Sí, amigos. Una nueva baja se ha producido en el mundo del blues. El pasado 30 de septiembre ha fallecido el armonicista californiano Norton Buffalo, a causa de un cáncer diagnosticado recientemente, a los 58 años de edad.
A principios de los setenta comenzó a tocar la armónica en bandas de San Francisco como The Moonlighters o con Elvin Bishop, haciéndose un huequito como soplador. En 1976 se unió a la legendaria banda de country rockCommander Cody and His Lost Planet Airmen con los que grabó el álbum “We’ve Got A Live One Here!”. A continuación se fue de gira con The Steve Miller Band, llegando a colaborar en algunos de sus discos. A lo largo de su carrera trabajó, entre otros, con los Doobie Brothers, Bette Midler o Kenny Loggins. La colaboración más larga fue con el bluesguitar Roy Rogers, al que acompañó durante veinte años. En este video podemos verles en el tema "Ain't no Bread in the Breadbox", en el que Norton Buffalo además de soplar la armónica, lleva la voz cantante.
Norton Buffalo publicó tres discos en solitario: “Lovin’ in the Valley of the Moon” (1977), “Desert Horizon” (1978) y “King of the Highway Blind Pig” (2000). Echad un vistazo a esta actuación de principios de los ochenta, en una sentida interpretación del "Guetto Hotel". Ojito a la indumentaria.
Sus amigos le iban a homenajear el 23 de enero de 2010 en el Fox Theateren de Oakland. Entre otros estarán The Steve Miller Band, The Doobie Brothers, Huey Lewis, George Thorogood, Charlie Musselwhite y Bonnie Raitt.
El guitarrista de bluesJohnny Jones ha fallecido en Nashville, donde residía, el pasado 14 de octubre, con lo que hay que apuntar una nueva baja en el mundo del blues. No se sabe de qué ha muerto. Le encontró un fumigador en su casa al ir a hacer su trabajo.
Nació en 1936, pasando su infancia en Memphis, aunque más adelante, a principios de los 50, su familia se trasladó a Chicago, como tantas otras familias sureñas en busca de fortuna. Nadie le enseñó a tocar la guitarra, pero comenzó a aprender acompañado de Junior Wells y Freddie King, casi nada. No consiguió adaptarse al frío de Chicago, y decidió volver a Nashville en los 60. Allí, se convirtió en un habitual en las noches de blues del club New Era con su grupo Imperial 7. Un soldado negro y zurdo que prestaba sus servicios en el cercano campamento de Fort Campbell, asiduo en las noches del New Era, comenzó a tocar la guitarra. Se trataba de Jimi Hendrix. Johnny Jones advirtió pronto el talento que atesoraba el soldado y le apadrinó durante dos años, hasta que Hendrix decidió marchar a Nueva York.
Durante los 60 Johnny Jones tuvo mucho trabajo. Acompañó a la guitarra a Clarence "Gatemouth" Brown en su programa de televisión "The!!!! Beat" y participó como músico en la banda del programa "Night Train TV Show". También formó parte de The King Casuals, banda formada por Jimi Hendrix, justo antes de dar el gran pelotazo. Finalmente se unió a la soul band del gran Bobby "Blue" Bland. En este video, de los que hizo a modo de clases magistrales para el fabricante de guitarras Gibson, Johnny Jones nos habla del estilo, entre otros, de Bobby Bland.
A principios de los 70 Johnny Jones acabó harto de su vida itinerante como músico y decidió retirarse. Reapareció a finales de los 90 en clubes de Nashville, acompañando a ídolos locales como Charles Walker y Roscoe Shelton. En 1999 grabó su primer disco en solitario titulado "I Was Raised On The Blues". En 2001 grabó "Blues Is In The House", que tuvo una gran acogida. Estos éxitos le llevaron a grabar a continuación en directo el álbum "In The House", acompañado del soulmanCharles Walker. En este video aparece con Doc Blackey, unos de sus discípulos, en una reciente actuación en uno de esos pequeños locales que tanto le gustaban interpretando el tema "Get bucket blues".
Johnny Jones es un ejemplo más de esos bluesman hechos a sí mismos a base de actuar cada día en un lugar diferente, permaneciendo siempre en un segundo plano. En junio de este año actuó en el Jefferson Street Jazz & Blues Festival. EN 2005 declaró que "en cuanto puedo aprovecho la oportunidad de tocar mi guitarra. Más que por el dinero, esto es una terapia para mí. Intento sacar tiempo para tocar la guitarra cada día". Descansa en paz, bluesman.
Una impresionante tormenta de rock&roll se avecinó al escuchar el nuevo trabajo de mis buenos amigos asturianos Stormy Mondays, con el inigualable Jorge Otero al frente. "Stormy Mondays en concierto en el Jardín Botánico Atlántico de Gijón" es el resultado del concierto celebrado el 3 de agosto de 2008, tras cuatro años de silencio en los escenarios, al menos como grupo. Ya hemos hablado en esta consulta de Jorge Otero y sus Stormy Mondays en alguna ocasión, pero creo que no está de más refrescaros quién es Jorge Otero y sus trabajos, sobre todo estando fuera de los circuitos comerciales habituales en la industria discográfica. Jorge Otero es músico (guitarrista, bajista, mandolinista...) en el que se unen como en pocos talento y técnica. Es side man o guitarrista de confianza de verdaderas leyendas del rock&roll como Joe Grucesky, Willie Nile, Cindy Bullens o Elliott Murphy. Además, de vez en cuando edita algún disco con sus Stormy Mondays y lo cuelga en su web para que todos los podamos disfrutar de forma gratuita. Y todo porque Jorge Otero es un músico, y no un mero vendedor de discos. Su vida está en la carretera, y además comparte sus vivencias a través del blog de su página web http://www.stormymondays.com/, donde tenéis toda su música disponible gratuitamente.
La formación que se presentó en el Jardín Botánico de Gijón fue Jorge Otero poniendo la voz, las guitarras y la mandolina, Pablo Bertrand al piano, órgano hammond y coros, Dani Menéndez a la guitarra y coros, Danny Montgomery a la batería y Rafa Sánchez con el bajo. Como músicos de apoyo participaron Juan Flores al saxo, Miguel Herrero a la trompeta y Héctor Braga aportando el violonchelo y el violín, con el que se lució en este "Fisherman blues" de "The Waterboys".
Pasaron por el escenario amigos como Toli Deville, de Los Débiles versionando el legendario "I'll Feel A Whole Lot Better" de The Byrds, Toli Morilla en una intensa interpretación de su "Azul y gris" y Alberto Rionda y Márco Álvarez de los contundentes Avalanch, todos ellos insignes representantes del rock asturiano. Ángel Parada resucitó el clásico "Caldonia" y cerró el concierto con una fabulosa versión del mítico "Caravan" de Van Morrison.
"Caravan" se publicó en 1970 incluida en el álbum "Moondance". Se convirtió en uno de los temas imprescindibles para Van Morrison, incluyéndose también el su álbum en directo "It's Too Late to Stop Now", grabado en 1974. En esta canción Van Morrison nos habla de sus recuerdos cuando vivía en Woodstock, en pleno campo, en una especie de casa encantada. Van Morrison dijo que "podía oir la radio como si estuviera en la misma habitación. No sabría cómo explicarlo. Había alguna historia sobre un pasaje subteráneo bajo la casa en la que vivía, rumores de niños y esas cosas y comencé a pensar que era verdad. ¿Cómo puedes escuchar la radio de alguien desde una milla de distancia como si estuviera en tu propia casa?" .
Nick Hornby, nos dice en su imprescindible libro "31 Songs" que "Caravan es la canción que quiero que toquen durante mi funeral. En el largo pasaje justo antes del clímax, la banda de Morrison parece aislar un momento en algún lugar entre la vida y el más allá, un hall grande y barroco donde puedes parar y pensar sobre todo lo que ha pasado antes".
Van Morrison interpretó "Caravan" con The Band en la película/despedida del grupo dirigida por Martin Scorsese en 1976 "El último vals", que podéis ver los que no tengáis la película en el enlace http://www.youtube.com/watch?v=fYr60DVzehg . Para Eric Clapton"Muddy Waters y Van Morrison robaron el concierto. Van haciendo "Caravan" y dando patadas. Parte de la mejor música en directo que jamás verás". Tiene razón Manolenta. Es un momento mítico en la historia del rock. Y Jorge Otero y sus Stormy Mondays son sus legítimos herederos por línea directa. Ved y escuchad todos de él. Os ofrezco este cover del "Younger face" del californiano Dan Baird, grabado como todos estos videos del post por Paco Vigil, al que desde aquí agradezco su generosidad al compartir este impagable material.
21 años después llega a España un documental sobre la vida del trompetista Chet Baker, titulado "Let's get lost", dirigida por Bruce Weber en 1987. Mientras Weber estaba en pleno proceso de producción recibió la noticia de que el protagonista había fallecido tras caer de la ventana del Hotel Prins Hendrik de Amsterdam a las 3 de la madrugada del 13 de mayo de 1988, con el cuerpo rebosante de drogas, y en circunstancias que jamás se pudieron esclarecer.
Chesney Henry Baker Jr. nació en 1929 en una granja de Oklahoma, aunque pronto se trasladó con su familia a California. Su padre era aficionado al jazz y así comenzó a aficionarse al trombón, aunque pronto se decantó por la trompeta. Al volver del servicio militar continúa estudiando música y empieza a relacionarse con los grandes trompetistas del bebop de la época, como Dizzy Gillespie. Como músico las pasa canutas y se vuelve a alistar en el ejército, del que se cansa pronto y decide regresar a California. Allí tiene un golpe de suerte: Charlie Parker está de gira por allí y necesita un trompetista para su banda. Esperó una cola de cincuenta aspirantes, pero cuando Charlie Parker le escuchó no quiso oir más: Chet Baker era el elegido. Incluso Charlie Parker llamó a Dizzy Gillespie y a Miles Davis para ponerles en aviso de aquel blanco que tocaba la trompeta como un negro.
Tras diversas giras con The Bird, formó parte del "Gerry Mulligan Quartet", en una formación que prescindió del piano -algo impensable en el jazz de aquellos años- y dio protagonismo a la sección de viento. Tras girar junto al pianista Russ Freeman por norteamérica y grabar discos de notable calidad, decide venir a Europa.
Chet Baker consumió heroína desde el inicio de su carrera, pero fue en la decada de los 60 cuando comenzó a ser un grave problema. En 1960 fue arrestado en Italia, pasando año y medio en prisión. En 1962 salió para grabar el magistral "Chet is back!", pero a finales de ese año fue nuevamente detenido en Alemania, siendo expulsado repetidamente de la propia Alemania, Suiza, Francia e Inglaterra. Después de más y más problemas con la justicia en Europa, regresa a Estados Unidos en 1964 y cambia la trompeta por el fliscorno, una especie de trompeta muy utilizada en los momentos solemnes del ejército estadounidense. En este video se luce al fliscorno, interpretando el tema "Bye Bye Blackbird" en Bélgica en 1964.
Su carrera no se endereza, y para colmo recibe una monumental paliza en San Francisco que le deja sin dientes, lo que le obliga a cambiar la forma de embocar la trompeta. Sufrió mucho y le costó reponerse. Su amigo Dizzy Gillespie le echó una mano, convenciéndole de someterse a tratamiento con metadona, volviendo a actuar nuevamente por Estados Unidos, Europa y Japón. En 1983 el rockero Elvis Costello le pide una colaboración. En este video interpretan ambos el tema "You Don't Know What Love Is" en 1986, dos años antes de morir.
En 1987 el cineasta Bruce Weber decide hacer un documental sobre el trompetista que le fascinó desde que tenía 16 años, cuando veía al guapo e irresistible Chet Baker en las portadas de los vinilos. Weber costeó la película de su propio bolsillo, y lo convirtió en uno de los documentales sobré músicos más desgarradores y auténticos que se hayan rodado jamás. Es un trabajo maldito que, pese a ser nominado al Oscar, ha estado olvidado en las estanterías de algún almacén hasta que el año pasado se rescató en el Festival de Cannes en la categoría de clásicos. Os traigo el trailer español del documental, que ahora se ha estrenado en España, el 18 de septiembre.
Chet Baker no fue técnicamente un gran trompetista, y mucho menos un buen cantante. Sin embargo, tenía eso que toda leyenda de la música debe tener y no sabemos cómo explicar. Chet Baker tenía esa varita mágica que remueve lo más hondo del alma. Bruce Weber dijo de él: "Era un tipo duro de verdad, y un terrible pesimista, siempre de mal humor; tenía una voz maravillosa, pero se enfadaba si se lo decías. Me recordaba tanto a los hombres mayores de mi familia... No había ninguna mujer que después de conocerle no quisiera saber más de él al día siguiente. Le gustaban las mujeres y los dulces, y yo solía pasarme por su casa de Santa Bárbara a saludarle con una tarta y acompañado de Christy Turlington, o de otras modelos... ¡Y claro, así me fue tomando simpatía!" .
En 1997, fue publicada su autobiografía inacabada con el título de "As Though I Had Wings: The Lost Memoir". Está enterrado en el Cementerio Inglewood Park de Los Ángeles, California. Si alguno váis por allí, no olvidéis llevarle flores. Fue un tipo realmente excepcional.
Como dice alguno de mis más fieles seguidores, esta consulta se va pareciendo más a un obituario. Las grandes figuras del soul y del blues se nos van haciendo mayores y las bajas se suceden. Este verano de 2009 ha sido particularmente triste. A los que han pasado por la consulta para darles el penúltimo adiós se les une John E. Carter, vocalista del grupo de soulThe Dells,que falleció por un cáncer de pulmón, en Harvey, Illinois, el pasado 20 de agosto a los 75 años.
John E. Carter formó en 1952 la banda de doo-wopThe Flamingos, auténticos reyes de estilo reinante durante la década de los 50. Era el único miembro fundador de The Flamingos que quedaba con vida. Abandonó el grupo en 1957 para cumplir con el servicio militar, pero le dio tiempo para dejar alguno de los clásicos del soul como este "I only have eyes for you".
En 1960 se incorporó a The Dells, sustituyendo a su tenor principal Johnny Funches. Con The Dells grabó algunos de sus mayores éxitos: ‘Oh, what a night’, del que vendieron un millón de discos, ‘Stay in my corner’ y ‘Give your baby a standing ovation’. The Dells lo formaban el tenor John E.Carter, el barítono principal Marvin Junior, y los cantantes de apoyo Charles Barksdale, Michael McGill y Verne Allison, que participó en 1991 como director artístico en la película de Robert Townsend "The Five Heartbeats", inspirada en la vida del grupo. La última actuación de The Dells fue en 2004 en Chicago, tras ingresar en el Hall of Fame. Disfrutad de la voz en falsete de John E. Carter, el tenor del soul, y The Dells interpretando "A Heart Is a House for Love".
Terry Stewart, presidente y director del Rock&Roll Hall of Fame ha declarado: "Hemos perdido una voz extraordinaria que honró con su presencia a dos de los grupos vocales más importantes de todos los tiempos. Como miembro de The Dells y The Flamingos, Johnny fue uno de los pocos artistas incorporados dos veces al Rock&Roll Hall of Fame".
Agosto se despedía con el fallecimiento de Ellie Greenwich a los 68 años. Lo más probable es que su nombre no os diga nada, pero estoy seguro de que habréis bailado alguna de sus canciones, ya que compuso algunos de los más grandes temas de la música soul. Estaba casada con Jeff Barry, con quien formó uno de los tándems de compositores más reconocidos de los 60. El productor Phil Spector exprimió su talento en producciones de la envergadura del "Be My Baby" de The Ronettes o este "Da Doo Ron Ron" para The Crystals.
La obra cumbre del trío Jeff Barry, Phil Spector y Ellie Greenwich fue el inconmensurable "River deep mountain high", hecha a medida de Ike & Tina Turner, que pusieron su granito de arena para hacerla verdaderamente grandiosa. Como curiosidad, Ellie Greenwich nunca acabó de digerir las producciones de Phil Spector, ya que las consideraba excesivas. Como curiosidad, a Ike Turner no se le permitió la entrada al estudio durante la grabación. La voz registrada e únicamente es la de Tina Turner. Se publicó en Estados Unidos en 1966 y no obtuvo el éxito que se esperaba de ella. Se dice que fue considerada una canción demasiado negra para las radios para blancos, y demasiado blanca para ser emitida en radios para negros. Se han hecho versiones de todo tipo, pero destacaría las de Bob Seger, The Supremes con Diana Ross al frente, Annie Lennox, Neil Diamond o incluso Meat Loaf. Creo que el mejor homenaje es ver y escuchar la versión auténtica, la de Ike & Tina Turner.
El bombazo de esta canción se produjo en Gran Bretaña poco después, aprovechando el auge del blues y el soul en el Reino Unido en aquellas fechas, coincidiendo con el despegue de los mods y su gusto por el soul, y la gira de los grandes bluesmen como Muddy Waters, Howlin' Wolf o Sonny Boy Williamson por Inglaterra dando clases magistrales a los jóvenes talentos ingleses. Grupos como Eric Burdon & The Animals, The Shadows o incluso Deep Purple se atrevieron a versionar el "River deep mountain high". Ellie Greenwich también compuso otros temas para grupos británicos. A mí me gusta especialmente el legendario "Doo Wah Diddy Diddy" para los Manfred Mann. Auténtico sonido de los 60.
Hará ya la friolera de más de veinticinco años que leí en un tedioso verano en una colección de mi abuelo de viejos ejemplares de la revista americana Reader's Digest una historia que me impactó. Un guitarrista norteamericano sufrió un grave accidente de coche en Oklahoma en 1948. Entre otras graves lesiones, su codo derecho quedó destrozado. Los médicos podrían operarle pero le comunicaron que el brazo quedaría inmóvil, con lo que su carrera como guitarrista quedaba seriamente comprometida. Nuestro protagonista propuso al cirujano que ya que iba a quedar su brazo rígido, contemplaran la posibilidad de dejárselo inmóvil en la postura y con la inclinación idónea para poder seguir tocando la guitarra. Así fue. Este guitarrista era Lester William Polsfuss, más conocido como Les Paul, que acaba de fallecer este 13 de agosto en Nueva York a los 94 años de edad.
A los 8 años ya coqueteaba con la armónica, el banjo y la guitarra. A los 13 ya actuaba acompañando a alguna banda country, siendo conocido en esa época como Red Hot Red. Ya apuntaba maneras cuando patentó el soporte para la armónica que ideó para poder tocarla sin dejar de acompañarse con la guitarra. Todos los folkies norteamericanos lo siguen utilizando desde entonces. En 1936, con 20 años, participó en la grabación de dos discos, acompañando a Rhubarb Red en uno de ellos y a la blueswomanGeorgia White en otro como guitarrista acústico. En 1938 comenzó a tener éxito con el llamado Trio Les Paul, formado por él mismo, el bajista Ernie Newton y Jim Atkins, guitarrista y hermano mayor de Chet Atkins. En 1943 se trasladó a Hollywood, donde acompañó a la guitarra a rutilantes estrellas como Nat King Cole, The Andrew Sisters o Bing Crosby, con quien grabó el gran número 1 de 1945 "It's Been A Long, Long Time" Os dejo este video grabado con Chet Atkins, interpretando "Birth of the Blues".
Mientras tanto, Les Paul experimentaba con los sonidos grabando algunos discos propios a finales de los 40 en el sello Decca. Al finalizar la II Guerra Mundial, el técnico de sonido Jack Mullin, que sirvió en el ejército como técnico de comunicaciones, se trajo de Alemania un magnetófono desguazado, que reconstruyó en su casa y ofreció a Bing Crosby para su programa de radio. La empresa Ampex lo adaptó y perfeccionó con las sugerencias de Les Paul, que fue el primero en hacer una grabación multipista -multitrack- en el garaje de su casa, aprovechando para hacer todo tipo de efectos especiales. En esa grabación Les Paul tocó ocho partituras de guitarra diferentes, grabando cada pista en un disco de pasta, volviendo a grabar otra parte junto con la primera ya registrada. Así quedaban todas las pistas superpuestas en una misma grabación. Además, le encantaba trastear con las pistas aumentando y reduciendo la velocidad, consiguiendo diferentes efectos sonoros. Estas y otras innovaciones introducidas por Les Paul se convirtieron en pilar fundamental en el desarrollo de la industria musical moderna, causando una auténtica revolución. En los 50, Les Paul hizo varias grabaciones técnicamente vanguardistas con su esposa, Mary Ford, quien cantaba country y le acompañaba a la guitarra rítmica. Entre las mejores canciones de la pareja destaco "How High the Moon", "Bye, Bye, Blues", "The World is Waiting For The Sunrise" o "Vaya Con Dios", pero os dejo con esta battle guitar entre ambos, donde podemos contemplar la gran complicidad que existía entre ambos.
Les Paul ha sido uno de los más grandes guitarristas de la historia y uno de los principales renovadores de los sistemas de grabación, pero quizá su obra más reconocida es la creación de uno de los modelos de guitarra eléctrica más utilizados por los virtuosos de este instrumento: la Gibson Les Paul.
A mediados de los años 30 la electrificación de las guitarras era una de las asignaturas pendientes para poder terminar de revolucionar el mundo de la música. Mientras Leo Fender y Adolph Rickenbacker investigaban por esas fechas cada uno por su lado, el propio Les Paul comenzó a experimentar con un bloque macizo de pino, dos pastillas, un puente y un mástil fabricado por Gibson. Así nació su primera creación, bautizada como The Log. Gibson Guitar Corporation se dejó asesorar por Les Paul y a principios de los 50 se presentó la primera guitarra Gibson Les Paul, que fue adoptada por las principales figuras del emergente rock&roll como Chuck Berry. Había nacido un clásico. La Gibson Les Paul la han utilizado los mejores. De Jimmy Page a Duane Allman, de The Edge a Slash, de John Fogerty a Carlos Santana, de Peter Green a Gary Moore, pasando por George Harrison y John Lennon. Como homenaje a Les Paul os propongo este video sobre su vida y obra, proyectado en el Carnegie Hall en el NYC Jazz Festival de 2005.
Se cumplen 50 años de la edición de "Kind of blue", uno de los trabajos más grandes e influyentes de la historia de la música universal, y no me quedo corto. Miles Davis, trompetista y compositor, se rodeó de un equipo de primera: John Coltrane al saxo, Paul Chambers al contrabajo, Julian "Cannonball" Adderley al saxofón alto, Jimmy Cobb a la batería y Bill Evans al piano, excepto en el tema "Freddie Freeloader", en el que las teclas corren a cargo del jamaicano Wynton Kelly. Miles Davis llevó el proyecto tan en secreto, que solo proporcionó a sus músicos esbozos de las melodías a interpretar. No les permitió ensayar previamente. El proyecto estaba basado fundamentalmente en la improvisación. Así se creó un nuevo estilo: el jazz modal. Soy incapaz de explicar la teoría musical del jazz modal. Si queréis profundizar, visitad la wikipedia en el enlace http://es.wikipedia.org/wiki/Jazz_modal, que contiene una interesante exposición. Para un ignaro musical como yo, el jazz modal, también conocido con la marca comercial cool jazz, me suena a frialdad, a relajación. Frente al be bop y otros ritmos imperantes desde los felices años 20 del pasado siglo, el cool jazz tiene más silencios que sonidos, creando una atmósfera inigualable. Comprobadlo en el tema estrella del álbum, "So what", en una actuación de 1958, aunque se publicase en 1959. Fabuloso el mano a mano entre Miles Davis y John Coltrane. "Cannonball" Adderley, aquejado de migrañas, no actuó. Wynton Kelly se ocupa del piano, en lugar de Bill Evans, que sí grabó el disco. Jimmy Cobb marca el ritmo a la batería. El resto de músicos forman parte de la Gil Evans Orchestra.
La grabación duró en total diez horas repartidas en dos sesiones, y se realizó en el 30th Street Studio, que el sello Columbia Records tenía en Manhattan, en un local que antes fue una iglesia ortodoxa rusa. En 2 de marzo de 1959 grabaron los temas "So What", "Freddie Freeloader", y "Blue in Green". El 22 de abril se completó la cara B del disco, con "Flamenco Sketches", y "All Blues". Miles Davis, como si de un entrenador de fútbol se tratase, les dió instrucciones para cada pieza y a continuación comenzaron a grabar. Se dice que el disco se grabó de una sola toma, pero no está demostrado. Relajaos con este magnífico "All blues", grabado en el Steve Allen Show en 1964. El grupo lo forma Miles Davis a la trompeta, Wayne Shorter al saxo tenor, Herbie Hancock al piano, Ron Carter al bajo y Tony Williams a la batería.
Columbia Records publicó el disco el 17 de agosto de 1959, tanto en mono como en estéreo. Fue un bombazo comercial, un tanto inesperado, que le ha supuesto ser el disco de jazz más vendido de la historia. "Kind of Blue" fue un hito que cambió la concepción del jazz, influyendo en otros estilos como en su fusión con el rock. El sonido de la trompeta de Miles Davis, siempre acompañada de la sordina de acero Harmon, se convirtió en un clásico.
"Willy DeVille se ha unido esta noche a Edith Piaf, Jack Nitzsche y Johnny Thunders", comunicó la empresa Caramba Spectacles, encargada de organizar su inminente gira francesa. Willy DeVille nació hace 55 años en Stamford, Connecticut, y ha fallecido el 7 de agosto en Nueva York a causa de un repentino cáncer de páncreas detectado hace apenas dos meses cuando iba a ser tratado de su crónica hepatitis C.
Comenzó su carrera musical en el grupo punkMink DeVille, hasta que a mediados de los 80 emprendiò su carrera en solitario como Willy DeVille, mezclando rock&roll, blues, country con dosis de influencias mariachis y latinas. Es muy admirado en toda Europa, mucho más que en su norteamérica natal, y fue un enamorado de Francia, donde grabó su álbum "Le chat noir". Conoció a Edith Piaf, de la que se declaró fan.
En la década de los 90 se instaló en Nueva Orleáns, donde recogió gran influencia francesa a través del cajún, lo que aportó mayor personalidad a su música, ya de por sí original y diferenciadora. Su mayor éxito fue la versión mariachi del legendario "Hey Joe" de Jimi Hendrix, un auténtico bombazo mundial.
Colaboró con músicos de primera fila como Eric Clapton, Dr. John, Allen Toussaint, Brenda Lee o Mark Knopfler, con el que participó en la banda sonora de "La princesa prometida", nominada a un Oscar. Entre sus trabajos me quedo con el "Acoustic Trio Live in Berlin", publicado en 2002, donde acompañado de piano, contrabajo, guitarra y percusión da rienda suelta a su alma de bluesman. Indispensable. Disfrutad de este "Heart and soul" en aquel concierto.
Adicto a la heroína y al alcohol, transmitió la imagen de dandy romántico, al estilo de un larguirucho Capitán Garfio de luengos cabellos y estrecho bigotito armado de su guitarra y el micrófono adornado con rosas rojas en el escenario. En 2008 nos visitó y dejó una de sus perlas, seguramente premonitorias: "Tengo una teoría. Sé que venderé muchos más discos despues de muerto. No es demasiado grato, pero he de ir haciendome a la idea", afirma. Hasta siempre, capitán.
Heinz Edelmann, director artístico y diseñador de los personajes de la película "Yellow Submarine", de The Beatles, falleció el pasado 21 de julio a los 75 años, en Stuttgart. Nació en Checoslovaquia en 1934 y estudió en la Academia de Arte de Dusseldorf. Entre sus trabajos más conocidos están la primera portada de la versión alemana de "El Señor de los Anillos" o el legendario Curro de la Expo de Sevilla 92.
Yo me quedo con la fantasía onírica de "The Yellow Submarine", dirigida por George Dunning en 1968. En ella se narra la historia de un lugar llamado Pepperland, alegre y pacífico, que de pronto es invadido por unos personajes llamados los Malditos Azules. Solo cuatro muchachos de Liverpool podrán hacer frente al ataque del malvado Guante Amenazador a base de canciones, buen humor, su submarino amarillo y buen rollito en general. Una sencilla historia cargada de surrealismo en el que destacan por encima de todo los dibujos pop art diseñados por Heinz Edelmann, sin los cuales esta película hubiera pasado probablemente inadvertida. Si os animáis a verla deciros que no existe la versión doblada al español, con lo que tendréis que practicar vuestro inglés. Lo malo es que ninguno de los cuatro de Liverpool puso su voz a sus respectivos personajes.
Me llega a la consulta la triste noticia de que ha muerto la gran blueswomanKoko Taylor en Chicago a los 80 años. Su última actuación fue hace un mes en Memphis y tenía previsto actuar en el Festival Crossroads de Gijón en unos días. Se calzaba 200 conciertos al año de media, y solamente publicó 7 discos en toda su carrera. Una auténtica blueswoman, siempre en la carretera, a punto de subir a un escenario. Bruce Iglauer, dueño del sello Alligator Records y su productor y representante, ha dicho que "aunque vivía en Chicago desde los años cincuenta, su música estaba todavía profundamente enraizada en el Sur. Tenía ese sentido rítmico, ese don para poner las palabras y lograba que la banda se aglutinara en torno a la cantante, con esa intensidad de la gente que ha vivido esa vida".
Su verdadero nombre era Cora Walton, y nació en Memphis en 1928, en una familia de aparceros, viviendo en una cabaña sin agua corriente ni electricidad. Sus padres murieron cuando tenía 11 años, pero continuó recogiendo algodón hasta que buscó mejor fortuna emigrando a Chicago, como tantos otros, en 1952. Mientras trabajaba limpiando, los fines de semana acudía a cantar a los clubes de blues del south side de Chicago, rememorando el gospel que cantaba en la iglesia en Memphis. El genial Willie Dixon se fijó en ella y le dijo: "Tenemos un montón de hombres cantando blues, pero el mundo necesita una mujer como tú, con tu voz, para cantar blues". Le pidió que cantase una de sus canciones para Chess Records: "Wang Dang Doodle". Koko Taylor la hizo suya y la convirtió en un bombazo de ventas imprimiéndole todo su estilo, caracterizado por un aullido al estilo de Howlin' Wolf que la hizo inconfundible. En el post anterior sobre la película "Cadillac Records" os ofrecí este tema con Little Walter a la armónica. Como muestra de su fuerza sobre el escenario mirad esta actuación de 1978, en plena cima de su carrera, haciendo el medley "Let the Good Times Roll / I'm A Woman".
Creó su propia banda en 1972, The Blues Machine. En 1975, tras el cierre de Chess Records, fichó por el sello especializado en blues Alligator Records. Para Alligator grabó los seis álbumes restantes de su carrera. Una carrera eminentemente labrada día a día sobre el escenario. En un mundo en el que solo cabían hombres fue una auténtica líder de su banda, con su potente voz. También había alguna mujer, pero las demás interpretaban un blues edulcorado y en permanente conexión con el soul, como la también grandiosa Etta James. No hay más que escuchar la impresionante versión del hit de Etta James "I’d rather go blind", absolutamente desgarradora. Al contrario de Etta James, la vida privada de Koko Taylor fue ejemplar, limpia de alcohol y drogas, y eminentemente religiosa y familiar. Escuchad a buen volumen este clásico tema de jazz, interpretado por primera vez por Ella Fitzgerald, "I’d rather go blind" magistralmente interpretado por Koko Taylor. Esta canción es una de las principales culpables de que hoy esté aquí hablándoos de blues.
Nos visitó en varias ocasiones y tocó en los mejores festivales de blues de España, , La última vez que la vi en directo fue en el Festival de Jazz de Vitoria en 2005, ya viejecita pero con la misma fuerza de siempre en el escenario. En 2007 publicó "Old School", lanzado por Alligator Records. Descansa en paz, reina del blues.
Se cumple el 20º aniversario de la muerte del genial fotógrafo Robert Mapplethorpe, enfermo de sida, lo que le convirtió en un icono de esta enfermedad. Nació en 1946 en Nueva York y falleció en la católica Boston el 9 de marzo de 1989. Plasmaba sus fotografías en blanco y negro y con gran formato, con imágenes de flores y desnudos. Fue un ártista polémico tanto por lo revolucionario de sus técnicas como por el erotismo explícito de muchas sus creaciones.
Comenzó pintando y haciendo collages para los que utilizaba sus propias fotografías. Comenzó fotografiando autorretratos e imágenes de su inseparable amiga la cantante y poetisa Patti Smith. A mediados de la década de los 70 comenzó a dedicarse por entero a la fotografía, retratando a sus propios amigos, entre los que se contaban músicos como Deborah Harry o Peter Gabriel, actores porno, famosos de la alta sociedad y artistas como Grace Jones, Richard Gere o su admirado Andy Warhol y sadomasoquistas underground. Así comenzó a labrar su leyenda, con fotografías epatantes pero a la vez técnicamente excelentes, lo que le llevó a publicar sus trabajos en revistas como Vogue y Vanity Fair. En los 80 sus desnudos pasan a ser esculturales, con cuerpos perfectos, además de centrar su temática también en bodegones de flores y retratos de famosos de un exagerado clasicismo.
Mapplethorpe fue un provocador nato. En su colección "X Portfolio" la temática se centra el mundo sadomasoquista, y en 1981 la llamada "Y Portfolio" sobre hombres afroamericanos, lo que le trajo complicaciones al ser criticado por racista. La exposición itinerante "Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment" fue armando escándalos allá por donde pasaba, con protestas de los sectores conservadores de la sociedad y organizaciones religiosas. Incluso el Director del Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Dennis Barrie, fue procesado por "obscenidad y pornografía infantil".
Quizá el momento cumbre de la polémica se dio en el llamado escándalo Corcoran. La Corcoran Gallery of Art, galería de arte decana de Washington DC, acogió una exposición individual de Robert Mapplethorpe en 1989. Cometieron el posible error de no entrar a valorar qué tipo de temática abarcaría la muestra. A Mapplethorpe, que se metía en todos los charcos que veía, se le ocurrió dedicar la exposición a la colección "Sexually suggestive", sobre la que trabajaba en aquellos años. Los directivos de la Galería Corcoran e incluso miembros del Congreso suspendieron la exposición. El artista Lowell Nesbitt Blair, íntimo amigo de Mapplethorpe, hizo público que éste había destinado un legado en su testamento de 1,5 millones de dólares a la Galería Corcoran y quedaría revocado si no se revocaba la decisión de suspender el evento. La Corcoran se mantuvo en sus trece, con lo que, aparte de perder la pasta, los artistas amigos de Mapplethorpe proyectaron por la noche sobre la fachada de la Corcoran una selección de las fotografías más explícitas. Además, el Proyecto de Washington para las Artes, organización cultural sin ánimo de lucro, expuso la obra rechazada de Mapplethorpe. Pasó de recibir unos 40 visitantes en sus salas cada fin de semana, a abarrotarlas con 4.000 visitantes en el primer fin de semana. El mito de Robert Mapplethrope estaba servido. Tenéis información sobre su obra en www.mapplethorpe.org/.
He tenido la oportunidad de ver la película "Cadillac records", basada fundamentalmente en la historia del legendario sello discográfico especializado en blues Chess Records. Por lo que significó Chess Records, se puede decir que la película plasma el esplendor del blues en las décadas de los 50 y 60, especialmente cuando los sureños se trasladaron de orillas del Mississipi al brumoso Chicago evolucionando el sonido del blues, electrificándolo y dejando atrás el tono rural que había tenido hasta entonces.
"Cadillac records" nos narra la historía de Leonard Chess, que junto a su hermano Phil, ambos nacidos en Polonia y emigrados a Chicago, fundaron el sello Chess Records, llevando el blues al nº 1 de las listas de éxitos, convirtiéndolo en un estilo mayoritario, siendo como era un estilo eminentemente negro. De hecho, al blues y a la música de raíces negras se le conocía en aquellos turbulentos años 50 como race records, discos de raza, raciales, para distinguirlos del resto de estilos musicales, compuestos para una mayoría eminentemente blanca.
La película toma el nombre de la marca de coches Cadillac, ya que Leonard Chess, interpretado por Adrian Brody, premiaba con uno de estos coches los éxitos de sus bluesmen. La colección que aparece en la película es impresionante, uno tras otro. Auténticas joyas sobre ruedas.
Entre los personajes que aparecen por la película destaca fundamentalmente Muddy Waters, interpretado por Jeffrey Wright, como pionero en dejar el delta del Mississipi, hacer las maletas y desembarcar en Chicago y en evolucionar su estilo. Es considerado el más grande bluesman de la historia, siendo denominado por el propio B.B. King el jefe de Chicago. Mano derecha de Leonard Chess, escogía escrupulosamente a cada miembro de su banda. Entre otros se rodeó de estrellas como Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Carey Bell, Willie Dixon, Otis Spann, Pinetop Perkins o Buddy Guy. Podéis verle en acción con su banda en esta actuación en el Festival de Newport de 1960, interpretando su ya clásico "Hoochie coochie man".
Uno de los grandes descubrimientos de Muddy Waters, que además constituye uno de los ejes argumentales de la película, fue Little Walter. Su forma de tocar la armónica fue revolucionaria, llegando a hacerla sonar al estilo de un saxo, con largos fraseos y sonidos jamás oídos hasta entonces. Puso su parte en la construcción del sonido del blues de Chicago, adonde llegó desde Louisiana con 16 años y vivió con el mismo ímpetu con el que soplaba su armónica. La gran ciudad le engulló, convirtiéndose en alcohólico y drogadicto. Murió a los 37 años de un derrame cerebral después de una pelea. Hay un momento en la película especialmente emocionante, cuando Muddy Waters le pone un traje para amortajarle y mientras le coloca su armónica en el bolsillo de la americana suena en la televisión la canción que llevó a Little Walter al nº 1 interpretada por Elvis Presley. Fue un gran innovador y supuso una gran influencia para jóvenes amantes del blues, como The Rolling Stones. Aquí le podéis ver acompañando a la blues womanKoko Taylor en el clásico "Wang Dang Doodle" compuesto por Willie Dixon.
Entre otros protagonistas de "Cadillac records" están el granjero Howlin' Wolf, conocido así por su estilo desgarrado y los aullidos que soltaba entre estrofa y estrofa. Era el jefe absoluto de su banda, a cuyos miembros protegía como si fueran de su propiedad. Marcó estilo y fue considerado el feroz competidor de Muddy Waters. También pasean por el film leyendas como el orondo contrabajista Willie Dixon, autor de los más grandes blues de la segunda mitad del siglo XX, Etta James, también alcohólica y drogadicta, pero genial blues woman y amante de Leonard Chess, interpretada en la película por la explosiva Beyonce. La última gran leyenda de Chess Records fue Chuck Berry, verdadero pionero del rock&roll. Podemos ver juntos en esta actuación a Etta James y Chuck Berry, mano a mano en este clásico "Rock'n' Roll Music".
La película abarca hasta mediados de la década de los 60, en la que los grandes bluesmen de Chicago y patrocinados por Chess Records como Howlin' Wolf, Muddy Waters o Sonny Boy Williamson II desembarcaron en Inglaterra para depositar su sabiduría sobre los jóvenes grupos británicos emergentes en aquellos años como The Rolling Stones, John Mayall & The Bluesbreakers, Cream, etc. Pero esta historia será motivo de otro post. Por ahora, y para ir abriendo boca, os dejo con el trailer de la película "Cadillac records", que pese a alguna licencia histórica que se toma la directora Darnell Martin es una película agradable de ver para los amantes del blues con una buena banda sonora y una excelente ambientación. ¡Disfrutadla!
He tenido ocasion de visitar la bohemia y brumosa ciudad de Oporto, y a orillas del Duero, en la ribereña Vila Nova de Gaia en esos días se ha celebrado Jazz'n'Gaia, el Festival de Jazz de Vila Nova de Gaia, el el Teatro D'Avenida del 2 al 4 de abril. El festival ha tenido como primeros espadas a veteranas leyendas como Al Di Meola, la brasilera Gal Costa y los neoyorkinos The Manhattan Transfer, todos ellos salpicados de figuras locales como el pianista Antonio Pinho Vargas, Joel Xavier o Carlos Bica. Interesante cartel para un modesto festival.
El guitarrista norteamericano Al Di Meola fue uno de los creadores del jazz fusion durante la década de los 70. Comenzó su carrera en 1974 en el grupo Return To Forever, con compañeros de la categoría de Chick Corea y Stanley Clarke. En 1976 emprendió su carrera en solitario con gran éxito. Guitarrista de excelente técnica, firmó brillantes trabajos como "Land of the Midnight Sun" o "Elegant Gypsy" en solitario, y magníficas colaboraciones con gente como Paul Simon o Stanley Jordan. No obstante, para mí, destaca el excelente trabajo firmado junto a John McLaughlin' y Paco de Lucía, que comenzó el 5 de diciembre de 1980, cinco días antes del asesinato de John Lennon. Os ofrezco el medley "Mediterranean Sundance/Río Ancho", prodigioso mano a mano entre Paco de Lucía y el propio Al Di Meola.
The Manhattan Transfer es uno de los más prestigiosos grupos vocales de jazz. Cultivan como nadie el estilo vocalese, basado en añadir letras a piezas instrumentales de jazz. Su estructura se basa en la sección de saxos que utilizaba la orquesta de Count Basie, con voces soprano, alto, tenor y bajo. En 1972 el taxista Tim Hauser conoció a Laurel Massé mientras la trasladaba de un lugar a otro en el taxi, que a su vez conocía a Janis Siegel, que cantaba en un grupo folk. El 1 de octubre de 1972 se incorporó el Alan Paul, que estaba haciendo en esas fechas el montaje original de "Grease" en Broadway, dando por cerrada la formación.
Comenzaron a actuar el clubes de Nueva York, hasta que en 1975 graban su primer disco, al que siguieron "Coming Out" y "Pastiche", que tuvieron buena acogida en Estados Unidos pero un gran éxito en Europa. En 1978 Laurel Massé abandona el grupo para seguir su carrera en solitario, siendo reemplazada por Cheryl Bentyne, componiendo la formación que continúa inalterable desde entonces. Vedlos en acción con Laurel Massé al frente interpretando el clásico "Operator".
Ya tenemos una buena excusa para visitar Oporto en abril y saborear una copa de vino con un pasteis de nata, tomar una bica en cualquiera de sus coquetos cafés modernistas y cruzar el vertiginoso puente de Luiz I al anochecer camino de Vila Nova de Gaia para escuchar buen jazz en buena compañía.
Este 3 de mayo el gran folkie neoyorkino Pete Seeger celebra su 90 cumpleaños con una gran fiesta-concierto en el Madison Square Garden, para la que ya han confirmado su asistencia amigos como Joan Báez, Bruce Springsteen, Eddie Vedder, Kris Kristofersson, Steve Earle, John Mellencamp, Richie Havens, Taj Mahal, Silvio Rodríguez, Emmylou Harris o el colombiano Juanes.
Pete Seeger nace el 3 de mayo de 1919 en un hogar lleno de música. Su madre, Ruth, es pianista y cantante, y su padre, Charles Seeger, profesor de música en la Julliard School of Music, después de ser obligado a abandonar en 1918 su cátedra de musicología en la universidad de Berkeley por su lucha por los derechos civiles. Los hermanastros de Pete, Mike y Peggy, también llegarán a ser reconocidos folkies. En 1936 durante el Folk Song and Dance Festival en Asheville (Carolina del Norte, EE UU) Pete Seeger descubre el alegre sonido del banjo. Comienza a tocarlo hasta convertirse en un experto de las cinco cuerdas, llegando a escribir un libro con el explícito título "Cómo tocar el banjo de cinco cuerdas", que aún hoy sigue vendiéndose como el primer día.
Su carrera musical comenzó en los años 40 a la vez que se despertaba su compromiso con los más desfavorecidos. Conoce al gran Woody Guthrie en un concierto en favor de trabajadores inmigrantes. Forman el grupo The Almanac Singers, de ideología sindicalista y comunista. En 1942 le envían durante la II Guerra Mundial al Pacífico. Allí se casa con Toshi Ohta, con quien aún sigue casado. Siguen viviendo a día de hoy en una cabaña de troncos a orillas de su querido río Hudson. Tuvieron tres hijos y seis nietos.Ese año además se afilia al Partido Comunista, al que pertenecerá activamente hasta 1950, momento en que forma el grupo The Weavers, con el que conseguiría éxitos como la canción hebrea "Tzena, Tzena, Tzena" o la versión del “Goodnight Irene”, de Leadbelly, auténtico himno del folk negro del legendario genio de Louisiana. Coged una gran jarra de cerveza, y coreemos este clásico del blues más tabernario.
Empieza a tener problemas con el Comité de Actividades Antiamericanas, al que es llamado a declarar en 1959. Abandona The Weavers por protagonizar un anuncio del tabaco Lucky Strike, a lo que Pete Seeger se opuso. Ficha por el sello Columbia, y publica canciones como "If I had a hammer", “Little Boxes” o sones de cualquier parte del mundo y que Pete Seeger se encargaba de versionar. El mayor éxito llega con el impresionante espiritual “We Shall Overcome”, auténtico himno de la lucha negra por los derechos civiles. Os propongo esta vibrante actuación de 1993 junto a Arlo Guthrie, el hijo de su coetáneo Woody Guthrie interpretando el clásico "If I had a hammer". Este tema ha sido versionado por figuras como Víctor Jara, Peter, Paul & Mary o Trini López. "Si tuviera un martillo / golpearía en la mañana, / golpearía en la noche / por todo el país." A mí a veces también me entran unas ganas...
Impulsó el Festival Folk de Newport, pasando a los anales de la historia de la música al intentar cortar personalmente el fluido eléctrico en el concierto en el que Bob Dylan renegó de la guitarra acústica cambiándola por la eléctrica, un 25 de julio de 1965. Los turbulentos años 60 provocaron en Pete Seeger una actividad frenética. En 1966 comienza por lucha la defensa del medio ambiente fundando la Hudson River Sloop Clearwater, organización que denuncia la contaminación del río Hudson. Rescataron un viejo barco y lo restauraron. Hoy sigue navegando por el río Hudson como laboratorio y escuela.
En 1968, Pete Seeger participa con Odetta, Arlo Guthrie, Peter, Paul & Mary y John Denver en la legendaria marcha por los derechos civiles sobre Washington. Musicó la letra de José Martí "Guantanamera" en plena crisis EE.UU.-Cuba de los misiles y dedicó "I feel I´m fixing to die Rag" a su oposición a la guerra de Vietnam. El grupo The Byrds versionó dos temas de Pete Seeger con su estilo híbrido entre el folk y el rock, que no sé si llegó a agradarle. Os dejo con la versión del "Turn turn turn" de The Byrds, canción compuesta por Pete Seeger adaptando un pasaje bíblico del Eclesiastés en el que nos dice que todas las cosas tienen su momento.
Ha recibido numerosos homenajes y reconocimientos a lo largo de su carrera: la Medalla Presidencial de las Artes en 1994, su ingreso en el Rock&Roll Hall of Fame en 1996 y el Grammy en categoría folk en 1997. Uno de los mayores tributos ha sido el disco "We shall overcome: the Seeger sessions" de Bruce Springsteen. El propio Springsteen manifestó que "la mayoría de mis canciones, sobre todo las acústicas, se hunden en las raíces de la música folk". El fabuloso trabajo incluye 13 temas de Pete Seeger, y salió a la carretera por los Estados Unidos y Europa en 2006, acompañado de una gran banda de 17 músicos, The Seeger Sessions Band, que cuenta con un banjo, una tuba, una acordeonista, dos violinistas o fidlers y todo lo necesario para montar una gran juerga folk sobre el escenario. Me gusta especialmente este concierto celebrado en la iglesia de San Lucas de Londres, de donde os extraigo el emblemático tema "We shall overcome", canción protesta procedente del himno gospel "I'll Overcome Some Day", escrito por el reverendo Charles Tindley en 1900. En 1946, en Charleston (South Carolina) los empleados de la American Tobacco Company, en su mayoría mujeres negras, comenzaron a cantar la canción durante una jornada de huelga. La canción llegó a los oídos de Pete Seeger, que la hizo suya convirtiendola junto a Joan Baez en un clásico de la lucha por los derechos civiles en los 60. En 1965 el presidente nortemericano Lyndon Johnson se apropió de la frase "We shall overcome" para uno de sus discursos realizados en el congreso de los EE.UU. Podéis consultarlo en la web http://www.historyplace.com/speeches/johnson.htm. En la pasada campaña electoral americana el propio Barack Obama dijo: "Marchen conmigo, unan su voz con la mía y todos juntos derribaremos los muros que nos dividen", en la iglesia de Ebenezer en Atlanta (Georgia), donde Martin Luther King inició el movimiento de derechos civiles. A continuación entonaron entrelazando sus manos el "We shall overcome". No obstante, me quedo con la versión de Bruce Springsteen y su banda en la iglesia de San Lucas de Londres.
Para celebrar el cumple van a celebrarse una serie de conciertos organizados por la Hudson River Sloop Clearwater, en el participarán entre otros Susan Tedeschi, Arlo Guthrie, Old Crow Medicine Show, Alejandro Escovedo, The Persuasions y Allison Moorer. Pete Seeger cantará con su nieto Tao Rodriguez-Seeger. Además tiene previsto actuar junto a Jeff Tweedy, líder de Wilco, en el Spring Splash Festival de Nueva York en junio. Pete Seeger, 90 años... ¡y no para!
"Lana Clarkson, actriz de serie B, posiblemente ex prostituta de lujo y camarera ocasional apareció muerta la madrugada del 2 de febrero de 2003 en la mansión de Phil Spector, en Los Ángeles. Desplomada sobre una silla y con un vestido negro bañado en sangre, el bolso de imitación de leopardo todavía le colgaba al hombro. Dos balas acabaron con su vida y la reputación (ya de por sí nefasta) del productor musical más famoso de todos los tiempos. Él dice que ella se suicidó: "Besó la pistola y se pegó un tiro", dijo el día que se declaró inocente. La acusación discrepa." Hace ya 6 años nos desayunábamos con esta noticia, que me pareció un extracto de alguna novela de Elmore Leonard o de James Ellroy. Lo triste es que era verdad. Posiblemente el productor más influyente de la historia había llegado al colmo de su desequilibrio y de la excentricidad que le había acompañado durante toda su vida. Hoy ha sido declarado culpable por el jurado, y el juez le impondrá sentencia en los próximos días, con lo que los últimos años de su vida los vivirá entre rejas, ya que se prevé que le caigan dieciocho años de cárcel. Y en Estados Unidos no hay límite al cumplimiento de penas de cárcel por edad.
Nació en 1940 en el Bronx en el seno de una familia judía. Su primer gran éxito lo alcanzó en 1961 al frente del trío (no penséis mal) The Teddy Bears, con el tema "To know him is to love him". El título le daba el aspecto de canción romántica de los 60, pero el título era el epitafio de la tumba del propio padre de Spector, que se suicidó en 1949. La inefable pero grandiosa Amy Winehouse le ha rendido homenaje en la edición especial de su "Black to black", dando fe de la gran influencia que el gran Spector tiene en su carrera. Esta es la versión original del 61 de The Teddy Bears.
La gran aportación de Phil Spector fue el Wall of Sound, el muro de sonido, que consistía en concebir las canciones como sinfonías orquestales de tres minutos especialmente dirigidas a los jóvenes. Según sus palabras, intentaba llegar a la grandiosidad de la obra de Richard Wagner desde la base del pop. Mezclaba percusiones monumentales, timbales incluidos, y múltiples y variados instrumentos de cuerda y viento. Con 23 años de edad, grabaron sus canciones artistas de la talla de Ben E. King o Gene Pitney, pero sobre todo girls groups o grupos de chicas como The Crystals, Paris Sisters o The Ronettes, con quienes grabó los inolvidables "Be my baby" y "Baby I love you". Se casó con Ronnie, la líder del grupo y vocalista principal. Ronnie Spector ha llegado a declarar que su matrimonio fue un infierno, llegando a admitir que Phil Spector la apuntó en varias ocasiones con una pistola y que era aficionado a jugar a la ruleta rusa. El mayor monumento musical del muro de sonido de Spector fue el "Unchained melody", de los Righterous Brothers, que 35 años después resucitó al formar parte de la banda sonora de la indigesta y lacrimógena película "Ghost" en 1990.
La fastuosa era del Wall of Sound finaliza con "River deep, mountain high", de Ike y Tina Turner en 1966. Consideró que este tema no había tenido el éxito que él esperaba, ya que la consideraba su cima creativa, con lo que decidió cerrar su sello y descansar. Pero en 1970, John Lennon le despierta del letargo para producir el que para mí es uno de los mejores discos de la historia: "Let it be", de The Beatles. La sensación de solidez que rezuma este disco es difícil de encontrar... pero esto formará parte de un próximo post. La influencia de Spector, que se encargó únicamente de la producción de las mezclas finales y de los arreglos orquestales aunque en los crédtos apareció como único productor del disco, llenando de instrumentos y coros es notoria. Sin embargo, a Paul McCartney le fastidió especialmente la orquestación que Phil Spector introdujo en "The long and winding road", ya que estaba pensada para ser interpretada únicamente al piano. Paul McCartney no se lo perdonó, y consumó su venganza en 2003 cuando se editó el disco "Let it be... naked", disco "purificado" de los arreglos de Phil Spector, mostrando los temas tal y como fueron concebidos por The fab four. Os muestro una de las grabaciones de "The long and winding road", sin los arreglos de Spector y en el que quiero destacar la participación del legendario Billy Preston a los teclados.
John Lennon siguió creyendo en su concepto y le produjo sus trabajos en solitario "Plastic Ono Band", "Sometime in NY City", "Rock'n'Roll" o el inigualable "Imagine", auténtico himno absolutamente atemporal, producto de dos genios de la altura de Lennon y Spector.
Por otra parte, produjo las primeras incursiones en solitario de George Harrison como el monumental "All thing must pass" de 1970 o su "Concert for Bangladesh", de 1971, entre otros. Me quedo con los arreglos de "My sweet lord", una canción que destila espiritualidad y plenitud por cada surco.
Hay que destacar en los 70 trabajos como "Death of a ladies' man", de Leonard Cohen (que acabó literalmente acojonado de las manías y los desequilibrios de Spector, que acostumbraba a jugar con armas de fuego durante las grabaciones) y quizá los dos mejores discos de The Ramones: "Rock 'n' Roll High School", de 1979, y "Do You Remember Rock'n'Roll Radio?", de 1980.
Phil Spector se retiró con 40 años en su lujosa mansión. Ingresó en el Rock&Roll Hall Of Fame en 1989. En 1991 apareció un recopilatorio que conservo como oro en paño, "Back to mono", recopilatorio de sus trabajos entre 1958 y 1969, con lo más significativo de su época Wall of Sound, y todo ello grabado en mono, a la usanza de la época.
Como en las grandes películas del género negro, el culpable y derrotado Spector insiste en que fue un suicidio. "No quería dispararle. Fue un accidente. Tengo una explicación", aparece en el informe policial. Genio y figura.
Me llega una notificación a la consulta en la se que me recuerda que hace 25 años, ¡25 años ya! que Marvin Gaye fue asesinado por su propio padre, el reverendo Marvin Gay, justo el dia antes de que cumpliese 45 años. Nació como Marvin Pentz Gay Jr., pero añadió una e al final de su apellido tal y como hizo Sam Cooke en su momento. Vivió en un hogar absolutamente estricto, gobernado por un padre intransigente, ministro predicador de una especie de secta llamada House of God, y como muchos cantantes de soul y blues comenzó cantando en el coro de la iglesia. Apuntaba como atleta pero su padre le obligó a abandonar el deporte por considerarlo inmoral y se decantó por la música, especializándose en la batería. Pululó por algunos grupos doo wop, coincidiendo con el gran Harvey Fuqua en The Moonglows, cosechando algunos éxitos. Fuqua marchó a Detroit fundando el sello discográfico Tri Phi Records, incluyendo a Marvin Gaye entre sus artistas. Fuqua se casó con Anna Berry, cuyo hermano poseía otro sello discografico, acabando fusionandose en la decisiva Tamla Motown. Empezó acompañañdo a la batería a figuras emergentes de la talla de Smokey Robinson hasta que llegó su oportunidad como solista, grabando joyas como este "Pride and Joy" de 1963. Pedazo de canción convertida en clásico, versionada por artistas como Steve Ray Vaughnn o Bonnie Raitt, entre muchos otros.
El éxito le sonreía, grabando duetos con todas las figuras de la Motown como Tina Turner, Mary Wells, Kim Weston o la que llegó a ser su inseparable compañera en el escenario Tammi Terrell, con la que vivió uno de los episodios mas terribles de la historia de la música. En pleno concierto en la Universidad de Hampton (Virginia) el 14 de octubre de 1967 la encantadora Tammi Terrell se desplomó en los brazos de Marvin Gaye. Se le diagnosticó un tumor cerebral que la fue deteriorando hasta que falleció el 26 de marzo de 1970, con tan solo 24 años. Entre los muchos duetos que grabaron os traigo el universal "Ain't no mountain high enough".
La muerte de su compañera sumió a Marvin Gaye en una profunda depresión hasta que reapareció en 1971 con un álbum fundamental para la música negra en general y la música soul en particular: "What's Going On". Es un álbum absolutamente ideológico y conceptual, abordando temas como el sentido de la vida, la ecología, la corrupción politica, las drogas, y cómo no, la guerra de Vietnam. Fue su autor, productor e intérprete. Es un álbum netamente soul, pero al que se permitió añadir ribetes de música clásica y jazz, ademas de coquetear con momentos de auténtica psicodelia. El capo de la Motown, su cuñado George Gordy, se opuso en un principio a la publicación del álbum por considerarlo poco comercial. El tiempo le quitó la razón ya que consiguió los objetivos de la Motown más que ningún otro: "música que alcance los corazones, las almas, y las billeteras de todas las personas". Este es el tema principal del disco: "What's Going On".
En 1973 publica "Let's get it on". A partir de ahí su carrera entra en declive a la vez que se hunde en el mundo de las drogas. Huyendo de América para no cumplir con el fisco recala en Europa donde sigue editando discos y esnifando más y más coca. Buscó refugio en casa de sus padres regresando a Estados Unidos, pero las discusiones con su progenitor a causa de su vida llena de drogas y sexo acabó la víspera de su cumpleaños disparándole su padre con la pistola que el propio Marvin le había regalado semanas antes. Triste final para una vida agitada, llena de talento. Desde 1987 esta en el Rock&Roll Hall Of Fame, pasando a ser conocido como el Príncipe de la Motown. Le rindo tributo con uno de sus temas principales, definitorio del estilo Gaye, compuesto en Bélgica al final de su carrera, en 1982: "Sexual healing".
Yo me quedo con la fantasía onírica de "The Yellow Submarine", dirigida por George Dunning en 1968. En ella se narra la historia de un lugar llamado Pepperland, alegre y pacífico, que de pronto es invadido por unos personajes llamados los Malditos Azules. Solo cuatro muchachos de Liverpool podrán hacer frente al ataque del malvado Guante Amenazador a base de canciones, buen humor, su submarino amarillo y buen rollito en general. Una sencilla historia cargada de surrealismo en el que destacan por encima de todo los dibujos pop art diseñados por Heinz Edelmann, sin los cuales esta película hubiera pasado probablemente inadvertida. Si os animáis a verla deciros que no existe la versión doblada al español, con lo que tendréis que practicar vuestro inglés. Lo malo es que ninguno de los cuatro de Liverpool puso su voz a sus respectivos personajes.
