Coro Gospel de Madrid... de Madrid al cielo a través del gospel

Como cada año por estas fechas el gospel se apodera de la ciudad de Madrid donde, además de su ya veterano Festival de Gospel y Negro Spirituals se instala en el Teatro Fernán Gómez de la madrileña plaza de Colón, los conciertos de gospel se multiplican. Este año he tenido el placer de asistir al que ha ofrecido el Coro Gospel de Madrid en el Teatro Auditorio de la Casa de Campo el pasado 15 de diciembre en beneficio de la ONG Diaconía. Diaconía es una entidad religiosa asociativa erigida por la FEREDE (Federación de Entidades Religiosas Evangélicas de España) en 1997 para apoyar y ayudar a las iglesias e instituciones evangélicas en sus proyectos sociales, así como aunar los esfuerzos suficientes para dar un servicio social de calidad a aquellas personas que en nuestra sociedad así lo requieran. En este caso la recaudación irá destinada íntegramente a paliar los demoledores efectos que la crisis actual está causando en las familias españolas. Tanto el Coro Gospel Madrid como los invitados han actuado de forma totalmente desinteresada, costeándose sus propios gastos. Esto es digno de resaltar, sobre todo cuando alguno de ellos venían expresamente al concierto desde los Estados Unidos.

El Coro Gospel de Madrid se fundó hace ya diecisiete años como una, podríamos decir, escisión del Coro Evangélico Nacional, ya que sus integrantes madrileños decidieron "independizarse" en 1998 y crear un coro propio. El Coro Gospel de Madrid está formado por más de 60 cantantes, cinco músicos y un cuerpo de baile que da color y brillantez a sus actuaciones, y está dirigido por Nancy Roncesvalles. Nacida de los Estados Unidos aunque de ascendencia navarra, estudió música, imagen y sonido en el Ithaca College de Nueva York. Atesora una gran experiencia en dirección de coros en diferentes países, además de haber dirigido montajes musicales en varios colegios de Madrid, en los que ejerce como profesora de música y canto en base a sus estudios de pedagogía musical. Echadle un vistazo a esta interesante entrevista que le realizó elmundo.es.



Especialmente para este concierto se ha contado con la presencia de tres espléndidos músicos, que le han dado un mayor toque de autenticidad, si cabe, al Coro Gospel de Madrid. Damien Sneed, pianista, organista, compositor, arreglista y productor, es profesor de música en la City University of New York, y ha actuado en el Carnegie Hall, Lincoln Center y Kennedy Center, además de acompañar a músicos de la talla de Jesse Norman y Winton Marsalis. Toda una garantía de buen hacer sobre el escenario. El reverendo evangélico nigeriano Amos Obasohan se metió al público en el bolsillo, uniendo a sus dotes como predicador las de vibrante cantante de gospel. Además se contó con la presencia de la potente voz de Charisse Nelson-McIntosh. La guinda al concierto la puso la presencia del coro infantil Gospel Kids Connection, el primer coro gospel infantil de Madrid y cantera de futuro para el gospel en España.

 

Feliz Navidad, con Phil Spector

Hoy es Nochebuena y como cada año desde esta consulta queremos desearos que paséis esta noche tan especial en la mejor compañía, con los mejores deseos de paz y amor. Y si a todo esto le añadimos un poco de la mejor música seguro que entre todos lo podremos conseguir. Para ello os traigo todo un clásico: “A christmas gift for you”, aquel proyecto de Phil Spector hecho realidad de grabar una serie de villancicos clásicos a los que adereza con aquel invento suyo, el wall of sound o muro de sonido. Para los profanos, el muro de sonido era una técnica creada por Phil Spector en la que superponía una serie de capas de instrumentos musicales, incluso duplicando y triplicando el mismo instrumento, consiguiendo de esta forma un efecto similar al de una orquesta sinfónica.

Phil Spector comienza a trabajar en esta idea en agosto de 1963, en pleno éxito de sus producciones, en especial The Ronettes con su "Be my baby" que estaban en aquel momento el número uno. En el libreto que acompaña al disco Phil Spector reflexiona  sobre en concepto de Navidad como "espíritu inocente y efusivo rodeado de buenos propósitos". Pese a ser judío le encantaba el espíritu navideño hasta el punto de que decoraba su mansión de Los Ángeles con profusión de luces, muñecos y parafernalia navideña en general, pudiendose ver el resplandor de las luces desde buena parte de la ciudad.

A finales de agosto de 1963 reúne a todos sus músicos en los estudios Gold Star de Nueva York, que se presentan allí con una fidelidad a toda prueba, pese a se someten a sesiones de 24 horas ininterrumpidas con la presión de un Phil Spector en plena forma, rozando el histerismo en la férrea búsqueda del pop perfecto añadiendole el tinte navideño que rezuma el disco por cada uno de los surcos.

Como corte final del disco y como preámbulo del clásico "Silent night" Phil Spector se recrea durante un speech de un cinco de minutos, que tuvo que ser recortado finalmente a dos, en donde nos dice sobre un lecho de instrumentos de cuerda y arropado por todos los participantes en el disco: “quería relatar mis sentimientos sobre la Navidad a través de la música que amo”.

“A christmas gift for you” salió a la venta en un mal día: el 22 de noviembre de 1963. Ese mismo día John F. Kennedy, presidente demócrata de los Estados Unidos, es asesinado en Dallas. Se intentó retirar de las tiendas por orden del propio Phil Spector, pero no fue posible. Los americanos no estaban para celebraciones y las ventas y la repercusión del disco no fue la esperada. No obstante ha soportado perfectamente el paso del tiempo y ya es considerado un clásico.

¡Feliz Navidad!

Dave Brubeck, el gran pianista de jazz

Hará como unos quince años encontré rebuscando en alguna de esas tiendas especializadas de discos de las que ya no quedan un disco grabado en directo con actuaciones de B.B. King, Pat Metheny y Dave Brubeck. Atraído por las canciones de B.B. King no hice mucho caso al resto, hasta que comenzó a sonar un tema que me impresionó por su ritmo al piano y un impresionante solo de trombón que resonó grandilocuentemente en mi equipo. El tema era "Ol' Bill Basie" y estaba interpretado por el pianista de jazz Dave Brubeck. Desde ese momento comencé a interesarme por el jazz. El pianista Dave Brubeck ha fallecido en Norwalk (Connecticut) el 5 de diciembre, justo un día antes de cumplir 92 años, a causa de un paro cardíaco cuando iba camino de un hospital para hacerse un reconocimiento médico.

Dave Brubeck nació un 6 de diciembre de 1920 en la ciudad de Concord, junto a San Francisco, y ya desde muy pequeño la música le rodeó. Su madre era pianista y sus dos hermanos mayores estudiaban música clásica. Él no podía ser menos y asistió a clases de violonchelo y piano desde que tenía nueve años. Iba para veterinario, pero sacrifica sus estudios universitarios por los de piano, teoría de la música y composición. Se lo toma muy en serio y se matricula en el College of Pacific. En 1944, la II Guerra Mundial le lleva a luchar a Francia con el ejército aliado, donde aprovecha para dirigir una orquesta militar. Tras el armisticio vuelve a Estados Unidos y retoma sus estudios musicales de la mano del compositor francés Darius Milhaud, quien organiza entre sus alumnos un octeto experimental.

Se dice que la música de Duke Ellington fue culpable de que David Brubeck abandonase la música clásica por el jazz, lo que le trajo no pocas críticas por su estilo musical, que aunaba el jazz con guiños a diferentes músicas europeas, difíciles de interpretar por el ortodoxo público norteamericano aficionado al jazz. Forma en 1951 su legendario cuarteto de la mano del saxofonista Paul Desmond. The Dave Brubeck Quartet alcanza su mayor grado de madurez con la incorporación en 1956 del batería Joe Morello, que ya fue invitado a esta consulta, y el contrabajista Eugene Wright en 1958. Este salto de calidad se traduce en que The Dave Brubeck Quartet comienza a girar alrededor del mundo, dejando de ser un buen cuarteto con reconocimiento únicamente local. Su popularidad aumenta por momentos llegando a ser el segundo jazzman en ser portada de la revista Time, tras Louis Armstrong.

 

 

El gran tema que les lanza en 1959 a nivel mundial es "Take five", compuesto por Paul Desmond e integrado en el disco "Time out", conviertiéndose desde entonces en un clásico del jazz, siendo utilizado como sintonía en programas de televisón y en eventos deportivos. Llegó a ser el primer disco de jazz en vender un millón de copias.

El jazz que ofrecía The David Brubeck Quartet desde la costa oeste de los Estados Unidos era alegre y fresco, con aroma a brisa de las playas californianas, frente al jazz nocturno salpicado de notas de blues en algún club neoyorkino lleno de humo. El cuarteto permaneció unido hasta 1967, cuando Paul Desmond abandona la banda. El trabajo con el que se despidieron fue "Anything goes", publicado en 1966, recreando canciones de Cole Porter, como " "I get a kick out of you".

The Dave Brubeck Quartet se disuelve en 1967, lo que le permite dedicarse a la composición de extensos proyectos musicales para orquesta y coro de corte barroco y a componer diferentes bandas sonoras para series de televisión. Dave Brubeck, que se ha mantenido en activo sobre los escenarios hasta 2010, fue galardonado por Bill Clinton con la Medalla de las Artes en 1994 y por Barack Obama con el premio honorífico de los Kennedy Center Honors en 2009 por su aportación a la cultura norteamericana. Cuenta con un premio Grammy por toda su carrera y una estrella en el Hollywood Walk of Fame. Sin duda Dave Brubeck es una de las figuras claves en la historia de jazz, contribuyendo a que pasara de ser música de baile a la consideración de música culta, a la misma altura de la música clásica. En 2010 Clint Eastwood le dedica el documental "Dave Brubeck: in his own sweet way", como homenaje a toda su carrera. Desde esta consulta le rendimos tributo con su gran tema "Blue rondo a la turk". Descanse en paz.

R. B. Greaves, a la sombra de Sam Cooke

El pasado 2 de octubre The New York Times publicó el siguiente titular: "R. B. Greaves, pop singer, dies at 68". El soul man R. B. Graves falleció el pasado 27 de septiembre en Granada Hill (Los Ángeles) a causa de un cáncer de próstata. Contaba con 68 años de edad.

Ronald Bertram Aloysius Greaves III nació el 28 de noviembre de 1943 en la base aérea de Georgetown, en la entonces Guyana británica, y creció en una reserva de indios seminolas, en California. Se trasladó a Inglaterra en 1963, donde lidera el grupo Sonny Childe &  The TNT, consiguiendo cierto éxito tanto en Inglaterra como en países caribeños. Vuelve a América en 1969 y debuta en solitario publicando su gran éxito "Take a Letter Maria", previamente grabada por Tom Jones y Stevie Wonder. El presidente de Atlantic Records, Ahmet Ertegün, insistió en que la grabase el propio R. B. Greaves, quien además la produjo. La canción nos narra la historia de un hombre que ha conocido la infidelidad de su mujer y le dicta la carta de separación a su secretaria. Vendió dos millones y medio de ejemplares en un año.

A partir de aquí su trabajo no tuvo gran repercusión, dedicándose a grabar covers de diferentes clásicos del soul aprovechando su excelente voz, que recordaba la de su tío Sam Cooke. Le faltó carisma para explotarla, consiguiendo solo algún éxito con el tema de Burt Bacharach y Hal David "Always Something There to Remind Me". Se retiró muy joven para dedicarse a trabajar en Los Ángeles en la industria de la tecnología. Descanse en paz.

Mickey Baker, el session guitar del blues

Se puede definir un músico de sesión o session musician como aquellos instrumentistas que intervienen en actuaciones en directo o en sesiones de grabación. Lamentablemente se caracterizan por no alcanzar la popularidad o incluso el prestigio del solista o grupo que les contrata. Mickey Baker, guitarrista de sesión en los años 50 para los sellos Savoy, King y Atlantic, ha fallecido el pasado 27 de noviembre en la ciudad francesa de Toulouse, cuando contaba con 87 años de edad.

Mickey Baker nació en Louisville (Kentucky) y pasó una infancia difícil, ya que desde los once años, en 1936, ingresó en un orfanato, de donde se escapó en repetidas ocasiones. A los 16 años se emigró a Nueva York y encontró trabajo como albañil. Su mayor afición en aquellos años era el billar, llegando a convertirse en jugador profesional en los salones de billar de la calle 26. Con 19 años decide abandonar su trabajo de lavaplatos para dedicarse a la música a tiempo completo. Acudió a una casa de empeños para comprar una trompeta ya que había decidido ser una estrella del jazz, pero sus ahorros solo le dieron para una guitarra. Se matriculó en The New York School of Music, pero no tenía paciencia y tenía prisa por aprender. Dejó la escuela de música y decidió aprender por su cuenta, pero tampoco avanzaba al ritmo que él quería. Poco después conoció a un músico callejero que le enseñó a dar los primeros pasos con las seis cuerdas, empezando a recibir clases particulares de diferentes músicos poco después.

Decide mudarse a la costa oeste, pero aquel no era territorio para el jazz. Tras un concierto del guitarrista de blues Pee Wee Crayton se preguntó si se podría ganar la vida tocando blues. Pee Wee Crayton conducía un Eldorado blanco y su grupo viajaba en un enorme autobús. Decidió que el blues sería únicamente un medio de ganar dinero. Así consiguió dinero suficiente para volver a desde California a Nueva York. Así, comenzó a grabar para los sellos Savoy, King y Atlantic Records en sesiones para The Drifters, Ray Charles, Ivory Joe Hunter, Ruth Brown, Big Joe Turner, Louis Jordan o Coleman Hawkins, entre muchos otros.

A mediados de los 50 formó el dúo Mickey & Sylvia (con Sylvia Robinson, una de sus estudiantes de guitarra). Su único éxito fue "Love is strange" en 1956.Se separan poco después y Mickey Baker decide instalarse en Francia, donde editó un par de discos en solitario y colaboró como músico de sesión con rockeros como Ronnie Bird o Françoise Hardy, Chantal Goya y Silvie Vartan.



En 1999 recibe el premio Pioneer de la Rhythm and Blues Foundation. En 2003 la revista Rolling Stone le incluyó en el puesto 53 de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos. Está considerado uno de los guitarristas más influyentes en la década de los 50, junto a grandes de blues como Bo Diddley, Ike Turner y Chuck Berry. Su método autodidacta "Complete Course in Jazz Guitar" sigue editándose cincuenta años después, y es habitualmente utilizado por apredices de la guitarra de jazz. Las canciones que ilustran este post son "(Mama) He Treats Your Daughter Mean", con Ruth Brown, grabada en 1953, "Shake, Rattle and Roll", con Big Joe Turner, grabada en 1954, "Love is strange" de Mickey & Sylvia  y "Spinning rock boogie", grabada por el propio Mickey Baker en 1956, con la que queremos rendirle homenaje. Descanse en paz.

Major Harris, el vocalista de The Delfonics

Como la mayoría de vosotros sabéis, en esta consulta tenemos en especial estima a aquellos artistas que por alguna razón han quedado en un segundo plano, pese a su capital aportación al mundo de la música. Este es el caso de The Delfonics, elegante grupo soul originario de Philadelphia, que fue rescatado del olvido por el director de cine Quentin Tarantino para la banda sonora y eje argumental de su película "Jackie Brown", devolviéndole parte del esplendor perdido y olvidado a lo largo de los años. Su vocalista y líder Major Harris ha fallecido el pasado 9 de noviembre a los 65 años de edad.

Major Harris nació en Richmond (Virginia) el 9 de febrero de 1947. En su familia se vivía intensamente la música. Su padre era guitarrista y además Norman Harris, productor y arreglista del sello Philadelphia International Records era su primo. Como muchos otros dio sus primeros pasos en el gospel, cantando en la iglesia de su barrio de la mano de su madre, que era vocalista del coro. Durante la década de los 60 graba algún disco en solitario para los sellos Laurie y Okeh, y participa con cierto éxito en diferentes bandas vocales como The Jarmels y Nat Turner's Rebellion. Sin embargo el gran espaldarazo a su carrera se produce al sustituir a Randy Cain como voz solista de The Delfonics, consiguiendo los mayores éxitos de la banda, como este "La-La (Means I Love You)".

En 1974 Major Harris decide emprender su carrera en solitario fichando por el sello Atlantic, donde consigue algún éxito discreto, sin lograr brillar como su talento merecía. Su principal éxito en solitario lo alcanza con “Love Won’t Let Me Wait” en 1975, compuesto por Vinnie Barrett y Bobby Elli, e incluido en su álbum "My way". Más tarde sería versionado por Johnny Mathis, Luther Vandross y Seal.

A partir de 1975 desaparece del primer plano y pasa a formar parte de los circuitos norteamericanos del soul, manteniéndose en activo actuando en pequeños clubes, salteado con alguna esporádica reunión de The Delfonics en los 80 y 90. En 1997 se estrena la película de Quentin Tarantino "Jackie Brown" e incluye en la banda sonora los temas “La-La (Means I Love You)” y “Didn’t I (Blow Your Mind This Time)”. La película está basada en la novela de Elmore Leonard "Rum Punch" en la que la azafata Jackie Brown es detenida cuando hace de correo para un traficante de armas y la policía le ofrece libertad a cambio de llevarles hasta el traficante. Quentin Tarantino rescata a la vieja gloria Robert Foster, eterno secundario del cine norteamericano, y a Pam Grier, musa indiscutible del blaixploitation, aquel movimiento cinematográfico de los 70 basado en las vivencias de la comunidad afromericana, la mayoría de las veces traspasando la ilegalidad.

The Delfonics, con Major Harris al frente, fueron uno de los máximos exponentes del sonido Philadelphia, esa especie de soul sinfónico que invadió las discotecas en los 70. Major Harris, descansa en paz.

"Vibraciones prohibidas", la exposición sobre la censura en España

Esta semana os recomendamos encarecidamente la exposición "Vibraciones prohibidas", de obligada visita para poder conocer y entender la música pop y rock en España, y lo realmente difícil que lo tuvieron los pioneros del rock en nuestro país en los 60 y 70. Desde el 16 de noviembre y hasta el 10 de marzo de 2013 se exponen en el CGAC - Centro Gallego de Arte Contemporáneo, en Santiago de Compostela, unas 300 portadas de discos censuradas por el régimen franquista, se proyecta el documental “Que vienen los Beatles”, dirigido por Pedro Costa, y se podrán escuchar canciones censuradas en aquellos años. Como curiosidad, cabe destacar que la primera canción censurada en España fue "Bésame mucho" en 1960, aunque también fue la primera en ser amnistiada en 1966, año en que el imprescindible disco de Bob Dylan "Blonde on blonde" vio como era mutilado al ser censuradas tres canciones por supuestas referencias homosexuales.

Después de un minucioso trabajo de investigación llevado a cabo por Xavier Valiño, comisario de la exposición, llegó a identificar 4.343 canciones vetadas por la Dirección General de Radiodifusión y Televisión, es decir, que hasta que con la llegada de la democracia en 1975 estaba rigurosamente prohibido que fuesen radiadas. Además están identificadas 564 que fueron indultadas, tras reconsiderar dicha Dirección General de Radiodifusión y Televisión su primera decisión.

 

En un principio la radio era relativamente fácil de controlar: una canción se declaraba no radiable y el asunto terminaba. Pero en los 60 los españoles empiezan a comprar tocadiscos y discos para escucharlos en ellos. El régimen se alarma y Manuel Fraga Iribarne es nombrado Ministro de Información y Turismo, encargándose de publicar la ley Ley 14/1966, de 18 de marzo, de prensa e imprenta, que básicamente se ocupaba de limitar sistemáticamente la libertad de expresión. Se crea en 1970 la Dirección General de Cultura Popular, compuesta por cuatro censores, que levantaban acta de cada censura, con dictámenes tan sorprendentes como el que reza literalmente: "Parecen filocomunistas, pero en el texto no hay claridad de pensamiento". Para troncharse de risa, por no echarse a llorar... Desde este momento también fueron censurados párrafos de canciones y por supuesto también alcanzó a la apuesta estética de los músicos: más de trescientas portadas, contraportadas, libretos...fueron modificados, como las que ilustran el presente post. Destaca el póster incluido en la banda sonora de "Quadrophenia", en la que el censor se entretuvo en dibujar a mano bikinis que ocultasen los desnudos que aparecían en las fotos.

También habrá un despliegue de actividades entre las que destacan la mesa redonda en la que participarán Kiko Veneno, cuya portada del disco "Veneno" tuvo que ser modificada, Mercedes Ferrer, Directora del Área de Música de la Fundación Autor, y los comisarios de la exposición Xavier Valiño y Héctor Fouce, en la que debatirán sobre "Libertad y creación musical: la censura política y la imposición de los mercados". Asimismo, Cineuropa proyectará documentales sobre artistas censurados por el franquismo, como Jimi Hendrix, Bob Dylan o The Beach Boys. Una buena excusa para hacer una escapada a Santiago de Compostela.