XVI Festival de Gospel y Negro Spirituals de Madrid, espiritualidad, alegría y esperanza.

Como cada año, se ha celebrado el XVI Festival de Gospel y Negro Spirituals de Madrid en la Sala Guirau del Centro Cultural de la Villa. Como cada año, la Obra Social Caja Madrid nos acerca la espiritualidad, la alegría y la esperanza a través de la música. Como cada año, el cartel que se presenta es excepcional, nunca defrauda. Desde hace siete años no falto a la cita y como cada año parece que este festival me recarga espiritualmente las pilas.

Este año le ha tocado abrir el festival a New Spirit, acompañados de Carolyn Payne como voz solista. Carol Fraizer fundó el conjunto vocal New Spirit en 1999 en plena cuna del gospel, Filadelfia. Está formado por ocho espléndidas voces integradas en la Nueva Iglesia Conventual de Filadelfia. New Spirit se caracterizan por añadir a la música religiosa tintes de jazz y blues, adaptando a su estilo clásicos espirituales de todos los tiempos. La magnífica voz solista de Carolyn Payne estará inmejorablemente acompañada al piano por la directora Carol Fraizer, una de los pocos discípulos directos de la legendaria Mahalia Jackson, a la que rinden tributo.

Este año he tenido la suerte y el acierto de ver en vivo a Robin Brown & The South Carolina Gospel Chorale. Robin Brown dirige a la South Carolina Gospel Chorale, toda una institución en Atlanta. Su presencia es una constante en los eventos corporativos y estatales de Georgia: The Atlanta Arts Festival, The Coca Cola Centennial Celebration, The Annual Martin L. King Birthday Observance, National Black Arts Festival o la Convención Nacional del Partido Demócrata de 1988. En 1991 se forma el conjunto vocal Robin Brown and The Triumphant Delegation. En su primera gira europea participa en el Montreux Jazz Festival y en 1994 hacen una gira por Japón. Son habituales en los festivales de gospel europeos, Desde 2003 actúan ininterrumpidamente en el concierto de Navidad del Vaticano.

The Brotherhood Singers son firmes representantes del gospel vocal más tradicional, inspirándose en The Golden Gate Quartet, The Five Blind Boys o The Soul Stirrers. Proceden de Kentucky, donde comenzaron a cantar en la Iglesia Baptista de la 9th Street de la ciudad de Covington. Aquí les tenemos interpretando el clásico villancico "Silent night", como no podía ser de otra forma, a capella.

También he tenido ocasión de ver de nuevo a Mississipi Mass Choir, uno de los coros mejor considerados en el universo del gospel. Fue fundado en 1988 por Frank Williams y está dirigido por el Reverendo David R. Curry y compuesto por numerosos hombres y mujeres de todas las edades. Ver en directo al Mississipi Mass Choir es tener el privilegio de sentir el gospel en toda su máxima extensión, como en esta interpretación del tema "It's good to know Jesus". Disfrutadlo.

No quiero cerrar este post sin hacer referencia a otro escenario donde también se celebra el Festival de Gospel de Madrid. En La Casa Encendida ha actuado en sendas seiones matinales el Coro de Gospel y Música Moderna de la Universidad Complutense de Madrid. Nació como una extensión de la Big Band de la UCM, y está dirigido por Irene Shams y formado por unos 40 integrantes, entre instrumentos (piano, guitarra, bajo, percusión y batería) y voces, en su mayoría estudiantes de diversas nacionalidades, ex alumnos y personal de la Universidad. Hacen frente a cualquier expresión de gospel, desde el más tradicional hasta el más moderno, en fusión con el soul o los sonidos africanos. No os los perdáis, merecen la pena.

Ya estoy esperando impaciente a que 2011 llegue a su fin para que esta fiesta musical llena de alegría, compartiendo letras, músicas y sobre todo las emociones que transmite el gospel, haciendo de cada concierto una celebración mágica, viva y apasionante. Cada año por estas fechas mi Madrid se vuelve a veces un poco Harlem, a veces un poco Louisiana. En estas fechas más que nunca, que Dios os bendiga, amigos. God bless you, my friends.

Feliz Navidad y... ¡mucho blues!

Hoy la consulta se abre para desearos que paséis unas felices fiestas cargadas de significado, con la esperanza de que todos los buenos deseos se cumplan. Disfrutad de estos días en la mejor compañía, y para ello os traigo al grandioso B.B. King interpretando el clásico "Merry Chistmas, baby" alumbrando el árbol presidencial en el Mall de Washington D.C. ¡Feliz Navidad! Merry Christmas!

Janis Joplin, la diosa con pies de barro

Se ha cumplido el 40 aniversario del fallecimiento por sobredosis de heroína de la gran estrella blanca del blues Janis Joplin, y lo ha hecho con gran sigilo por parte de los medios de comunicación. Nació como Janis Lyn Joplin un 19 de enero de 1943 en Port Arthur, Texas. En la adolescencia ya dio muestras de su rebeldía al ser rechazada en el instituto por ser "amiga de los negros", rechazando su discriminación. Fue el gran icono del movimiento hippie, personificando en su espíritu rebelde la contracultura de los años 60. Comenzó a estudiar Bellas Artes en Texas, mientras por las noches cantaba blues y jazz en clubes de Louisiana. En 1963 se trasladó a San Francisco, donde comenzó a coquetear con los factores que marcarían su breve vida: los músicos de la generación beat (entre ellos miembros de Grateful Dead o Jefferson Airplane) y con la droga. Conoció al productor Chet Helms, a la vez manager del grupo Big Brother & The Holding Company, banda a la que se unió y con la que grabó su primer disco y obtuvo cierto éxito. El gran debut culminó con la actuación en el Festival de Monterrey de 1967 junto a primera figuras como Jimi Hendrix, Otis Redding, The Mamas And The Papas o Jefferson Airplane. La actuación fue tan impactante que, como no fue grabada, volvieron a subirse al escenario al día siguiente y conquistaron al público con la versión del gigantesto blues de Big Mama Thornton "Ball and chain".

Fruto de este gran éxito fue su contratación por Albert Grossman, productor de Bob Dylan. En 1968 marchan a Nueva York y se ponen manos a la obra en la grabación de un nuevo disco que estaría en las tiendas en agosto de 1968: "Cheap trills". Fue un auténtico bombazo, disco de oro en tan solo tres días y un millón de copias vendidas en un mes. Los tres singles de álbum fueron "Summertime", "Ball and chain" y "Piece of my heart". Os traigo una actuación de1969 en Frankfurt, donde da rienda suelta a toda su energía y sentimiento al interpretar "Piece of my heart"

Janis Joplin crecía como artista día a día y el grupo se le iba quedando pequeño. Las presiones de Albert Grossman y el deseo de Janis de seguir un estilo más negro, al estilo de sus grandes ídolos como Bessie Smith, Billie Holiday o Aretha Franklin hicieron que poco después de publicar "Cheap trills" abandonase la formación para iniciar su carrera en solitario formando una nueva banda: Kozmic Blues Band. En 1969 edita "I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!", que pese a no ser del todo bien recibido por la crítica sus actuaciones en directo se contaron por rotundos éxitos. En abril de ese mismo año de 1969 y con su disco "Cheap trills" debajo del brazo se plantan en Europa, donde contaron sus actuaciones por éxitos: París, Londres, Frankfurt, Estocolmo... Sin embargo él éxito le dio de lleno en la cara, llegando a declarar que "hacía el amor con 25.000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola...". Se fue refugiando de esa soledad en el alcohol y las drogas. Una de sus más aclamadas actuaciones fue en el Festival de Woodstock el 16 de agosto de 1969, donde interpreta Una de mis canciones favoritas de este álbum: "Try (Just A Little Bit Harder)".

Sumida en una montaña rusa de éxito, depresión, alcohol y drogas decide retirarse temporalmente a descansar, marchando en 1970 a Río de Janeiro a hacer una cura de desintoxicación. Allí se enamora de David Niehouse y recorren la selva brasileña como dos vagabundos hasta que deciden regresar a la casa de Janis Joplin en San Francisco. Albert Grossman le ofrece volver al espectáculo al frente de una nueva banda, la Full Tilt Boogie Band, y el proyecto ilusiona a Janis tanto que decide romper con David Niehouse, y se vuelca en la grabación de su nuevo disco "Pearl". El 4 de octubre de 1970, tras una tarde habitual de grabación de su nuevo disco, fue a divertirse con sus compañeros. Murió a la 1:40 horas por una sobredosis de heroína. Como toda gran estrella de rock, su muerte se vio rodeada de misterio. Se dice que la droga que consumió tenía un 40% de pureza, cuando lo habitual es que no llegue al 2%, y cuando descubrieron su cadáver no había rastro de ninguna jeringuilla.

Mes y medio después de su muerte se publicó "Pearl". El tema instrumental "Buried alive in the Blues" se dejó así, sin la voz de Janis Joplin que quedó sin grabar. Yo me quedo con el tema "Mercedes Benz", cantado a capella, que dejó sin acompañamiento instrumental, como reconocimiento a su voz.

Janis Joplin ha sido, es y será una de las más grandes voces del blues de todos tiempos. Desde la consulta del Dr. Rhino no queremos olvidarnos de ella y espero que este post sirva para mantener vivo su recuerdo, su enérgica voz y su rebelde personalidad. Tras ser incinerada, sus cenizas reposan en libertad en las aguas del océano Pacífico. Como muestra de su generosidad, dejó en su testamento 10.000 dólares para que se hiciera una gran fiesta tras su muerte. Cerramos hoy la consulta con la versión del tema "Summertime", compuesto por George Gerswing para su ópera "Porgy and Bess". En ella, Janis Joplin hace una interpretación escalofriante durante las sesiones de grabación de "Cheap trills", en la que se introduce en el personaje de la propia Bess de la ópera, cuando en el tercer acto canta al bebé de Clara, que ha desaparecido en busca de su esposo, un pescador que ha naufragado en una tormenta. Brindaremos por ti, para que no desaparezcas nunca, diosa con pies de barro.

Mavis Staples, una señora del blues

Casi siempre la consulta se llena de grandes personajes que lamentablemente nos acaban de dejar, pero en esta ocasión eso no es así. Hoy nuestra consulta se llena de alegría por recibir a la gran blueswoman Mavis Staples, que trae debajo del brazo a sus 70 años llenos de vitalidad un nuevo disco recién salido del horno, calentito y crujiente: "You are not alone". Producido por Jeff Tweedy, el alma mater de Wilco, los grandes renovadores de la música americana, "You are not alone" es un delicioso paseo por el sur de los Estados Unidos repleto de blues, soul y gospel. Acompañada por su banda habitual desde hace tres años, con el guitarrista Rick Holmstrom al frente, recrean canciones clásicas del sur norteamericano y de autores imprescindibles como Randy Newman, Allen Toussaint, el legendario Little Milton, el propio Jeff Tweedy o el mismísimo rey del gospel Pops Staples, su propio padre. Id abriendo boca con este "Wrote A Song For Everyone" del gran John Fogerty en una magnífica versión en directo, con Jeff Tweedy a la guitarra.

Mavis Staples nació en Chicago en 1940, y desde 1951 formó parte de The Staple Singers junto a su padre Pops Staples y sus hermanos Pervis, Yvonne y Cleotha, hasta que en 1969 inicia su carrera en solitario. En 1970 publica un disco absolutamente imprescindible: "Only for the lonely". Colaboró con Curtis Mayfield en 1979 y en 1984 con Holland-Dozier-Holland, equipo de compositores y productores musicales formado por Lamont Dozier y por los hermanos Brian Holland y Edward Holland, Jr. El trío es responsable, en gran medida, del éxito en la década de los 60 del estilo conocido como Motown sound. Tras unos años de retiro, Mavis Staples volvió en 2004 con fuerzas renovadas con el trabajo "Have a little field", iniciando así una nueva etapa de éxito coronada con el disco que hoy nos ocupa. Os propongo esta versión acústica del "You Are Not Alone", el tema que titula al disco. Escrita por Jeff Tweedy, es una canción muy personal para Mavis Staples, quien declaró que se le escaparon algunas lágrimas cuando la cantó por primera vez. El destinatario de esta canción para Mavis es su padre, Pops Staples, al cual tenía en mente cuando pronunciaba las emotivas palabras que suenan en la canción y que hoy presiden vuestro blog.

No me resisto a dedicar un post a Mavis Staples y no recordar alguno de sus clásicos. Entre ellos me quedo con esta interpretación del inmenso y escalofriante blues "See That My Grave Is Kept Clean", grabado por primera vez en 1927 por Blind Lemon Jefferson. Como paradójica curiosidad, se desconocía donde descansaban sus restos hasta que en 1967 se descubrió su tumba, ya que el cementario se encontraba en un estado lamentable. Obtuvo la consideración de monumento oficial de Texas en 1997. Un grupo de amantes del blues costeó la colocación de una nueva lapida con la siguiente inscripción: Lemon Jefferson September 1893 - December 1929 "Lord it's one kind favor I'll ask of you, / See that my grave is kept clean" (Señor es solo un amable favor que te pido, / Cuida que mi tumba se mantenga limpia). Esperemos que así sea de ahora en adelante. Pero volviendo a nuestra protagonista, os recomiendo esta actuación grabada bajo la dirección de Anthony Fuqua y producida por Martin Scorsese como un capítulo más de su serie "Martin Scorsese presents the blues", ambos viejos amigos de nuestra consulta. Podéis encontrarlo en formato DVD con el título "A salute to the blues: lightnin' in a bottle". Todo un repaso a la historia del blues en un concierto memorable celebrado en febrero de 2003. Y como muestra un botón: con todos vosotros, Mavis Staples, toda una señora del blues.

Hasta siempre, Solomon Burke

Nos desayunamos con la triste noticia del fallecimiento de Solomon Burke en el aeropuerto de Schiphol (Amsterdam) de forma repentina. Se dirigía a la capital holandesa para actuar en el famoso Club Paradiso. Solomon Burke es uno de los habituales en la consulta, y de los artistas a los que guardo más cariño por la grandeza y la cercanía que nos demostró en el Festival de Jazz de Villalba (Viajazz) de 2003 en un concierto memorable.

Solomon Burke nació en Filadelfia en 1940 en el seno de una familia profundamente religiosa. Desde joven tuvo dos vocaciones: la religión y la música. En cuanto al área espiritual, desde muy joven fue el director de su propia congragación The House of God for All People. A través de la religión desembarcó en el mundo musical, para grabar un disco de gospel en 1956. Cuatro años después lo fichó Jerry Wexler, director del sello Atlantic Records. Da una vuelta de tuerca al soul tradicional dando paso al soul moderno, con un alto componente de gospel tradicional y yendo un paso por delante de los bluesmen clásicos del momento. Consiguió notables éxitos como "Just out of my reach (of my two open arms)" o "Got to get you off my mind". En 1964 escribe y edita la archiconocida "Everybody Needs Somebody To Love". Pese a ser llevada al número 1 por artistas como The Rolling Stones, Wilson Pickett o formando parte de la banda sonora de "The Blues Brothers", quiero que hoy nos quedemos con la versión original de este gran clásico, interpretada por su autor: Solomon Burke.

Aunque obtuvo un gran reconocimiento entre la crítica, nunca llegó a ser considerado una primera figura de la popularidad de James Brown o Sam Cooke. Esto fue tan cierto como que pasó desapercibido hasta 2002, en que publica el extraordinario trabajo "Don't Give Up On Me", en el que interpreta temas de Bob Dylan, Brian Wilson, Van Morrison, Elvis Costello y Tom Waits de forma absolutamente magistral. A partir de aquí comienza, aunque tarde, un despegue espectacular en todo el mundo. Fue considerado mejor disco de 2002, según la revista Mojo y consiguió un Grammy. La gira de ese trabajo fue la que lo trajo a España por primera vez en 2003, en el Festival Víajazz de Villalba (Madrid) y en Barcelona.

A partir de aquí comienza un sin parar de discos y giras mundiales hasta su muerte. Como curiosidad os puedo contar que fue padre de 21 hijos (14 hijas y 7 hijos), tuvo 90 nietos y 20 biznietos. Respecto de su actividad religiosa, llegó a tener el reconocimiento de los papas Juan Pablo II y Benedicto XVI, que lo invitaron a importantes celebraciones religiosas en el Vaticano. No obstante y como prueba de su poca ortodoxia leed estas declaraciones al diario El País con motivo de la publicación para Chess Records del disco "Music to make love by": "Queríamos un disco para acompañar momentos íntimos. Así que llevamos parejas al estudio para que hicieran el amor y ajustamos el tempo de los temas a sus ritmos sexuales: que nadie dijera que mi elepé no servía para lo que anunciaba. El sexo es una parte maravillosa de la vida y deseo que todos, sean o no miembros de mi Iglesia, sepan disfrutarlo. Ya sé que la Iglesia católica no piensa como yo, pero debería replanteárselo". Genio y figura. Para despedirnos de este impresionante soulman de más de 200 Kg. de peso, lo que le obligaba a cantar sentado en un sillón estilo rococó, os dejo con la escena del seductor baile de la película "Dirty Dancing" en la que se utiliza como banda sonora su canción "Cry to me". Te lloraremos, Solomon Burke, pero sobre todo te seguiremos escuchando.

40 años sin Jimi Hendrix (2ª parte)

Dejamos a la Jimi Hendrix Experience en 1967 en plena cima de su carrera. Tras Monterrey se comienza a preparar un nuevo disco: "Bold as love", más cercano al funk y al rythm&blues que los anteriores. Hay varias anécdotas que acompañaron la gestación de este trabajo. Hendrix olvidó en un taxi la cinta de las grabaciones, ya preparadas para ser entregadas para editar los vinilos. Estas grabaciones no se pudieron recuperar. La cara A completa se volvió a mezclar a partir de los multitracks del bajo, y a toda prisa en una sola noche. También se encargó la portada a un estudio de diseño gráfico británico para que trabajara sobre los orígenes étnicos de Hendrix como piel roja de norteamérica. Hubo un malentendido y Hendrix, Redding y Mitchell acabaron disfrazados de las deidades hindúes Durga y Visnú. Todo un despropósito. No obstante, la banda continuó girando con éxito hasta que Jimi Hendrix es detenido en Estocolmo en 1968 tras destrozar la habitación del hotel después de una noche de drogas y alcohol. Vamos a disfrutar de una de las mejores canciones de este álbum y del propio Hendrix. "Little wing" fue compuesta por Jimi Hendrix en 1967, y ha sido versionada por numerosos artistas como Derek and the Dominos, Stevie Ray Vaughan, Sting, John Mayer o Pappo, entre muchos otros.

Para afrontar el nuevo disco, el doble "Electric ladyland", Jimi Hendrix se encuentra con la dimisión del productor Chas Chandler por diferentes motivos. Uno de ellos fue la diferente manera de estructurar el disco, ya que Chandler quería canciones estándar de cuatro minutos como máximo, mientras que Hendrix prefería largas jam sessions cargadas de improvisación en las que dar rienda suelta a su creatividad psicodélica. Esto hizo que dejase gran material sin editar, grabando hasta 43 versiones diferentes del "Gipsy Eyes". Además, se añadieron músicos adicionales como el teclista Al Kooper, el amigo de nuestra consulta Buddy Miles como batería o Jack Casady, bajista de The Jefferson Airplane y Steve Winwood de los Traffic. Los incidentes se multiplican con cualquiera que está al lado de Hendrix, especialmente con el bajista Noel Redding, llegando éste incluso a abandonar la grabación. Al regresar se encontró con que la parte correspondiente a su instrumento ya había sido grabada por Jimi Hendrix. Así comienza a resquebrajarse la Jimi Hendrix Experience, siendo su última actuación el 24 de febrero de 1969 en el Royal Albert Hall de Londres. Al día siguiente se anunció la disolución de la banda. No os perdáis este "Fire", con un Hendrix pletórico, en aquella memorable noche londinense. Lamentablemente todas la imágenes de este concierto han sido retiradas de Youtube por solicitud de la Experience Hendrix, L.L.C., empresa que junto a Sony gestionan la explotación de los derechos de la obra de Jimi Hendrix. De momento nos tendremos que conformar con escuchar su música.

El Festival de Woodstock de 1969 fue la gran expresión de movimiento pacifista flower power, y la actuación de Hendrix se convirtió en el gran símbolo del festival para la posteridad, sirviendo de cierre al macroconcierto, después de tres días de paz, amor y música. Tras la torrencial lluvia caída durante el día anterior mientras actuaban Grateful Dead, Hendrix actuó ante unos 180.000 exhaustos espectadores. Fue presentado por el speaker como Jimi Hendrix Experience,pero fue inmediatamente corregido por nuestro protagonista autopresentándose como Gispy Sun And Rainbows. Ha quedado para la historia su interpretación del "The star-spangled banner", el himno de los Estados Unidos de América, arrancando salvajes notas de su guitarra mientras los sonidos se mezclaban con sirenas antiaéreas y bombardeos de los B52 sobre Vietnam. Y todo esto en plena guerra de Vietnam. Jimi Hendrix manifestó que no le interesaba la política. Sacad cada uno vuestras propias impresiones.

La noche del 17 de septiembre de 1970 se celebró una fiesta en Londres a la que acudió Jimi Hendrix. En algún momento su novia Monika Dannemannn le llevó a su suite en el Hotel Samarkand. A la mañana siguiente apareció muerto, asfixiado por su propio vómito, tras una ingesta brutal de alcohol y drogas. Jimi Hendrix se convierte en un mito. En el año 2000 se inaugura el Experience Music Project en Seattle, espacio diseñado por el arquitecto Frank Gehry, cuyas formas onduladas se inspiran en la guitarra Fender Stratocaster de Hendrix. No solo es un museo, dedicado en su mayor parte a la figura de Jimi Hendrix, sino un lugar de creatividad musical. Si vais por allí, no dejéis de visitarlo, y rendid homenaje a uno de los más grandes guitarristas de todos los tiempos.

40 años sin Jimi Hendrix (1ª parte)

El 18 de septiembre se ha cumplido el 40 aniversario de la muerte de Jimi Hendrix, que aunque cuenta con los más fervientes admiradores y los más recalcitrantes detractores, como sobre gustos hay colores, debe ser considerado como uno de los más innovadores e influyentes guitarristas de todos los tiempos. Y eso sí que es innegable. Jimi Hendrix no estudió teoría musical, pero con la práctica logró sacar de su guitarra un sonido hipnótico, completamente diferente a lo que se había escuchado hasta entonces, en plena expansión del sonido electrificado de la guitarra a finales de los 60, con grandes maestros en pleno auge como Eric Clapton, Jimmy Page, B.B. King o Chuck Berry. Se decía que su guitarra se había convertido en una prolongación de su propio cuerpo.

Conocido por todos como Jimi Hendrix, nació como John Allen Hendrix en el King County Hospital de Seattle el 27 de noviembre de 1942. Inmediatamente le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix, en recuerdo de su tío fallecido, Leon Marshall Hendrix. Fue conocido entre sus familiares y amigos más allegados como Buster. Vivió su infancia en casa de su abuela en los suburbios de Seattle tras el divorcio de sus padres. Un amigo de su padre le consiguió una guitarra por 5 dólares, comenzando a tocar de oído escuchando a los grandes del blues de los 50. En 1958 su padre le compra una guitarra eléctrica sin amplificador, con la que empieza a dejarse ver en bandas locales, hasta que por problemas con la justicia se ve obligado a elegir entre entrar en prisión o alistarse en el ejército, decidiéndose por esta última opción. Como se veía venir, no se adapta a la rígida vida militar y se declara homosexual, con lo que tras varias visitas al psicólogo obtiene la baja militar.

A su regreso a la vida civil se asienta en Clarksville (Tennessee) y monta con su amigo Billy Cox el grupo The King Casuals. Se trasladan a Nashville y se dedican a actuar en todos los locales de Jeffeson Street, hervidero del ryhtm&blues en Nashville. Pasa unos cuantos años actuando bien con The Kings Cox o como guitarrista de bluesmen como Slim Harpo, Sam Cooke o Jackie Wilson, en el denominado chitlin' circuit. Se conocía como chitlin' circuit aquellos locales dispersos por la geografía de los Estados Unidos en los que los artistas negros que actuaban en ellos podían hacerlo libremente, como por ejemplo el célebre The Cotton Club o el Apollo Theatre de Harlem. Fue considerada la gran cantera de talentos desde los años 30, de la que salieron genios como Otis Redding, Tina Turner, George Benson, The Isley Brothers, Ray Charles o Duke Ellington. El nombre chitlin' procede de chitterlings, un guiso a base de intestinos de cerdo, plato habitual en la soul food o cocina tradicional de la comunidad afroamericana.

Huyendo del clima racista existente en el sur de los Estados Unidos en los 60 y concluido su período de aprendizaje, decide irse a Nueva York, y en 1964 se establece en pleno Harlem. Conoce a los idénticos gemelos Arthur y Albert Allen, conocidos artísticamente como Taharqa y Tunde-Ra Aleem. Forman con Jimi Hendrix el grupo The Guetto Fighters, con Taharqa a los teclados y Tunde-Ra junto con Jimi a las guitarras. También conoce a la que será su novia Lithofayne "Fayne" Pridgeon, que le introducirá en el mundillo musical de Harlem. Como ya comentamos hace poco en esta consulta, es reclutado por The Isley Brothers en 1964, con quienes graba "Testify", todo un éxito.

Entre 1964 y 1966 Jimi Hendrix pasa de una banda a otra continuamente de tour en tour por toda norteamérica, acumulando una gran experiencia. En 1966 conoce a Linda Keith, entonces novia de Keith Richards, y se hacen buenos amigos. Linda le presenta a Andrew Loog Oldham, manager de The Rolling Stones, pero no se lleva una buena imagen de Hendrix. No obstante, Linda cree en Hendrix y le presenta más tarde a Chas Chandler, bajista de The Animals, que le encarga una versión del "Hey Joe", legendario blues de Billy Roberts. El cover que le presenta Jimi Hendrix le entusiasma y deciden montar un grupo bajo el modelo de power trio, muy en auge en aquellos años, como por ejemplo Cream. El power trio lo conforman Jimi Hendrix a la guitarra, el guitarrista Noel Redding al bajo y Mitch Mitchell a la batería. La Jimi Hendrix Experience acababa de nacer.

La Jimi Hendrix Experience fue un bombazo, con el gran éxito "Hey Joe", al que siguieron "Purple Haze" y "The Wind Cries Mary". En 1967 su trabajo "Are you experienced?" llegó al número 2 en Inglaterra, por detrás del "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles. El desembarco en América estaba preparado. Paul McCartney les invita al Monterrey Pop Festival el 16, 17 y 18 de junio de 1967 y no dejan escapar la oportunidad desplegando una gran exhibición absolutamente salvaje durante los 40 minutos de su actuación, quedando además inmortalizadas en un documental. Jimi Hendrix exprimió su Fender Stratocaster hasta límites impensables, escenificando escenas sexuales, utilizando sus dientes como púa, tocándola en la espalda, acercándola al amplificador para distorsionar el sonido mediante estridentes acoples... Para terminar el show roció su guitarra con gas líquido del que utiliza para los mecheros y la prendió fuego en pleno éxtasis, destrozándola a continuación. Los restos de la guitarra se recuperaron y están expuestos en el Experience Music Project de Seattle. No os perdáis la actuación en su momento culminante. Uno de los iconos de la historia del rock.

"King" Coleman, descansa en paz

El 11 de septiembre ha fallecido en Miami Carlton "King" Coleman, uno de los primeros en unificar ritmo y blues en una canción allá en los años 50, a causa de una insuficiencia cardíaca. Contaba con 78 años de edad y comenzó en el mundo de la música como disc jockey en diferentes radio stations de Tampa y Miami, llegando a ser uno de los DJ's más conocidos de Florida. En 1959 grabó su gran éxito "(Do The) Mashed potatoes" acompañado por la banda del gran James Brown. A este gran éxito le siguieron otros como "Mashed potato man" y este "The boo boo song" que os invito a escuchar.

También acompañó a artistas del calibre de B.B. King y Jackie Wilson. En 2003 se edito un álbum retrospectivo de sus innumerables singles publicados llamado "It's dance time". En 2005 realizó un tour por la costa este de los Estado Unidos. Volviendo a sus orígenes como disc jockey, estuvo emitiendo un programa de radio nocturno de 6 horas de duración titulado "Nothing But Love", dedicado al gospel. También hizo sus pinitos como actor en series y programas de televisión. "King" Coleman es el padre del prestigioso baterista Tony Coleman, que acompañó habitualmente a B.B.King.

Tam White, el escocés de la voz de terciopelo

El bluesman escocés Tam White murió el pasado 21 de junio, a los 68 años, tras sufrir un colapso mientras hacía sus ejercicios habituales de gimnasia. Su voz se caracterizaba por ser suave como el terciopelo, templada como el whisky de malta de su tierra. Su verdadero nombre era Thomas Bennet Sim y nació el 12 de julio de 1942. Hijo de un camionero y una limpiadora, empezó muy joven, desde los 15 años, a trabajar como cantero hasta que a los 18 años escuchó a Ray Charles cantando "What’d I say" y decidió que su vida estaría dedicada a cantar rythm&blues. Comenzó participando en algún grupo del movimiento beat y haciendo versiones skiffle de canciones de Buddy Holly. Formó parte del grupo The Boston Dexters, con quienes firmó su primer contrato con EMI en 1964. Más tarde creo The Buzz, con quienes consiguió cierto éxito con el tema "Holding Me Down".

Inicia su carrera en solitario, editando varios singles con el sello Decca, que pretendía hacer de él el nuevo Tom Jones. También editó un disco folk para el sello Middle Earth. En los 70 presentó un programa de variedades en la televisión escocesa. Se retiró para volver a su oficio de cantero, aunque volvió por sus fueros poco después al protagonizar el programa "New Faces", una especie de "Operación Triunfo" de los 70. A principios de los 80 volvió con los The Boston Dexters, ganando poco a poco una merecida reputación como blues singer. Formó parte del grupo Bad Company junto al bajista Boz Burrell y el armonicista Fraser Speirs, además de convertirse en músico residente del Ronnie Scott's Jazz Club de Londres. Esta es una actuación de Tam White junto a Boz Burrell en el Festival de Blues de Edimburgo de 2000, interpretando el tema "I can't help myself" acompañados del grupo The Groove Connection.

Tuvo diversas apariciones como actor tanto en la televisión como en el cine, con papeles secundarios en "Piratas del Caribe" o en "Braveheart", como jefe del clan McGregor. No pasará como uno de los grandes bluesman de la historia, pero sus enormes bigotazos y su suave voz como pétalos de rosa permanecerá en el recuerdo de quienes hemos disfrutado con su música. Descansa en paz, escocés.

"Let it be" cumple 40 años

Se ha cumplido el 40 aniversario de la edición de "Let it be", último LP editado por The Beatles, aunque no grabado, ya que la última vez que entraron en un estudio de grabación fue con "Abbey road". La grabación fue un auténtico infierno, llegando las divergencias entre los miembros del grupo a ser insalvables. Viendo que la situación en los últimos años se hacía insostenible -recordemos que desde 1966 no tocaban en directo- McCartney decidió preparar nuevas canciones especialmente pensadas para el directo, volviendo a los orígenes del grupo: el rock&roll. Por eso inicialmente el proyecto se denominó "Get Back". La gestación del disco fue filmada por el director Michael Lindsay-Hogg, que elaboró un gran trabajo documental en el que quedaban patentes las graves desavenencias entre los cuatro de Liverpool durante los ensayos.

Para conmemorarlo se ha celebrado el pasado 8 de mayo un concierto en el tejado del Círculo de Bellas Artes de Madrid rindiendo tributo diversos músicos a la última obra editada de The Beatles. Pájaro Sunrise, Amaral, Vetusta Morla, Coque Malla, Lovely Luna, Russian Red, Havalina, Tulsa y Miss Caffeina versionaron la canciones del disco. Merece la pena la versión que hizo Coque Malla a golpe de guitarra del rock&roll "One after 909".

"Let it be" se trata de un álbum controvertido desde su concepción: una vez que dejaron de tocar en vivo en 1966 por la imposibilidad de plasmar su música en el escenario, los Beatles se propusieron grabar un álbum para tocar un último concierto en vivo, tal vez en un barco o en un lugar público. Por tanto, las sesiones de grabación del disco (que por aquel entonces se llamaba "Get Back", aludiendo al regresar a las raíces rocanroleras del grupo) comenzaron a ser filmadas, en 1969, por el cineasta Michael Lindsay-Hogg. Los ensayos fueron tensos, con constantes discusiones entre los miembros del grupo, que desde sus discos anteriores denotaban una convivencia cada vez peor y más hostil entre ellos. Lennon, con su inseparable Yoko y todo el día colocado, al pasar por su etapa más intensa de adicción a las drogas, no mostraba la más mínima inquietud musical ni interés por el proyecto. George Harrison, cuyo prestigio como músico y compositor iba creciendo progresivamente, se sentía menospreciado por el resto de los miembros del grupo, llegando a marcharse en pleno trabajo, manifestando que dejaba el grupo. Volvió con la condición de que participara en las sesiones Billy Preston al piano. Ringo, como siempre, a su bola, con lo que quedaba Paul McCartney para tirar del carro, en plenitud creativa. Este es el trailer de la película documental que recogió todo el proceso de creación del álbum, yque fue premiada con Oscar a la mejor banda sonora (mejor adaptación musical) en 1970 por la canción "Let it be". Solo Paul McCartney acudió a recoger el premio.

Hubo muchas ideas, cada cual más excéntrica, sobre dónde celebrar el concierto de presentación, pero al final triunfó la más loca e improvisada: subir los equipos a la azotea de los estudios Apple donde estaban trabajando en los ensayos y el 30 de enero de 1969 sobre las 13:00 h. dieron el último concierto de su carrera, que duró 42 minutos. Finalizó cuando la policía clausuró la actuación por las quejas de los comerciantes de la zona por el ruido. Vivir para ver. Algunas de estas canciones se incluyeron en el disco "Let it be". Al día siguiente se grabaron en el estudio "Let it be" y "For you blue", quedando el trabajo terminado. Merece la pena ver el video de "I've Got a Feeling" y "One After 909", aderezado con entrevistas a pie de calle a los sorprendidos viandantes.

Con el trabajo terminado, The Beatles deciden grabar el que sería el álbum de despedida: "Abbey road", con lo que las cintas quedan almacenadas hasta que John Lennon decide rescatarlas y solicita que Phil Spector lo produzca. "Let it be" es el único disco de The Beatles que no fue producido por George Martin, decisión que fue criticada por el resto, especialmente por Paul McCartney, ya que Spector aplicó su llamado "muro de sonido", sus característicos arreglos orquestales, perdiendo el gusto rockero que se perseguía en un principio. También se cambió el título original por el de "Let it be". Al publicarse, se anunció la separación del grupo. El documental, titulado también "Let it be", consiguió el Oscar a la mejor banda sonora, que como ya hemos dicho, fue recogido por Paul McCartney. Años más tarde, en 2003, Paul McCartney publicó "Let it be... naked", las canciones del disco tal y como fueron concebidas, sin la producción posterior de Phil Spector. Esta es una buena muestra.

El wáter de John Lennon, a subasta

Siguiendo con subastas curiosas, en la 33ª edición de la Beatles Convention, que se celebra anualmente en Liverpool se va a subastar nada más y nada menos que una taza de wáter perteneciente a John Lennon, con lo que la moda de subastar cosas raras de grandes leyendas de la música parece que tiene éxito. El inodoro estuvo en la casa de Tittenhurst Park, en Berkshire, en donde John Lennon escribió la célebre carta a Paul McCarney en la se quejaba del trato que sus compañeros le habían dado a Yoko Ono, y en la que reprocha a Paul su actitud un tanto altanera diciéndole: "¿Realmente piensas que la mayoría del arte actual existe gracias a Los Beatles? No puedo creer que estés así de loco. ¿No dijimos siempre que éramos parte de un movimiento y no el movimiento en sí?". Volviendo al wáter que nos ocupa, Lennon le regaló el inodoro al constructor John Hancock para que lo utilizase como maceta. Así ha permanecido durante más de 40 años, hasta que al fallecer John Hancock, su familia ha decidido subastarlo esperando alcanzar un precio entre 750 y 1.000 libras. No obstante, el objeto por el que se espera obtener una mayor cotización, unas 2.500 libras, es una edidión en sonido mono del "Two virgins", de John Lennon y Yoko Ono, del que apenas existen ejemplares.

"Two virgins" fue el álbum de debut de la pareja, que sinceramente a mí me parece un auténtico tostón, basado en la creatividad alternativa y experimental un tanto incomprensible de Yoko Ono y desechando el innegable talento de John Lennon. Cabe destacar la portada, con una foto de la pareja en la que aparecen abrazados y desnudos. La foto fue tomada por ellos mismos con el disparador automático de la cámara. El disco se vendía con una funda de papel marrón con un recorte en la que solo se veían las caras de John y Yoko. En la parte trasera aparecía el pasaje del Génesis 2:25: "Estaban los dos desnudos, el hombre y su mujer, sin avergonzarse uno de otro".

Al cierre del presente post llega a la consulta la noticia de que finalmente el wáter ha sido subastado por 9.500 libras, casi 12.000 € al cambio. Nada más y nada menos que diez veces lo previsto. ¡Que lo disfrute su nuevo propietario!

Elvis Presley y la macabra subasta

Coincidiendo con el 33 aniversario del fallecimiento de Elvis Presley recibo en la consulta una curiosa noticia: los utensilios utilizados en la autopsia y posterior embalsamamiento del cadáver del rey del rock iban a subastarse el 12 de agosto. La noticia fue anunciada por la empresa de subastas Leslie Hindman, de Chicago. Recordemos que Elvis Presley murió el 16 de agosto de 1977 tras ingerir un cóctel de diversos fármacos. Al día siguiente, el cuerpo de Elvis fue embalsamado y preparado para un velatorio privado.

El embalsamador jefe de la Memphis Funeral Home, de Tennessee, guardó los utensilios tras realizar su trabajo. "El encargado de la funeraria, mantuvo la etiqueta y los instrumentos, junto con el reporte de la habitación, la hoja del caso, las etiquetas de la limpieza, el colgador del traje y corbata del cantante y la factura del envío del ataúd, que están bajo el nombre de Elvis Presley", dijo Mary Williams, portavoz de Leslie Hindman Inc. Los instrumentos sacados a subasta son guantes de goma, fórceps, cepillos para labios, un peine, un delineador de ojos, jeringas, agujas, un tubo arterial y ganchos utilizados en la preparación del cuerpo. En la más absoluta tradición americana, se le maquilló el rostro, fue vestido con un traje y se le tiñó el cabello de negro, ya que en aquella época Elvis comenzaba a tener canas. Los objetos se agruparon en dos lotes se esparaba obtener en total unos 14 mil dólares.

Días más tarde de anunciarse la subasta, Mary Williams anunció que los elementos habían sido retirados de la subasta por dudas sobre la propiedad de dichos objetos. "Debido a dudas sobre propiedad, el embalsamador retirado decidió entregar los objetos a la Memphis Funeral Home y su compañía matriz, Service Corporation International, con la intención de hacer una donación", dijo la propia Mary Williams en un comunicado. El presidente de Memphis Funeral Home, E.C. Daves, también dijo al diario The Commercial Appeal de Tennessee que "no existe una forma exacta para determinar si los artículos que estaban siendo ofrecidos era auténticos", ya que otro empleado de la funeraria ha declarado que el instrumental fue esterilizado, volviéndose a utilizar posteriormente para otros trabajos.

Los artículos de memorabilia de Elvis Presley siguen teniendo gran demanda, ya que sus seguidores se caracterizan por ser muy fetichistas. Por ejemplo, el año pasado se subastó un mechón de su pelo por 18.300 dólares. 33 años después de su muerte Elvis Presley es uno de los artistas muertos que más dinero sigue generando. En 2009 facturó 53 millones de dólares, nada más y nada menos, según la revista Forbes. Os propongo homenajearle con el video de su última actuación el 26 de junio de 1977 en el ya demolido Market Square Arena de Indianapolis y con la última canción que interpretó: "Can't Help Falling In Love". Esta canción fue compuesta en 1961 por George David Weiss, Hugo Peretti, y Luigi Creatore para la película "Blue Hawaii", interpretada por Elvis Presley. Está inspirada en la canción "Plaisir d'amour", de Jean Paul Egide Martini. Elvis, el rey de rock, sigue vivo. Nunca le olvidaremos.

El Hondarribia Blues Festival, una cita inexcusable

Aprovechando una visita a la noble Donostia he pasado por Hondarribia, donde se ha celebrado la V edición del Hondarribia Blues Festival, ya convertido en cita inexcusable del blues mundial durante los cuatro días de cartel, del 8 al 11 de julio. Además se ha celebrado la 2010 European Blues Conference, lugar de encuentro de los profesionales del blues para poner en común negocios, proyectos, conferencias y discusiones sobre el estado actual y proyectos de futuro del blues. El cartel será difícil de igualar en futuras ediciones, con una columna vertebral sostenida por tres grandes figuras del blues con un Grammy en su haber como Pinetop Perkins, Magic Slim y el gran Solomon Burke. Cerrarán el festival unos asiduos en nuestra consulta: los gallegos Los Reyes del K.O. Entre medias, conciertos pedagógicos para niños, la proyección de la magnífica película “Cadillac Records” (ya reseñada en esta consulta), barbacoa popular con actuaciones de los grupos participantes en el festival y una jam session y sobre todo blues, mucho blues a través de conciertos en diferentes escenarios repartidos por la ciudad, haciendo de Hondarribia un pequeño Mississipi en la que el blues se respira en cada calle. En uno de esos escenarios repartidos por la ciudad, concretamente en la Plaza del Obispo, nos deleitaron Los Reyes de K.O. En esta actuación les acompañan como invitados a la armónica, Jorge Lera, armonicista del grupo madrileño The Blues Boat, y su sobrino Tatu Harp de 17 años, toda una promesa.

En cuanto a lo más destacado del cartel hay que resaltr a Pinetop Perkins, de 97 años, uno de los más grandes bluesman de todos los tiempos, procedente del Mississipi, todavía en activo, y lo que le queda. Dejó la guitarra en los comienzos de su carrera por una lesión en el brazo, y se cambió al piano, llegando a ser reconocido como quizá el más grande pianista de blues. Comenzó acompañando en los años 30 y 40 a Sonny Boy Williamson, y en los 50 a B. B. King y Earl Hooker. Fue el pianista de Muddy Waters durante 12 años convirtiéndose aún hoy en todo un referente para los pianistas de blues. Como curiosidad, su única exigencia por contrato en al Hondarribia Blues Festival fue poder fumar y comer hamburguesas de Mc Donald's. Gran detalle fue acudir como uno más a la barbacoa popular que cerraba las jornadas del festival.

Otro de los pesos pesados, no solo por su físico sino por su categoría dentro y fuera del escenario, ha sido Solomon Burke. Leyenda viva del soul, desde el sillón dorado desde el que canta en sus conciertos (por su volumen no puede estar en pie de forma continuada) es capaz de ponernos en pie y hacernos bailar en sus conciertos o emocionarnos con sus baladas cargadas de sensibilidad. Pese a componer temas como "Everybody Needs Somebody To Love" nunca fue reconocido como el grandioso soul man que es hasta que en 2002, con más de 60 años, publica "Don't give up on me" con canciones escritas para él por Bob Dylan, Brian Wilson, Van Morrison, Elvis Costello o Tom Waits. Desde entonces en sus giras siempre cuelga el cartel de completo, y es un habitual en los festivales españoles.

Os ofrezco un completo video de las actuaciones de los vizcaínos The Reverendos, Pinetop Perkins y Solomon Burke. Solo dadle al play y disfrutad. Merece la pena.

El Hondarribia Blues Festival se ha labrado ya en sus cinco ediciones una merecida fama de purista, y esto se lo debemos a su director, Carlos Malles, quien vive el blues desde dentro del grupo Midnight Shuffle. Carlos Malles ha declarado: "Mis amigos y la gente de mi banda me dicen que soy un talibán del blues. La verdad es que soy bastante purista, cierto; pero, de todos modos, siempre tratamos de que el cartel quede lo más variado posible en lo que a estilos de blues se refiere. En cuanto a los veteranos, este año premiamos a Pinetop Perkins, que cumplirá nada más y nada menos que 97 años aquí, en Hondarribia. También programamos siempre una banda que nunca antes haya pisado nuestro país. En su día fue Janiva Magness, Zac Harmon y la gran revelación del año pasado, Dwayne Doopsie. Este año son los Cash Box Kings, una banda muy joven de Chicago que dará mucho que hablar". Veamos un resumen de la primera jornada del festival, con actuaciones de The Blues Hackers, Los Reyes del K.O., Magic Slim y los Cash Box Kings con su estilo a la vieja escuela del puro blues de Chicago de los años 40 y 50, cuando los bluesmen emigraban del Delta del Mississipi hasta la capital de Illinois.

Estaremos esperando con expectación el cartel del Hondarribia Blues Festival 2011. Será una buena ocasión de respirar de nuevo los aires sureños de esta ciudad del norte. Hasta entones.. ¡mucho blues!

Phelps "Catfish" Collins, el guitarrista del funk

Si la semana pasada le dedicábamos una reseña al fallecimiento del bajista funk Marvin Isley, desde esta especie de cementerio virtual en que se está convirtiendo esta consulta desde hace tiempo quiero dedicar el post de hoy al guitarrista funk Phelps "Catfish" Collins, que ha fallecido a los 66 años el pasado el pasado 6 de agosto en Cincinnati (Ohio) tras sucumbir ante un cáncer. Phelps era el hermano mayor del bajista funk Bootsy Collins, y le acompañó en la banda de James Brown The J.B.'s, y en Funkadelic, grupo del pionero del funk George Clinton. "Mi mundo nunca será el mismo sin él", dijo su hermano Bootsy Collins en un comunicado. "Sé feliz por él, sin duda ahora y por siempre será el joven más alegre que he conocido en este planeta". En 2007, participó junto a su hermano en la banda sonora original de la gamberra película "Superbad", en España traducida como "Supersalidos". Queremos homenajear desde nuestra consulta a Phelps "Catfish" Collins con uno de los más reconocidos hits en que acompañó a la guitarra a James Brown, "Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine" de 1970. Descansa en paz.

Marvin Isley, el bajista del funk

Marvin Isley, bajista y miembro más joven de la banda de soul The Isley Brothers ha fallecido a los 56 años en el Seasons Hospice del Weiss Memorial Hospital de Chicago. Se desconoce la causa de la muerte pero su salud era bastante delicada debido a una diabetes crónica que le hizo retirarse en 1997 y poco después se le tuvieron que amputar las dos piernas.

Como tantos otros, los cuatro hermanos mayores Isley, O´Kelly Jr., Rudy, Ronald y Vernon, comenzaron cantando en el coro de la iglesia como cuarteto gospel, tutelados por sus padres Sally Bell y O'Kelly Isley Sr. En 1955 Vernon falleció a los 13 años en un accidente de bicicleta. La actividad del grupo se paraliza por la tragedia, hasta que un año después los tres hermanos Isley se reúnen de nuevo trasladándose a Nueva York para grabar algunos temas doo wop, aunque con escasa repercusión. Actuaban asiduamente como teloneros de otros artistas ya consagrados, como Jackie Wilson, cuyo show abrieron The Isley Brothers con el tema del propio Wilson "Lonely Teardrops". En aquel concierto Ronald exclamó "You know you make me want to shout!", de la misma forma que hacían tras la lectura del Evangelio en la iglesia. Un ejecutivo del sello RCA Records lo vió, le gustó y les ofreció su primer contrato. La canción "Shout!", escrita por los hermanos Isley, se convirtió en un bombazo, amplificado por la realización de covers o versiones a cargo de otros grupos que la incluían en sus shows. Les fue imposible mantener el éxito con singles posteriores y abandonan RCA en 1962. Fichan por Wand Records, consiguiendo otro gran éxito al grabar "Twist & Shout" de The Topnotes. Su éxito se multiplicó por la grabación de este tema por The Beatles, llegando The Isley Brothers al número 2 de las listas americanas en 1963.

Montan su propio sello, T-Neck Records, al hilo del éxito conseguido pero no consiguen mantenerse en lo más alto. Firman con Motown Records y en 1965 consiguen su mayor éxito con "This Old Heart of Mine", que más tarde popularizó Rod Stewart y ya en el siglo XXI Vonda Shepard en la banda sonora de la serie de TV Ally McBeal, versión que a mí personalmente me gusta mucho. Como en otras ocasiones The Isley Brothers no consiguieron mantenerse en la cresta de la ola y al considerarse en la Motown como un grupo de segunda categoría frente a The Temptations o The Supremes deciden abandonar la Motown y fichan en 1969 por el neoyorquino Buddah Records. Entretanto, escuchad a los Isley Brothers en "This Old Heart of Mine".

Con su fichaje por Buddah Records, The Isley Brothers dieron un giro a su estilo e imagen, adoptando un sonido funky, más al estilo de James Brown. Se unieron los hermanos menores, el guitarrista Ernie y baterista y nuestro protagonista Marvin al bajo. Llegan al número 1 con el tema funk "It's Your Thing", además de ganar un Grammy y vender cinco millones de discos. Esta es una actuación en la que hacen un medley con "It's Your Thing" y su primer éxito "Shout!".

En 1973 cambian de discográfica y se van a Epic, consiguiendo encadenar en esta nueva etapa una serie de éxitos como sus discos "3 + 3", "The heat is On" o "Between the sheets". En 1984 Ernie, Chris y Marvin se separan y montan su propia banda. En 1986 Kelly Isley fallece y en 1989 Rudolph se retira para dedicarse a su actividad como pastor eclesiástico. En 1992 Ernie y Marvin se reúnen con Ronald para grabar el álbum "Tracks of Life". Ese mismo año son incluidos en el Rock & Roll Hall of Fame. En 1996 vuelven al número 1 con "Mission to Please". Más tarde publicaron "Eternal" (2001), "Body Kiss" (2003) y "Baby Makin' Music" (2006). En 2007 publicaron el navideño "I'll Be Home For Christmas". Esta es una de las últimas actuaciones del grupo, en 2005, que quedó inmortalizada en un DVD. El tema escogido es "Summer Breeze".

Como curiosidades de The Isley Brothers os puedo contar que está considerada la banda más longeva de la historía, al mantenerse en activo desde su fundación a principios de los 50. También os contaré que en 1964 se incorpora un guitarrista solista de Seattle llamado Jimmy James. Al dejar al grupo poco después, James cambió su nombre por el de Jimi Hendrix. The Isley Brothers también contaron con un joven inglés llamado Elton John como pianista durante una gira por el Reino Unido, ese mismo año. En cuanto a Marvin Isley nos deja un interesante legado en cuanto al protagonismo que adopta el bajo como sección rítmica en la música funk de los 70. Su técnica fue adoptada más tarde por figuras como Paul Weller, Prince o Lenny Kravitz. Descansa en paz.

Abbey Road, a la venta

Llega a la consulta la noticia de que los estudios londinenses de grabación Abbey Road están a la venta por los problemas económicos de la discográfica EMI. Se desconoce si junto a los estudios adquiridos en 1929 se ha puesto a la venta la marca registrada, ya que esta es mucho más valiosa que el propio edificio. The Beatles hicieron estos estudios famosos tras utilizarlos para grabar la mayor parte de sus canciones entre 1962 y 1969, y sobre todo al ver la luz el último trabajo grabado por los Fab Four: "Abbey Road". Sin embargo, el último álbum publicado por The Beatles en 1970, "Let it be", fue grabado anteriormente. "Abbey Road" fue producido por George Martin para Apple Records. Tras las turbulentas sesiones de grabación del denominado proyecto "Get Back", que después se llamó definitivamente "Let it be", Paul McCartney, que nunca fue partidario del estilo experimental de Phil Spector, propuso a George Martin volver a grabar un disco como antes. Para ello necesitó la aceptación de John Lennon, y mientras George Martin repescó a Geoff Emerick tras abandonar el equipo un año atrás, y a su asistente Alan Parsons. Tras la reunión mantenida en los estudios EMI en 1969 los cuatro beatles se conjuraron para dejar a un lado sus diferencias y "terminar de una manera honorable".

Con "Abbey Road" descubrí el grandioso talento de George Harrison, que siempre había como quedado aparentemente en un segundo plano, a la sombra de la riqueza creativa de Lennon y McCartney, que aglutinaban todo el protagonismo en el grupo. Harrison aporta a este trabajo dos canciones absolutamente sensacionales: "Something" y "Here comes the sun".

Harrison se inspiro en su mujer Patti Boyd para escribir "Something", siendo la segunda canción de The Beatles de la que se han hecho más versiones, solo superada por "Yesterday". Fue compuesta durante las sesiones del "White Album", pero no dio tiempo a incluirla en el disco. La canción fue ofrecida a otros cantantes como Joe Cocker, pero al final decidió grabarla con The Beatles. Se dice que la primera frase de la canción ("Something in the way she moves") está tomado de una canción de James Taylor. Es realmente un tema excepcional, una obra maestra, en la que el característico solo de guitarra del propio George Harrison y los arreglos orquestales de George Martin le aportan una calidad fuera de lo habitual. Disfrutad de esta joya.

"Here comes the sun" es un canto a la alegría y al optimismo. En los peores momentos de la relación entre The Beatles, en la que se quiso cambiar de manager, con constantes reuniones con su discográfica Apple, en un momento dado George Harrison decidió que necesitaba salir de allí. Se marchó a Surrey a ver a su amigo Eric Clapton. Mientras caminaba por el jardín bajo el sol en plena naturaleza en su remanso de tranquilidad, se inspiró para escribir la canción. Es otra pieza maestra de la música moderna. En ella George Harrison acapara diversos instrumentos como la guitarra acústica y eléctrica, el armonio, el sintetizador, las plamas y además pone la voz. Paul McCartney por el bajo y coros y Ringo la batería. También George Martin dirige una orquesta de 17 músicos, encajando todas las piezas a la perfección.

Una de las características más reseñables de "Abbey road" es la portada, que curiosamente se improvisó sobre la marcha. Solo se tomaron seis fotografías, por el intenso tráfico que habitualmente hay en Abbey Road. Como curiosidad, el Volkswagen que aparece a la izquierda estaba habitualmente aparcado en la zona, ya que pertenecía a alguien que vivía junto al estudio, ya que Abbey Road es la calle donde están situados los estudios de grabación, cuyo nombre para el estudio fue adoptado en 1970. Es la escenificación de un entierro en la que aparece John vestido de blanco representando a un predicador, George en vaqueros y un tanto desaliñado haciendo de enterrador y Ringo de luto, amigo del difunto, cuyo papel le corresponde a Paul, caminando descalzo (en Oriente los cadáveres son quemados descalzos), con los ojos cerrados y con el paso cambiado respecto al resto. A la derecha está aparcado un coche negro a modo de coche fúnebre. ¿Esta portada representa la muerte, el final de The Beatles? Tal vez. Os dejo con "Come together", la canción que abre el disco y que fue single junto a "Something". Fue escrita por John Lennon para la campaña que el político Timothy Leary preparaba para presentar su candidatura a gobernador de California, y fue lanzada como un sencillo de doble cara A, junto con "Something". Por siempre, Beatles.

Walter Hawkins, una leyenda del gospel

Walter Hawkins, una de las más legendarias figuras del gospel, ha fallecido a causa de un cáncer de páncreas a los 61 años de edad y tras más de cuarenta años de brillante carrera. Llevó una auténtica vida de cantante de gospel, combinándola con su actividad como pastor de la Iglesia God in Christ, de la que llegó a ser obispo. Comenzó su carrera musical en The Northern California State Youth Choir, perteneciente a su congregación. Más tarde junto a su hermano Edwin fundó el coro The Edwin Hawkins Singers. Esta actuación es de 1971, con el tema "To my Father's house", acompañados de Elaine Kelly.

A principios de los 70 abandonó The Edwin Hawkins Singers y se trasladó a la ciudad californiana de Oakland, en la Love Center Church. Con el Love Center Choir consiguió un gran éxito con una serie de grabaciones denominadas "Love alive". Estos trabajos llevan vendidas más de un millón de copias, cifra considerable para un estilo minoritario como el gospel. "Love alive IV", editado en 1990, llegó al número 1 de Billboard Gospel Music Charts donde se mantuvo durante 33 semanas. Además, Walter Hawkins ha colaborado de alguna manera en 116 hits de Billboard Gospel Music Charts. También ha colaborado en numerosas ocasiones con artistas de la talla de Van Morrison. Cuando escucho un duelo de voces excepcionales arropadas por un coro dando gracias a Dios sé por qué me gusta el gospel. Disfrutad de Walter Hawkins y Donnie McClurkin en este "Thank You".

La figura de Walter Hawkins ha sido fundamental en la música gospel, ya que lo sacó de las iglesias y las celebraciones religiosas y lo hizo llegar al gran público. Produjo el bombazo "Oh Happy Day", canción espiritual del siglo XVIII rescatada del olvido, a la que modernizó, traspasando todas las fronteras y pasando de ser una clásica canción gospel en todo un número 1, cantada por The Edwin Hawkins Singers. Ha sido versionada por innumerables cantantes como como Joan Baez, Aretha Franklin y Elvis Presley. Walter Hawkins ha sido, es y será una leyenda del gospel. Sirva como homenaje de nuestra consulta este video de "Oh happy day" cantándolo junto a grandes estrellas del gospel, con Richard Smallwood al piano y Jeffrey LaValley al órgano. Desde el cielo seguirá acudiendo puntual a nuestra consulta.