brenda Lee, Robert Palmer o Joan Baez. En 2002 el director de cine Paul Justman decidió plasmar en el celuloide la historia de The Funk Brothers a través del documental "Standing in the shadows of Motown", del que os dejo un pequeño resumen. El grupo disfruta de una segunda juventud, volviendo a los escenarios, esta vez por derecho propio. En 2004 Bob Babbitt recibe un Grammy como reconocimiento a su carrera. Descanse en paz.
Si hay un riff, un fraseo de guitarra, conocido por todos, aficionados al rock o no, ese es el del comienzo del tema "Smoke on the water", editado en 1972 por Deep Purple. Jon Lord, cofundador junto a Ian Paice del grupo Deep Purple, fue el autor de "Smoke on the water", posiblemente el himno del rock por antonomasia. Jon Lord, virtuoso del órgano Hammond pese a su formación en piano clásico ha fallecido el pasado 16 de julio en Londres a los 71 años de edad a causa de una embolia pulmonar, después de años luchando contra un cáncer de páncreas que le fue minando la salud definitivamente a lo largo de último año.
Jonathan Douglas Lord vino al mundo en la ciudad británica de Leicester el 9 de junio de 1941. Ya desde niño comenzó sus estudios en piano clásico, alentado por su padre, músico de jazz. Pese a estas innegables influencias del jazz y el blues, este gusto por la música clásica lo fue aplicando a lo largo de toda su carrera. No obstante, desilusionó a sus padres al no querer ingresar en el Royal College of Music, y mostrar sus preferencia por el teatro, matriculándose en la Central School of Speech and Drama de Londres. De todas formas le gustaba la música y a principios de los 60 se integró en un grupo llamado The Bill Ashton Combo, hasta que en 1963 pasa a formar parte de The Art Wood Combo, más tarde conocida como The Artwoods, liderada por Art Wood, hermano del guitarrista de The Rolling Stones Ron Wood. En 1968 funda The Roundabout, que poco después tomaría el nombre definitivo de Deep Purple. Como curiosidad cabe destacar un dato poco conocido como fue la participación de John Lord en el primer disco de The Kinks, cuando fue contratado junto a Jimmy Page como músicos de estudio. Según el propio John Lord aportó sus teclados a los temas "You Really Got Me", "Bald Headed Woman", "Long Tall Sally" y "Lover Not A Fighter".
En 1968 se pone en marcha la primera formación de Deep Purple, conocida como Mark I, compuesta por Ritchie Blackmore a la guitarra, Ian Paice a la batería, Rod Evans a la voz, Nick Simper al bajo y Jon Lord, que ejerce de líder artístico y alma mater del grupo, aportando interminables solos de órgano. Graban con esta formación sus tres primeros álbumes de estudio: Shades of Deep Purple (1968), The Book of Taliesyn (1968) y Deep Purple (1969). La verdad es que los tres trabajos pasaron totalmente desapercibidos, con lo que se replantean su futuro. Nick Simper y Rod Evans son invitados a abandonar el grupo, siendo sustituidos por Ian Gillan y Roger Glover, que se adaptaban más al estilo que Jon Lord y Ritchie Blackmore querían imprimirle a la banda. De esta forma dan lugar a la formación conocida como Mark II, que para mí es la más creativa y singular de todas las que Deep Purple ha tenido en su historia. Con esta nueva formación afrontan nuevos retos, como la puesta en escena de la obra "Concerto for group and orchestra", compuesta íntegramente por Jon Lord (música) e Ian Gillan (letras), que supone una innovación absoluta en la música del siglo XX. Se trata de una composición clásica en tres movimientos, interpretada en perfecta comunión por la Royal Philarmonic Orchestra y Deep Purple, la música clásica y el rock duro cogidos de la mano dando lugar a un nuevo estilo musical que revolucionaría la década de los 70: el rock sinfónico. El afán creativo de Jon Lord hace que se grabe en directo en el mismísimo Royal Albert Hall de Londres, consiguiendo un rotundo éxito materializado en una ovación de 15 minutos. El sonido más duro, más "heavy", que consagraría a Deep Purple ya comenzaba a asomar.
Entre 1970 y 1973 editan cuatro trabajos de estudio -"In rock", "Fireball", "Machine head" y "Who Do We Think We Are"- y uno en directo, el histórico "Made in Japan". Deep Purple se convierte en la gran banda de rock del momento, pero les cuesta digerir el éxito y las fuertes personalidades de sus miembros, produciéndose la salida de Roger Glover, siendo susituido por Glenn Hughes, dando lugar a la formación llamada Mark III. Quiero ofreceros esta interperetación del tema "Highway star", incluida en "Machine head", y donde Jon Lord se exhibe en plenitud en un brutal solo de órgano.
En 1976 abandona temporalmente a Deep Purple, y en 1978 es reclutado por David Coverdale para su banda de blues rock Whitesnake, en la que encaja a la perfección. Aquí le podéis ver en acción con Whitesnake en un directo de 1983.
En los 80 comienza paralelamente su carrera en solitario con la reagrupación de Deep Purple desde 1984 hasta 2003. Además edita en 1998 en solitario "Pictured within'", con mucha influencia por la reciente muerte de su padre. También resucita el "Concert for group and orchestra", del que las partituras originales se habían perdido. El compositor holandés Marco de Goeij había intentado reconstruir las partituras a partir del disco y la película que se grabó en 1969. Jon Lord le ayudó a terminar tan ímprobo trabajo, llegando a tiempo para el trigésimo aniversario en 1999, presentándolo en directo junto con clásicos de Deep Purple.
En 2003 firma su último trabajo con Deep Purple, con un título premonitorio: "Abandon". Continúa con su carrera solista, definitivamente inclinada hacia el blues, con sus bandas The Hoochie Coochie Band o Jon Lord Blues Project. Hay un disco en directo que a mí me gusta especialmente, grabado junto a The Hoochie Coochie Band. Se grabó en el Basement Club de Sidney en febrero de 2003, en un ambiente íntimo, muy bluesero. Un disco absolutamente recomendable, con el que quiero rendirle homenaje a Jon Lord, grandioso músico precursor del rock duro y progresivo, con el tema "When a blind man cries", acompañándole el australiado nacido en Escocia Jimmy Barnes a la voz solista. En agosto de 2011 comunicó en su web : "Me gustaría que todos mis amigos, seguidores, fans y compañeros de viaje supieran que estoy luchando contra un cáncer y que, en consecuencia, me tomaré un descanso de las actuaciones mientras dure el tratamiento y la cura. Seguiré escribiendo música, en mi mundo simplemente ha de ser parte de la terapia, y espero de todo corazón estar de vuelta en buena forma el próximo año". Lástima que no haya podido ser. Nos queda todo su legado, tanto al frente de Deep Purple como en solitario. Descansa en paz, genio y caballero del rock.
Se define logotipo como aquel elemento gráfico que identifica a una persona, empresa, institución o producto. Los logotipos suelen incluir símbolos —normalmente lingüísticos— claramente asociados a quienes representan. Hay logotipos que han pasado a la historia de la música por derecho propio. Este es el caso del logo del sello Sun Records, caladero de figuras del rock&roll, el blues y el country, fundado en 1952 por Sam Phillips en Memphis (Tennessee), y para el que grabaron jóvenes promesas como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, B.B. King, Howlin´ Wolf, Johnny Cash o Rufus Thomas. Jay Parker, creador del logo de Sun Records, auténtico icono del rock&roll, ha fallecido en Memphis a los 87 años de edad.
John G. Parker nació en Tuscaloosa (Alabama) el 1 de febrero de 1925. En la High School fue íntimo amigo de Sam Phillips, que más tarde fundaría el sello Sun Records, cuando era un mero disc jockey y decide montar su propio estudio de grabación allá por 1950. En 1952 Sam Phillips recurre a su amigo de la infancia Jay Parker, que tras estudiar en la Escuela de Arte y Publicidad de Nashville se ganaba la vida con el diseño publicitario, para que le cree un logotipo para su estudio y que le aporte un aire optimista. Jay Parker creó un boceto con un gallo cacareando con un sol naciente, con un color marrón oxidado en contraste con el fondo amarillo. Facturó 50 $ por el trabajo.
El primer disco que se publicó con el nuevo logo fue "Drivin' Slow" de Johnny London, publicado en marzo de 1952. Poco después el éxito de los artistas que grababan con el sello convirtieron el logotipo en una leyenda. Cuando se comenzaron a editar los discos en formato de 45 rpm. en lugar de 78 rpm. se retiró el gallo de la galleta central de los discos, ya que hacía falta un agujero más grande en el vinilo. Sun Records dejó de funcionar en 1960, pero la etiqueta diseñada por Jay Parker sigue comercializándose impresa en camisetas, tazas, posters y demás merchandising para amantes del rock&roll.
Jay Parker diseñó otros logos importantes como el de Alka Seltzer o el del equipo de la NFL Cincinnati Bengals. Fue un hombre humilde y trabajador. Su hijo Jud Parker ha dicho de él: "Mi padre estaba más interesado en la iglesia, la familia y el trabajo que en el rock&roll. Se sentía muy orgulloso de su trabajo". Descanse en paz.
El pasado 12 de julio se cumplió el 50 aniversario del primer concierto llevado a cabo por sus satánicas majestades, The Rolling Stones, el más grande grupo de rock de todos los tiempos. En aquel 12 de julio de 1962 quién iba a decir a aquellos desgarbados y provocadores muchachos londinenses amantes del rythm&blues que cincuenta años después serían considerados el grupo de rock más longevo e influyente de la historia, una inagotable máquina de producir dinero y una de las marcas más conocidas del planeta.
Todo empezó en la infancia de unos chavales llamados Alexis Corner, Mick Jagger y Keith Richards, compañeros de colegio en la escuela primaria Wentworth, de Dartford, al sur de Londres, donde hicieron buena amistad. Sin embargo la familia de Keith Richards se mudó, perdiendo el contacto con sus amigos hasta que en 1960 se encontró con Mick Jagger en una estación de metro. Mick Jagger estudiaba por entonces en la la London School of Economics mientras que Keith Richard desarrollaba su vena creativa en el Sidcup Art College. Mick Jagger ponía la voz en el grupo Little Boy Blue & The Blue Boys, en el que también participaba Dick Taylor, amigo y compañero de estudios de Keith Richards. Como era de esperar, al poco tiempo Keith Richards se sumó al grupo.
Mientras tanto un joven llamado Brian Jones llega a Londres desde Cheltenham, donde tocaba la guitarra en un grupo llamado The Ramrods. Mientras montaba una banda propia de rythm&blues colaboró con el ya conocido grupo Blues Incorporated, liderado por Alexis Corner. A comienzos de 1962 Brian Jones -en aquella época se autobautizó como Elmo Jones- se presentó con su grupo en el Ealing Jazz Club. Entre el público estaba Keith Richards, quien quedó impresionado por la actuación. Al terminar entablaron conversación, acordando integrarse Mick Jagger, Keith Richards y Dick Taylor en la formación, que quedaría compuesta por ellos tres, Brian Jones, Geoff Bradford a la guitarra e Ian Stewart al piano. Poco después Dick Taylor y Geoff Bradford abandonan la formación, mientras que se incorpora Tony Chapman a la batería. A Brian Jones se ocurrió llamar al grupo The Rolling Stones después de escuchar el mítico tema de Muddy Waters "Rollin' stone", al que podemos ver en el Festival de Newport de 1960 interpretando esta tema.
En la mítica sala de conciertos Marquee estaba prevista la actuación de Blues Incorporated, pero fue cancelada. De esta forma, The Rolling Stones aprovecharon la ocasión para cubrir el hueco y presentarse por primera vez en directo con la siguiente formación: Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Ian Stewart, Tony Chapman -aunque hay fuentes que aseguran que le sustituyó el batería Mick Avory- y Dick Taylor, quien volvió temporalmente de nuevo a la banda.
La actuación fue un éxito, lo que les supuso entrar en el circuito del rythm&blues londinense. Dick Taylor y Tony Chapman salieron definitivamente de la formación, no sin antes recomendar a su amigo William George Perks, más conocido como Bill Wyman. Hizo su audición el 7 de diciembre de 1962, convirtiéndose en el bajista de The Rolling Stones. Bill Wyman recuerda: "me puse mi mejor traje y me presenté en el club, buscando a Mick Jagger o a Brian Jones. Me sorprendió ver que ellos vestían muy diferente, con playeras y jeans. Otras cosas que no me agradaron fue darme cuenta que más que a mí, querían mi amplificador". Un tal Carlo Little cubrió por poco tiempo la plaza de batería, recomendando a su vez a Charlie Watts, ex integrante también de Blues Incorporated. Le costó decidirse porque no quería abandonar su trabajo para dedicarse profesionalmente a la música. "Pensé que estaban realmente locos. Trabajaban sin cobrar y les daba igual, pero me gustaba su espíritu y el rythm&blues, así que acepté". En enero de 1963 se unió a The Rolling Stones, mientras que Ian Stewart pasó únicamente a ser ayudante en la giras y apoyándoles a los teclados como músico de estudio. El grupo ya estaba formado, la leyenda estaba en marcha.
Hoy, cincuenta años después, llevan vendidas más de doscientos millones de copias de sus 24 discos oficiales y sus giras son esperadas por sus fans, que llenan estadios en todo el mundo. Para celebrar este aniversario el diseñador Shepard Fairey ha hecho un restyling del famoso logo de los labios. Por otra parte, la marca japonesa de whisky Suntory sacará a la venta el próximo 30 de octubre una edición especial conmemorativa de este cincuenta aniversario de The Rolling Stones, con una mezcla de varios whiskies de diferentes fechas: un whisky de malta Yamazaki de 1962 -fecha de constitución del grupo-, otro de 1971 -fecha en que se comienza a utilizar el famoso logo-, otro de 1972 -fecha del lanzamiento del álbum "Exile on main street", disco que incluye la canción "Rocks off", utilizada habitualmente por Suntory en su publicidad-, y otro de 1990, cuando The Rolling Stones actuaron por primera vez en Japón.
Mientras tanto, seguiremos esperando su próxima gira, su próximo trabajo. The Rolling Stones, por otros cincuenta años más...
.jpg)
