Son muchas las ocasiones en que calidad y éxito no van directamente relacionadas. Este es el caso de Howard Tate, soulman de voz brillante y elegante convertido en artista de culto, que ha fallecido el pasado 2 de diciembre a causa de una leucemia complicada con un melanoma múltiple cuando contaba con 72 años de edad.
Al igual que el gran Otis Redding nació en la localidad georgiana de Macon. No se sabe mucho de sus primeros años, pero sí que en la década de los 40 emigró a Philadelphia, donde comienza a cantar gospel. Se interesa por el rythm&blues y el doo-wop durante años, hasta que a mediados de los 60 le descubre el gran productor Jerry Ragovoy, fallecido también este año. De la mano de Jerry Ragovoy ficha por el sello Verve, donde graba varios discos que no obtienen mucho éxito comercial, aunque sí son muy apreciados entre el selecto público especializado en música soul. Así, Howard Tate se convierte en artista de culto. Entre estos trabajos destaca sobre los demás el excelente "Get I while you can". La canción que da título álbum fue versionada por Janis Joplin, B.B. King o Jimi Hendrix. Para esta ocasión prefiero ofrecérosla interpretada por el propio Howard Tate.
El cantante de rythm&bluesLloyd Price lo ficha para su sello, publicando el trabajo "Howard Tate's reaction", que no tiene mucha trascendencia, marcando el comienzo de su declive tanto profesional como personal. Su estrella va decayendo al entrar en los 70, abandonando el mundo de la música a finales de la década consumido por sus adicciones al alcohol y las drogas. Su vida se encuentra en una espiral de la que no logra salir, tocando fondo al convertirse en un homeless, un sin techo que sobrevive en la calle gracias a las limosnas de los viandantes. En los 90 consigue superar sus adicciones gracias a que se convierte en predicador y se dedica a asistir a drogadictos y enfermos mentales.
En 2003 regresa al mundo de la música de la mano de Elvis Costello y con la producción de nuevo de Jerry Ragovoy con el disco titulado "Discovered". Os dejo con este cover del tema "All I Know Is The Way I Feel" de The Pointer Sisters, incluido en este trabajo.
En 2006 publica “A Portrait of Howard”, en el que incluye canciones compuestas por Randy Newman, Nick Lowe y Lou Reed. Su último trabajo fue “Blue Day”, editado en 2008. Pese a estos tres últimos grandes trabajos, ninguno de ellos le llevó al estrellato donde siempre debió estar por merecimientos propios. Ya quedará como siempre fue: como la gran estrella oculta del soul. Descansa en paz.
Desde la consulta del Dr. Rhino os deseamos que esta Navidad no quede solamente en un bello pensamiento o en el propósito de buenas acciones, sino que sea una puerta siempre abierta para los demás, un propósito de paz y armonía para todos la gran familia del blues. Y salud, mucha salud, para conseguir los mejores éxitos personales y profesionales en este 2012 que se nos avecina oscuro y lleno de incertidumbre. Negro como como un blues.
El cantante de country&soulDobie Gray ha fallecido el 6 de diciembre por causas no se han podido aclarar. a los 71 años de edad. Nació como Leonard Victor Ainsworth, su nombre real, cerca de Houston, Texas, en una familia de aparceros. Respira en casa los efluvios del gospel, a través de su abuelo ministro de la iglesia baptista. Comenzó a forjarse una carrera musical pero el gran empujón se lo dio el gran Sonny Bono, a quien debe su nombre artístico, tomado de la serie de televisión “The Many Loves of Dobie Gillis”. Su primer éxito fue "The ‘In’ Crowd", editado en 1965. Pero su gran éxito no llegaría hasta 1973 con la canción "Drift Away". Posteriormente ha sido versionada por Roy Orbison, Rod Stewart, Waylon Jennings, Ray Charles o Michael Bolton. Escuchadle en esta versión en directo de 1974 y disfutad de su gran voz.
Durante la década de los 70, aprovechando su éxito como cantante cambia de registro y prueba fortuna como actor, llegando a participar en el musical "Hair". Se instala en Nashville, firma por Capricorn Records y compone junto a Troy Seal éxitos como "If Love Must Go" o "You can do it", que serían interpretados por Ray Charles, Johnny Mathis o Don Williams. Continuó componiendo, produciendo e interpretando hasta que a partir de los 90 su carrera declina. Buen cantante y buen compositor, se convirtió en el referente de un estilo a caballo entre el country de Nashville y el soul que fluía por sus venas. Un negro cantando country. Descansa en paz.
Para los que somos un tanto fetichistas con todo lo que rodea especialmente al mundo de la música y del cine, asociamos a un músico, a un actor, a un director de cine con la imagen que tenemos de ellos. Me gusta especialmente escuchar un disco mientras sostengo en mis manos el vinilo o el cd correspondiente y observo detenidamente la portada, o me deleito con el contenido del libreto que suele acompañarlo. Cómo no asociar el legendario "The times they are a-changing" a la foto en blanco y negro de Bob Dylan en la portada, reflejando en la cara enfadada de Dylan el contenido reinvindicativo de las letras del disco. "The times they are a-changin'" se convirtió en símbolo de la canción protesta y de la lucha por los derechos civiles en los Estados Unidos durante la década de los 60. El autor de esa fotografía que expresaba a través del rostro de Dylan el hastío, el enfado y el desafío hacia los poderosos es Barry Feinstein, que ha fallecido recientemente en Woodstock a los 80 años de edad.
Barry Feinstein comenzó aficionándose a la fotografía desde muy joven, hasta que en 1955 comienza a trabajar para la revista Life, llegándo a convertirse en uno de los fotografos más codiciados de Hollywood. Inmortalizó a grandes estrellas como Judy Garland, Marlene Dietrich, Charlton Heston o Steve McQueen. También son famosos retratos de presidentes norteamericanos como John F. Kennedy o Richard Nixon para la revista Esquire.
En 1966 decide acompañar a Bob Dylan durante la gira que emprendió por Inglaterra, convirtiéndose en su fotógrafo exclusivo, dejando constancia fotográfica de cada paso que daba el cantante. Décadas más tarde uno de sus más fervientes admiradores, Martin Scorsese, utilizó buena parte del material dylaniano de Barry Feinstein para documentar la película "No direction home", sobre los comienzos de la carrera musical de Bob Dylan.
También es legendaria la foto realizada al beatleGeorge Harrison rodeado de gnomos, que sirvió de portada para su primer disco en solitario "All things must pass", editado tras la separación de The Beatles. Martin Scorsese ha utilizado las fotografías de Feinstein para el documental que acaba de publicar sobre George Harrison titulado "Living in the material world".
Otra portada legendaria que no podemos dejar que pase desapercibida es la del disco "Pearl" de Janis Joplin, a la que fotografió un día antes de su muerte. En 1974 volvió a la carretera para documentar en imágenes la gira norteamericana de Bob Dylan acompañado de The Band.
En resumen, sin Barry Feinstein la imagen y la estética del rock que tenemos en nuestras retinas posiblemente hubiese sido otra. Sus fotografías presiden más de 500 álbumes de la música rock. "Era un gruñón, pero un gruñón adorable", ha dicho su mujer Judith Jamison. "Hacer fotografía editorial tiene un gran componente de suerte", declaró hace tiempo el propio Barry Feinstein en una entrevista con motivo de una retrospectiva en la Morrison Hotel Gallery de New York. "Estar en el lugar preciso en el momento correcto, obtener la foto adecuada, y luego irte", explicó. "No tienes que engañar a nadie ni nada por el estilo".
"Con gran tristeza hemos dado nuestro último adiós a nuestro querido padre y amigo de todos. David falleció pacíficamente ayer por la noche". Este ha sido el mensaje que los hijos de David Hess lanzaron a través de Facebook y Twitter el pasado 9 de octubre. En todos los medios ha sido recogida la noticia del fallecimiento de unos de los malos más recordados del cine de terror moderno: Krug Stillo, líder del grupo de delincuentes de la legendaria película de terror "La última casa a la izquierda", remake de "El manantial de la doncella", de Ingmar Bergman, en la que un grupo de jóvenes son violadas y asesinadas por un grupo de delincuentes, cuyo cabecilla era encarnado por David Hess. También debutó dirigiendo esta película Wes Craven, que más tarde se convertiría en el capo del cine de terror al dirigir las sagas "Pesadilla en Elm Street" y "Scream". El actor norteamericano David Hess, ha fallecido a la edad de 69 años en Tiburón (California).
Aunque su labor más reconocida es la de actor, David Hess comenzó su carrera profesional como compositor y cantante. Con el nombre artístico David Hill grabó en 1956 el tema de Otis Blackwell "All shook up", versionado al año siguiente por Elvis Presley. Desde 1957 compuso canciones para el sello Shalimar Music. Desde entonces y durante la década de los 60 compuso canciones para Elvis Presley como "Frankie and Johnny," "Come Along" o "Make Me Know You're Mine", entre muchas otras. Sal Mineo, Ames Brothers y Andy Williams fueron algunos de los cantantes que en los años sesenta interpretaron sus canciones. Sin embargo su gran éxito se produce en 1962 cuando compone "Speedy Gonzales" y Pat Boone la lleva a lo más alto de las listas, pese a haberlo intentado el propio David Hess bajo el sobrenombre David Dante un año antes.
En la última década retomó su carrera como actor especializado en películas de terror, dejando a su muerte cuatro producciones inacabadas. Sin embargo, su actividad musical nunca la abandonó, firmando bandas sonoras para películas de terror como "Cabin Fever" o la noruega "Rodvyr (El placer de la caza)". Os dejo con este video que recoge los mejores momentos de su carrera. Descanse en paz.
A finales de los 50, John Lee Hooker encuentra un nicho de seguidores entusiastas entre el público blanco, que comienza a apreciar el blues más tradicional, al estilo rural del delta del Mississipi. Forja un estilo muy peculiar, inimitable, único, de un folk en el que cuenta historias prescindiendo de rimas, con su guitarra acústica y siguiendo el ritmo con el pie, que marcó a toda una generación de músicos como Bob Dylan, que fue su telonero en Nueva York en 1960. A principios de los 60 cruza el Atlántico hacia las islas británicas siguiendo la estela de otros bluesmen como Muddy Waters o Howlin' Wolf, marcando a toda una generación de músicos británicos como Keith Richards, Charlie Watts, Eric Clapton, The Yardbirds o The Animals, entre otros muchos. Graba discos como "Black snake" (1959), "Wednesday evening blues" (1960) o "Birmingham blues" (1963), que le reporta gran prestigio a ambos lados del Atlántico. Los jóvenes bluesmen británicos le aceptaron como padre espiritual y le admiraron hasta el final. No os perdáis esta actuación de John Lee Hooker junto a The Rolling Stones y Eric Clapton en 1989.
No solo ejerce una gran influencia entre los folkies norteamericanos y las bandas rythm&blues británicas, sino que también sienta cátedra entre jóvenes bandas sureñas como ZZ Top o Canned Heat, con quien edita en 1970 el trabajo "Hooker'n'Heat", un disco con el embrujo de la voz y la guitarra de John Lee Hooker, acompañado por el entusiasmo y buen hacer de los jóvenes Canned Heat, en el momento cumbre de su carrera. Un álbum que emana efluvios de blues a borbotones.
Durante los 70 gira y gira sin parar, sin dejar de grabar y colaborar con otros músicos como su gran amigo Carlos Santana o Van Morrison. En 1980 protagoniza una escena de la película "The Blues Brothers", interpretando "Boom boom" en pleno Maxwell Street Market de Chicago en riguroso directo, al contrario de utilizar el playback, como era habitual en la época.
Ya en 1989 se produce el punto de inflexión en su carrera, un tanto tardío, con la publicación de su disco "The healer", rodeado de lo mejor y más granado del universo del blues. Grandes estrellas del blues de los 80 como Bonnie Raitt, Robert Cray, George Thorogood, el gran armonicista Charlie Musselwhite o el consagrado Carlos Santana le arropan en este disco. Con este trabajo consiguió un premio Grammy y el reconocimiento del gran público, consagrándole por fin, después de décadas de incansable trabajo, como una de las grandes estrellas del blues de todos los tiempos. Tenía 72 años y por fin el éxito le sonreía. Este es el video oficial de "The healer", junto a su fiel amigo Carlos Santana.
Desde el gran espaldarazo de "The healer" publica cinco trabajos más hasta 1998. De ellos me quedo con el maravilloso "Chill out", una cálida colección de canciones con un inconfundible estilo sureño. De todas ellas me quedo con la que da título a disco, "Chill out", acompañado a la guitarra nuevamente por Carlos Santana.
Falleció el 21 de junio de 2001 mientras dormía en su casa de San Francisco, un par de días después de dar su último concierto. Fue uno de los grandes bluesmen de la historia, con un estilo personal e irrepetible a caballo entre el folk y el blues. Sus canciones han sido versionadas por reconocidos artistas como Led Zeppelin, Tom Jones en su fantástico último disco, Jimi Hendrix, AC DC, The Doors, The White Stripes, Eric Clapton y una lista interminable. Su música fue utilizada por Steven Spielberg al narrar la dura vida del sur el "El color púrpura" o en el thriller "The Hot Spot", en el que completa una banda sonora excepcional en un mano a mano con Miles Davis. Como dijo el propio Hooker "nadie podrá ocupar mi lugar. Mi legado quedará en los discos". Te seguiremos escuchando, bluesman.
Este año se cumple el décimo aniversario del fallecimiento de John Lee Hooker, una de las más influyentes y significativas leyendas del blues de todos los tiempos. Nació en una granja de Clarksdale, en pleno Mississipi, un 22 de agosto de 1917, aunque cambió su fecha de nacimiento en varias ocasiones hasta que a su muerte se confirmó la auténtica. Su padre, además de agricultor, era pastor de una iglesia baptista. Al poco tiempo se trasladan a una plantación de bananas y allí conoce a otros niños de su edad que con el tiempo se convertirían en los bluesmen Snooky Pryor y Jimmy Rogers, entonces conocido como Jimmy Lane. Sus padres se separan en 1928 y John Lee Hooker queda al cuidado de su madre. Este acontecimiento marcará su vida, ya que su madre vuelve a casarse con un bluesman de la zona, William Moore, y le enseña a tocar la guitarra. Su casa es un punto de reunión de los amigos de su padre, y contaba que llegó a conocer a personajes como Charlie Patton o Blind Lemon Jefferson que estaban de visita en su propia casa.
En 1931 decide, como muchos otros negros del sur, emigrar hacia el norte industrial en busca del trabajo y la prosperidad que el sur no les ofrecía. Entretanto hace escala en Memphis, en casa de una tía. Prueba en diversos empleos y toca con Robert Lockwood, cuya madre fue pareja de Robert Johnson, quien le enseñó a tocar la guitarra. En 1935 marcha a Cincinnati, donde desempeña diferentes trabajos de escasa entidad mientras colabora con grupos gospel. Cumplido el servicio militar se instala en Detroit en 1943, al abrigo de la pujante industria del automóvil. Encuentra trabajo como conserje en la fábrica de Chrysler, mientras actúa por la noches en los clubes de la ciudad. Se casa dos veces, teniendo seis hijos con su segunda mujer.
John Lee Hooker presenta una de sus canciones a Bernard Bessman, productor local y propietario de una tienda de discos. Le gusta y le lleva a los United Sound Studios para grabarla bajo la dirección de Maurice King, que años más tarde sería director musical de la Motown. La canción en cuestión es "Boogie chillen", interpretada únicamente con una guitarra eléctrica trepidante, sin melodía, solo un riff repetido sin descanso, acompañado del taconeo del pie siguiendo ese ritmo contagioso. Por encima, su voz grave sin cantar, narrando una historia sin parar, sin rima definida, como los pioneros del blues rural. Pero aquella forma de tocar blues no se parecía a nada de lo que se escuchaba a finales de los 40. Había nacido un nuevo estilo: el boogie. El propio John Lee Hooker dijo: "Lo tomé de mi padrastro, Ese ritmo era suyo. Simplemente está ahí. Y simplemente sale hacia afuera". "Boogie chillen" vendió más de un millón de copias y saltó al número 1 de las listas. Se dice que un disc jockey de una radio station de Nashville emitió la canción doce veces seguidas. El disc jockey se llamaba Riley B. King, que más tarde llegaría a ser conocido en los ambientes como B.B. King. Aprovechando el tirón, durante el año siguiente edita "Hobo blues" y "Crawling King Snake", y ya en 1951 "I’m in the mood" se aúpa al número uno de las listas. En este video le podéis ver interpretando "Hobo blues".
En 1955 acaba su contrato con Modern Records y fichó por el sello de Chicago Vee Jay, convirtiendo en éxito los temas "Dimples" y "Boom boom", en los que ya no aparece solo, sino acompañado de una banda, al uso de la época.
La banda de Muddy Waters continúa de luto. Después de la muerte del batería Willie "Big Eyes" Smith nos llega a la consulta la noticia del fallecimiento de George "Mojo" Buford a los 82 años de edad. Nació en Hermano, cerca de Memphis (Mississipi), un 10 de noviembre de 1929. Como no podía ser de otra forma al nacer en la mismísima cuna del blues comienza a interesarse por este estilo musical. En 1952 marcha a Chicago como tantos otros en busca de fortuna y comienza a introducirse en los ambientes del blues. Forma un grupo que se hace llamar The Savage Boys y comienzan a tocar en night clubs, llegando a sustituir asiduamente a la banda de Muddy Waters cuando éstos se encontraban de gira. Incluso se les llegó a conocer como The Muddy Waters Jr. Band. En 1959 entra en la banda de Muddy Waters sustituyendo a Little Walter, ocupando su lugar durante tan solo tres años. No obstante le da tiempo a grabar uno de los grandes clásicos del blues: "Got my mojo working". El éxito de este tema le marcó tanto que se le conoció desde entonces por su sobrenombre "Mojo" Bufford.
Se traslada a Minneapolis, pero el buen sabor de boca dejado en el público por su aportación a la banda de Muddy Waters hace que que en 1967 vuelva durante un año para sustituir a James Cotton. Permanece hasta principios de los 70, regresando en sustitución de Jerry Portnoy, inmerso en el proyecto de formar TheLegendary Blues Band. También grabó algún esporádico álbum en solitario, en el que se mostró como el eficaz armonicista que era en la banda de Muddy Waters, despojado de todo alarde innecesario y provisto de una voz profundamente bluesera. Era uno de esos bluesman de segunda fila que tanto nos gustan en esta consulta.
Tras una larga estancia en el hospital George "Mojo" Bufford ha fallecido a los 81 años de edad en Minneapolis. Descansa en paz, bluesman.
Willie "Big Eyes" Smith, cantante, armonicista y baterista y sobre todo bluesman en toda la extensión del significado de dicha palabra, ha fallecido el pasado 16 de septiembre, dejando como otros muchos un hueco muy difícil de cubrir para todos los amantes del blues. Su web oficial publicaba un escueto comunicado que decía: "Estamos muy apenados de informar de que Willie "Big Eyes" Smith murió la mañana del 16 de septiembre de 2011 en Chicago debido a un derrame cerebral". Tenía 75 años y continuaba en activo: el blues era su vida.
Willie "Big Eyes" Smith nace en Helena (Arkansas) un 19 de enero de 1936. Comenzó a hacer sus primeros pinitos con la armónica apenas con 17 años. En seguida se traslada, como tantos otros, a Chicago en busca de trabajo. Allí se aficiona a escuchar las emisoras especializadas de blues y a frecuentar las actuaciones del Teatro Helena Miller. Allí vio en directo a su ídolo Sonny Boy Williamson II. En 1953 su madre le lleva a ver a Muddy Waters en el Zanzibar Club y le impacta fuertemente la forma de tocar de su armonicista Henry Strong, lo que le hacer centrarse en seguir aprendiendo y evolucionando con la armónica, adoptando el sonido urbano, un punto más acelerado, que la ciudad de Chicago imprimió al sonido tradicional del blues. Ya en 1956, con 18 años decide profesionalizarse en la música formando un trío formado por Bobby Lee Burns a la guitarra, Clifton James a la batería y él mismo como armonicista. También actúa en solitario como "Little Willie" Smith y como acompañante del guitarrista Arthur "Big Boy" Spires, llegando a grabar alguna sesión para el sello Delmark. Realiza trabajos como músico de sesión para Bo Diddley, con el que graba el tema de Willie Dixon "Diddy Wah Diddy".
Willie "Big Eyes" era un buen armonicista, y disfrutaba tocando, pero pronto se da cuenta que los baterías tienen más demanda y están mejor pagados, así que se interesa por las baquetas, los bombos, los platillos y las cajas y no se le da nada mal. Tanto es así que ingresa en la banda de Muddy Waters, y en 1959 graba el álbum "Muddy Waters sings Big Bill Broonzy", en homenaje al pionero bluesman de Mississipi. La banda estaba formada por tipos como George "Mojo" Buford, Luther Tucker, Pat Hare y Otis Spann. Poco después abandona la banda para alejarse de la desenfrenada vida de músico y trabaja como taxista, entre otros empleos. Pero el veneno del blues fluía por su venas y vuelve a los escenarios de la mano de Muddy Waters, a cuya banda regresa en 1968. No la abandonará hasta 1980, siendo testigo activo de las mejores grabaciones de Muddy Waters, en álbumes como "Hard again", "I'm ready" o "They call me Muddy Waters" entre otros. Esta es una actuación de Muddy Waters de 1979, con una banda de mucho quilates: Luther "Guitar Jr." Johnson y Bob Margolin a las guitarras, Jerry Portnoy a la armónica, Calvin Jones en el bajo y nuestro protagonista Willie "Big Eyes" Smith a la batería, interpretando el tema "Everything's Gonna Be Alright".
En 1980, con Muddy Waters prácticamente retirado, se embarca junto a viejos compañeros de la banda de Waters en un nuevo proyecto: The Legendary Blues Band. Le acompañaban Pinetop Perkins al piano y Leroy Portnoy a la armónica, componiendo la sección rítmica junto a Calvin Jones al bajo. Como curiosidad, la banda aparece en la película "Granujas a todo ritmo" de 1980 acompañando a John Lee Hooker en la interpretación del tema "Boom boom". Al final, se quedan todos ellos discutiendo sobre la autoría de la canción. Como quien no quiere la cosa, The Legendary Blues Band llega a grabar siete discos, con algunos cambios en la formación. Sin embargo, aunque la banda nunca tuvo un cantante solista quien aportó una voz más personal fue Willie "Big Eyes" Smith, que fue afianzándose poco a poco como blues singer. The Legendary Blues Band acompañó en alguna gira a estrellas de la talla de Bob Dylan, The Rolling Stones y Eric Clapton.
En 1995 decide grabar su primer álbum en solitario: "Bag Full of Blues". Genuino sonido de Chicago, acompañado entre otros del que ya es su inseparable amigo Pinetop Perkins. En 1999 colabora con Big Bill Morganfield, el hijo de Muddy Waters, en su álbum "Rising son". En 2006 graba "Born in Arkansas", con su propio hijo Kenny "Beedy Eyes" Smith a la batería y por supuesto con Pinetop Perkins al piano. En junio de 2010 firma mano a mano con Pinetop Perkins un excelente trabajo, un genial disco de blues, llamado "Joined at the Hip". Entre ambos sumaban casi doscientos años. Fue premiado en 2011 con el Grammy al mejor álbum de blues tradicional. Aquí les tenéis a ambos en una grabación en primera fila durante una actuación de 2008.
La desaparición de Willie "Big Eyes" Smith suma un nueva baja en el mundo del blues. Cantante, batería y armonicista, fue ante todo un bluesman. Descansa en paz.
Un cáncer de garganta se ha llevado a los 70 años al legendario compositor Nick Ashford, quien junto a su esposa Valerie Simpson escribió míticos temas del soul. Nacido en Fairfield (South Carolina), decidió marchar a Nueva York cuando supo que su futuro estaba en la música. Conoció en 1963 a Valerie Simpson, su mujer y socia, en la iglesia baptista White Rock donde ella cantaba y tocaba el piano. Comenzaron cantando gospel con el coro The Followers, con quienes grabaron el disco "Gospel Meeting", que ya incluía alguna composición de Nick Ashford. Ya en 1964 ambos grabaron algún tema como el dúo Valerie & Nick, pero no tuvieron ninguna repercusión. Sin embargo, continuaron escribiendo canciones que otros interpretaban. Este es el caso de "California soul" para 5th Dimension, "Let's Go Get Stoned" para Ray Charles o este "Cry like a baby" para Aretha Franklin, que abrió los ojos de Berry Gordy, capo de la Motown, y decidió ficharles para el legendario sello Motown.
Ya en plantilla de Motown en 1966 el matrimonio Ashford-Simpson se encargan de escribir y producir canciones para el dúo formado por Marvin Gaye y Tammi Terrell, como "Your Precious Love", "Ain't Nothing Like the Real Thing" o "You're All I Need to Get By". Sin embargo, el gran espaldarazo a su carrera vino con "Ain't No Mountain High Enough" en 1967, que llegó al top 20 en las listas americanas y al número 3 en la lista de rythm&blues.
La pareja Ashford-Simpson continúan trabajando en conjunto con éxito para figuras como Diana Ross, para quien componen y producen tres discos a principios de los 70. También destacan producciones para Smokey Robinson & The Miracles, The Marvelettes, Chaka Khan o Gladys Knight & The Pips, de quien destacan canciones como "Didn't You Know You'd Have to Cry Sometime", "Bourgie, Bourgie", "Taste of Bitter Love" o este "The Landlord" cuyo video podemos disfrutar.
A mediados de la década delos 90 se retiran y abren un restaurante en Nueva York. Nick Ashford compagina esta actividad con la de descubrir disc jockeys para una emisora de radio. Nick Ashford llevaba tiempo trabajando en el libreto de un musical basado en la novela de Lynn Harris "Invisible Life". En 2006 aportó al magnífico álbum de Amy Winehouse "Back to Black" el tema "Tears Dry On Their Own", canción construida sobre un sample del "Ain't No Mountain High Enough", que acabamos de escuchar. Nick Ashford ha fallecido en Nueva York el pasado 22 de agosto después de luchar intensamente contra un cáncer de garganta. Descansa en paz. Las lágrimas se secan por sí solas.
El legendario grupo The Four Freshmen ha echado definitivamente el cierre. Tres meses después del fallecimiento a los 82 años de edad de Bob Flanigan, líder de este grupo vocal, Ross Barbour, el último de los miembros originales, ha muerto en su casa de California tras perder la lucha que que ha mantenido contra un cáncer de pulmón.
Los hermanos Ross y Don Barbour, Hal Kratzsch y Marvin Pruitt se unieron en el Conservatorio Arthur Jordan de la Butler University de Indianapolis en 1948 bajo el nombre Hal's Harmonizers para hacer música de barbería o barbershop music. Este estilo surge a finales del siglo XIX en los Estados Unidos para amenizar las salas de espera de las barberías, auténticos foros sociales de la época. Por lo general presentaban formación de cuarteto con dos tenores, un barítono y un bajo. El estilo barbershop vuelve a tener auge en la década de los 50 con el resurgir del gusto por los grupos vocales en esos años. Pronto Marvin Pruitt abandona la formación y es sustituido por Bob Flanigan, primo de los Barbour. Hal Kratzsch sería reemplazado en 1953 por Ken Errair. El grupo adopta un estilo más jazzístico y cambia su nombre por The Toppers. En septiembre de 1948 toman definitivamente el nombre The Four Freshmen. Presentan un estilo muy influenciado por The Modernaires, la sección vocal de Glenn Miller, o Mel Torme. El director de big band y compositor Stan Kenton les escucha y les ofrece la posibilidad de hacer una audición para Capitol, sello para el que grabaron algunos de sus mayores éxitos, como "It's a Blue World", "Mood Indigo", "Day by Day", "Graduation day", que posteriormente versionaron The Beach Boys, o este "Nights are long", en un poco conocido videoclip que recoge una actuación en un programa de televisión en 1965.
The Four Freshmen alcanzaron su plenitud entre 1956 y 1964 de la mano del productor Peter Rugolo, con el que editaron una serie de trabajos en los que enfrentaban sus voces a diferentes grupos instrumentales: "Four Freshmen and 5 Trombones", "Four Freshmen and 5 Trumpets", "Four Freshmen and 5 saxes", "Four Freshmen and 5 guitars" y "Four Freshmen and 5 trombones". El grupo fue perdiendo protagonismo a medida que las bandas de rythm&blues británicas fueron adquiriendo éxito. Sus miembros se fueron retirando poco a poco, quedándose Bob Flanigan al frente de la renovada formación hasta 1997, momento en que se retira. Falleció el pasado 15 de mayo. Ross Barbour este 20 de agosto. Adiós a The Four Freshmen.
David "Honeyboy" Edwards, la última leyenda viva del blues, ha fallecido el pasado 29 de agosto a causa de una insuficiencia cardiaca que le tenía retirado de los escenarios desde el pasado mes de abril, en que dio su último concierto. Es el último miembro de la generación de principios del siglo pasado que convirtieron el blues en una forma de vida diseminándolo por toda América y convirtiéndolo en la semilla de la que han brotado todos los estilos musicales modernos. Fue coetáneo de Charley Patton, Son House o Skip James. Nieto de esclavos, David "Honeyboy" Edwards nació hace 96 años en la pequeña localidad sureña de Shaw (Mississipi), un 28 de junio de 1915. Su sobrenombre "Honeyboy" (chico de miel) se lo puso su hermana por la forma en que se tambaleaba cuando estaba aprendiendo a andar. Aprendió a tocar la guitarra siendo niño de todos los músicos que veía a su alrededor en las plantaciones de la zona. Abandonó su casa con 14 años para acompañar al bluesman Big Joe Williams. Así pasó las décadas de los 30 y 40 del pasado siglo, de pueblo en pueblo, de club en club, compartiendo escenario con otros bluesmen del Delta del Mississipi como Charley Patton, Tommy Johnson o Johnny Shines. Fue amigo íntimo de Robert Johnson, de quien celebramos este año el centenario de su nacimiento. Fue una de las personas que estaban con él cuando el celoso dueño de un club ofreció a Johnson un vaso de whisky envenenado que le llevó a la muerte en 1938.
David "Honeyboy" Edwards escribió el libro "The World Don't Own Me Nothing", en que nos narra sus correrías desde su infancia hasta que decide emigrar a Chicago a principios de la década de los 50 en busca de fortuna. Describe la vida de un bluesman de la siguiente forma: "Un sábado, alguien como yo o Robert Johnson podría ir a uno de estos pequeños pueblos, y tocar a cambio de cinco y diez centavos. A veces podría estar tocando y tener delante a una multitud tan grande que bloqueaba toda la calle. A continuación, la policía venía y me tenía que ir a otra ciudad y en la que podía tocar. A veces el dueño de un bar nos daba un par de dólares por tocar en una tarde de sábado. Hacíamos autostop, de camión en camión, o si no se nos daba bien volvíamos a la estación de tren y nos subíamos a un mercancías camino de St. Louis o Chicago. Yo no tenía un lugar especial donde vivir. Cualquier lugar es mi casa. Si me va bien, me quedo. Cuando la cosa se ponía fea... salía por patas."
Sus primeras grabaciones no llegaron hasta que tras la Segunda Guerra Mundial el estudioso Alan Lomax le incluyó en unas grabaciones para la Biblioteca del Congreso. Tocó para él más de una docena de títulos en la Coahoma County Agricultural School de Clarksdale y dos días después tocó otros cuatro en el Delta Tourist Camp, situado cerca de Clarksdale. Estas grabaciones pusieron de manifiesto que Edwards era un músico del Delta típico de su época, capaz de hacer complicadas combinaciones entre voz y guitarra, y que ofrecía una línea vocal tensa y apasionada con canciones como "Worried life blues", a la vez que se acercaba a la cara más alegre de la vida en "I love my jelly roll" o en "Tear it down". Su estilo seguía la tradición del blues rural del Delta de Mississipi. De su estilo destaca su digitación en la guitarra y la utilización del bottleneck o “cuello de botella”, ese tubo de cristal o más modernamente de metal que introducido en el dedo meñique se utiliza para alargar la nota deslizándolo de traste en traste por el mástil de la guitarra. Le podemos ver en uno de mis dvds favoritos, "Lightnin' in a bottle" en el que Martin Scorsese recoge un concierto con las mejores estrellas del blues en 2004. David "Honeyboy" Edwards interpreta "Gamblin' man" manejando el bottleneck con gran maestría.
Edwards no volvió a grabar hasta 1951, fecha en que hizo su primera sesión comercial para el sello ARC bajo el nombre de Mr. Honey. El trabajo se tituló "Who May Your Regular Be". Hacia 1953 utilizaba el nombre artístico Honeyboy Edwards, grabando discos en Chicago para Chess, como "Build A Cave", aunque la mayor parte de estas sesiones nunca se publicaron. Durante la década de los 50 David "Honeyboy" Edwards trabajó en lo que fuera por las calles de Chicago para subsistir y por las noches tocaba asiduamente por los garitos de la ciudad, acompañado de bluesmen como Floyd Jones, Johnny Temple y Kansas City Red. En los años 60 fue redescubierto, grabando para algunas compañías como Artist Records y Chess, acompañado por el guitarrista Michael Stewart. Entre sus temas más conocidos destacan "Just Like Jesse James" o "Long Tall Worried Blues".
En 1972 conoce al cantante Michael Frank, con el que llega a tener una gran amistad. Actúan a dúo en numerosas ocasiones y en 1976 forman The Honeyboy Edwards Blues Band, girando con gran éxito por el norte de los Estados Unidos. En 1979 David "Honeyboy" Edwards graba el disco "Old Friends", acompañado de sus buenos amigos Sunnyland Slim, Kansas City Red, Floyd Jones y Big Walter Horton.
Durante las siguientes dos décadas, los 70 y 80, se convirtió en una figura habitual de las giras europeas, grabando notables discos fieles a su estilo del Delta, sustituyendo en ocasiones la guitarra eléctrica por su vieja guitarra acústica. En 2008 ganó un Grammy al mejor álbum tradicional de blues con el disco "Last of the Great Mississippi Delta Bluesmen: Live In Dallas", y en 2010 fue premiado con un Grammy a su trayectoria. Hasta abril de este año se mantuvo en activo con extensas giras, haciendo unos 70 conciertos al año. De hecho, tenía firmados varios conciertos en Estados Unidos y Europa para este verano. Este video recoge su actuación en el Crossroads Festival el día en que cumplía 95 años. Merece la pena ver y escuchar cómo el público le canta el "Happy bithday" mientras le regalan una tarta.
Bruce Iglauer, fundador y presidente Alligator Records ha dicho: "Con Edwards se ha cortado el enlace que había con el verdadero mundo del Delta blues. Honeyboy era de los artistas que entendía que no se puede separar la música que se crea de la cultura con la que se ha crecido". Descansa en paz, David "Honeyboy" Edwards.
NOTA: Este post ha sido fruto de la colaboración entre el programa de radio Blues Syndicate, del que Carlos Díez es su director y presentador, y La Consulta del Dr. Rhino. Este post ha servido de guión para el programa especial sobre David "Honeyboy" Edwards que podeís escuchar y descargar junto a la música de nuestro protagonista en la web del programa www.bluessyndicate.blogspot.com. Blues Syndicate es el programa de blues más seguido en España y Latinoamérica, y conocido y respetado en Estados Unidos, donde goza de gran prestigio entre la gente del blues. ¡No le perdáis la pista!
El cantante de jazzJoe Lee Wilson ha fallecido a los 75 años en Brighton el pasado 17 de julio, por causas que no se han llegado a esclarecer. Tenía una extraordinaria voz de barítono, con un estilo muy influenciado por el blues y el gospel que escuchaba en su infancia en su Oklahoma natal.Con 15 años abandonó la plantación donde trabajaban sus padres y se marchó a educar su voz a Los Ángeles. En 1951 tuvo ocasión de ver en directo una actuación de Billy Holiday, y se quedó tan impactado que supo que el jazz sería su forma de ganarse la vida. Comenzó a moverse por la Costa Oeste y se enroló en el grupo de Sarah Vaughan. La década de los 60 fue muy intensa y colaboró con grandes estrellas como Sonny Rollins, Lee Morgan o Miles Davis, entre muchos otros. Durante los 70 montó su propio grupo, Joe Lee Wilson Plus 5, que fue la banda de acompañamiento del saxofonista Monty Waters y del guitarrista japonés Ryo Kawasaki, además de otras colaboraciones. Participó en diferentes programas de radio y giró por Francia, Japón y Reino Unido, donde era muy apreciado. Este es un extracto de un documental sobre su figura, dirigido por Yves Breux y Brad Scott.
Mezcla de afroamericano e indio, fue un fantástico cantante de jazz como ha habido pocos, humilde y poco amigo del star system. Su última actuación fue en 2010 al ser incluido en el Oklahoma Jazz Hall of Fame, donde interpretó entre otras este "Nothing but a man". Descansa en paz.
El saxofonista estadounidense de jazzFrank Foster ha fallecido en su casa en Chesapeake (Virginia) a los 82 años por una insuficiencia renal. Nació en Cincinatti (Ohio) y estudió en la Wilberforce University, donde comienza a tocar el saxo. En 1949 se traslada a Detroit donde comienza a introducirse en los círculos locales de jazz, tocando con músicos como Wardell Gray. En 1951 le convoca la armada estadounidense para ir a la guerra de Corea, donde sirve en la 7ª División de Infantería. En 1953 regresa y esta vez se alista en la big band de Count Basie. Aporta arreglos y composiciones propias que llegarían a ser auténticos clásico del repertorio del pianista Count Basie como “Down for the Count”, “Blues Backstage”, “Back to the Apple”, “Discommotion”, “Shiny Stockings” o este "Young and beautiful", del que os traigo esta actuación de Count Basie en 1960 en Milán, con Frank Foster en el saxo tenor .
En la década de los 70 acompaña a Elvin Jones e ingresa en la big band del trompetista Thad Jones y el baterista Mel Lewis. En 1971 ingresa como profesor residente en el New England Conservatory of Music de Boston y en el New York City Public School System en Harlem. De 1972 a 1976 ingresa como profesor en el Black Studies Program de la Universidad de Nueva York y Buffalo (SUNY). A principios de los 80 forma y lidera diferentes grupos hasta que en 1986 releva a Thad Jones como director de la Count Basie Orchestra, que seguía en activo sin el propio Basie,que falleció en 1984. Recibe dos premios Grammy, uno como arreglista de la composición "Deedles’ Blues" de Diane Schurr y "Basie’s Bag", compuesta por George Benson. En 1995 abandona la Count Basie Orchestra y lidera tres formaciones de jazz: The Non-Electric Company, Swing Plus y The Loud Minority Big Band.
En 2001 sufre un derrame cerebral que le paraliza su lado izquierdo impidiéndole volver a tocar. Eso no le impidió seguir componiendo y arreglando desde su casa, donde falleció el pasado 24 de julio al lado de la que fue su manager durante 45 años y esposa Cecilia. Descansa en paz.
Me he tomado unos días de descanso en este mes de agosto para visitar la zona del valle del Cidacos, y entre los dinosaurios, el senderismo y la rica gastronomía de la comarca he tenido ocasión de disfrutar del Munijazz -Festival de Jazz de Munilla-, que cada vez va tomando más cuerpo en su ya octava edición. Los conciertos se celebraron al aire libre en escenarios situados en las plazas de San Miguel para los conciertos nocturnos y en la de Santa María en horario de tarde. El festival se abrió con la banda For Free Hands Quartet, procedente de Berlin, aunque compuesta por miembros de dieferentes nacionalidades. Una sólida sección rítmica a cargo del norteamericano Jonathan Robinson al contrabajo y el griego Dimitris Christides a la batería preparaban el lucimiento del alemán Andreas Brunn a la guitarra y Vladimir Karparov al saxo, con sus trepidantes melodías de inconfundible sabor balcánico.
El festival continuó la tarde del sábado con la actuación de Cochán Martínez Quartet, la banda del batería navarro Cochán Martínez, conocidos en la zona como la Orquestina de Cochán. A ellos se les sumó Víctor Bruna, flautista y clarinetista últimamente ligado a los grandes musicales representados en la Gran Vía de Madrid. El concierto comenzó a las 18:30 h., lo que permitió la asistencia de un público muy heterogéneo, con mucha presencia infantil, que disfrutó de lo lindo con bandas sonoras a ritmo de jazz y grandes clásicos del género, todo ello salpimentado con diversas improvisaciones sobre la marcha. De vuelta a la plaza de San Miguel, el joven pianista granadino Sergio Pamies llenó la noche de aires flamencos acompañado de Víctor de Diego al saxo, el sueco Marko Lohikari al contrabajo, Gonzalo del Val a la batería y Benjamín Santiago al cajón. En un momento dado Benjamín Santiago se calzó las botas de taconeo y se marcó un excelente baile sobre las tablas del escenario. Echadle un vistazo a este reportaje que le dedicó Canal Sur hace un par de años y que no os dejarña indeferentes.
El quinteto Gabacho Connection, compuesto por cuatro alumnos franceses del Centro de Enseñanza Musical Musikene y el pianista español Willy Muñoz, puso fin al festival. Cada componente aporta sus propias influencias, pero con un denominador común: el jazz. Como muestra, esta interpretación de "Amazon blues".
Como complemento a las actuaciones musicales el Salón de Verano del Casino de Munilla acogerá a lo largo de todo el mes de agosto una muy interesante exposición de más de cincuenta portadas de vinilos de jazz del período comprendido entre las décadas de los 50 y los 80 pertenecientes a la colección del crítico musical y periodista radiofónico Carmelo Erecacho. Cabe resaltar que todas las actividades y conciertos son totalmente gratuitos. Son muchos los motivos para no perder de vista a este festival y estar atentos a próximas ediciones.
He estado disfrutando de mis vacaciones veraniegas en la costa de Almería y he aprovechado para empaparme de la estancia de John Lennon por aquella zona entre los meses de septiembre y noviembre de 1966, cuando fue invitado por su amigo el director de cine Richard Lester a interpretar el papel protagonista en la película "Cómo gané la guerra" ("How I won the war"). Es una parodia de las películas de guerra, en la que un inepto mando y su tropa de soldados inadaptados reciben la orden de construir un campo de criquet en pleno desierto norteafricano tras la líneas enemigas.En aquel momento The Beatles comenzaban a estar en lo más alto de su carrera y la vida de los cuatro de Liverpool era todo menos tranquila. Sus fans les agobiaban, no podían salir a la calle ya que causaban histerismo especialmente entre sus seguidoras. Además, acababa de finalizar la que fue la última gira que realizaron The Beatles, con momentos de mucha tensión como cuando Lennon declaró que eran más famosos que Jesucristo y recibieron las airadas críticas de los sectores norteamericanos más conservadores o el affaire en el aeropuerto de Manila en el que fueron maltratados por la policía de Imelda Marcos al acusarles de que la habían desairado. En la costa almeriense podía caminar tranquilamente por la orilla de la playa embebido en sus pensamientos o de la mano de su entonces esposa Cynthia, que llegó dos semanas después. Aquella estancia en Almería cambió por completo a Lennon. No solo en su aspecto, al cortarse el pelo o al adoptar las gafas redondas del protagonista de la película, que le acompañarían durante el resto de su vida y convertiría en símbolo de la paz, sino en la forma de plantearse la vida al verse afectado por profundas crisis de identidad ocasionadas por el consumo de elevadas dosis de LSD. No sólo podía andar a sus anchas por las tranquilas playas de Almería, sino que por primera vez estaba alejado del resto de The Beatles, trabajando él solo en una película en un lugar que le era extraño. Comenzó el rodaje con mucha ilusión pero pronto se dio cuenta de que la interpretación no era lo suyo, centrándose en una melodía y unos versos que le rondaban por la cabeza y que no terminaba de encajar. Así pasó las horas de descanso entre rodaje y rodaje esbozando la que sería una de las canciones más reconocidas de la historia del rock: "Strawberry fields forever". En este documental del genial Alfonso Arteseros, para mí una de las personas que más saben de música en este país. Cualquiera de sus documentales son de obligada visualización para entender no solo la música actual en España sino la propia historia inmediata de nuestro país. Esta es la primera parte de "Almería enla memoria", en la que repasa la estancia de John Lennon en Almería."Strawberry fields forever" mezcla música pop con conceptos pertenecientes a la música clásica, todo ello aderezado con grandes dosis de psicodelia. Se lanzó al mercado el 13 de febrero de 1967 en los Estados Unidos, y el 17 del mismo mes en el Reino Unido, como un single con doble cara A junto a "Penny lane", de la que hemos hablado hace poco en esta consulta. Ambas canciones tienen como línea argumental la nostalgia por la infancia trancurrida en Liverpool. Siguiendo la norma de que todo single no debía ser incluido en un LP hizo que estos dos temas no formaran parte del "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". George Martin reconoció que fue el error musical más grande de su vida. En EE.UU. fueron posteriormente incluidas en el "Magical Mystery Tour" de 1967.
Strawberry Field era un orfanato del Ejército de Salvación sito en el barrio de Woolton, en los suburbios de Liverpool, donde vivía John Lennon durante su infancia y donde solía ir a jugar. Lennon recuerda con nostalgia aquellos momentos felices y nos invita a un viaje psicodélico para regresar a una infancia feliz rodeados de campos de fresas, donde nada es real y nada te puede pasar. "Strawberry fields forever" contiene además un cargado componente esotérico, misterioso, con un punto surrealista. A ello pudo contribuir la estancia, tras los rodajes en Carboneras, Cabo de Gata o Tabernas, en la casa Santa Isabel de Almería. A ella se trasladaron para celebrar el 26 cumpleaños de John Lennon el 9 de octubre, ya que al llegar su esposa Cynthia y Ringo Starr ya no cabían en la que ocupaban hasta entonces. Cynthia Lennon declaró años después que era una casa llena de misterio en la que las cosas se movían, se oían ruidos extraños y se encendían y apagaban las luces. Recordaba especialmente la imagen de una virgen en el rellano de la escalera. La casa, un palacete del siglo XIX con un gran jardín y piscina desde la que se divisa la bahía de Almería estuvo abandonada hasta que fue rescatada por el Ayuntamiento de la ciudad. Este año ha sido inaugurado allí el Museo de las Artes Cinematográficas y Escénicas de Almeria. En este palacete John Lennon grabó la primera toma de la canción acompañado de una guitarra acústica. Únicamente tenía en aquel momento una estrofa: "There's no one on my wavelength / I mean, it's either too high or too low / That is you can't you know tune in but it's all right / I mean it's not too bad". "Strawberry fields forever" es una de las canciones del cuarteto de Liverpool que más cambiaron durante su gestación. Pese a ser una obra exclusiva de John Lennon como en el resto de canciones aparece registrada bajo la autoría del propio John Lennon y Paul McCartney. Os dejo con el video de "Strawberry fields forever", que junto con el de "Penny lane", ya ofrecido en un post anterior, fueron seleccionados por el MOMA de Nueva York como dos de los clips más influyentes de la década de los 60.Aquella estancia en Almería parece que marcó de alguna manera el futuro de John Lennon. A primeros de noviembre de 1966 regresó a Londres y a los pocos días conoce a Yoko Ono en la Indica Gallery. Su matrimonio con Cynthia se derrumba mientras John y Yoko estrechan su relación y en 1969 de divorcian. Mientras tanto, los intereses de cada uno de The Beatles divergen cada vez más hasta que en 1970 se disuelven.
No es la primera vez que en esta consulta dejamos patente que sentimos predilección por aquellas figuras desconocidas del mundo de la música que sin su aportación nada hubiera sido igual, como productores, músicos o compositores que la mayoría de las veces no pasaron de las minúsculas letras en los títulos de crédito en la contraportada de un disco. Hoy quiero dedicar este post a la memoria de Jordan "Jerry" Ragovoy, productor y compositor de canciones clave en la historia del soul entre las décadas 50 y 70 del siglo pasado. Nacido en la ciudad de Filadelfia en 1930, pianista autodidacta y formado musicalmente a base de comprar discos en unos grandes almacenes, ha fallecido el 13 de julio de 2011 en Nueva York a causa de un derrame cerebral.
Su relación con el mundo de la música comienza en 1953 cuando participa en la producción del tema "My Girl Awaits Me" de The Castelles, grupo doo wop. Fichó como composotor por el sello Chancellor Records, obteniendo algunos éxitos. En 1960 se traslada a Nueva York, convirtiéndose en un compositor fundamental para entender la música de la década de los 60. Compone para las más rutilantes estrellas del firmamento musical del momento como Jimi Hendrix, B.B. King, Elvis Costello, Barry White, The Drifters, Miriam Makeba, Dusty Springfield o Diana Ross. El gran bombazo que catapulta sus composiciones a los primeros lugares de las listas es "Time Is on My Side", firmada bajo el pseudónimo Norman Meade e interpretada por The Rolling Stones. Fue inicialmente compuesta en 1963 para el trombonista de jazzKay Winding, pero en 1964 la graban The Rolling Stones y se sitúan en el top 10 norteamericano por primera vez en su carrera.
Jerry Ragovoy trabajó en equipo junto al compositor y productor soul Bert Berns, con quien coescribió "Piece os my heart", grabada en un principio por Erma Franklin, hermana de Aretha Franklin, en 1967 y que constituyó uno de sus escasos éxitos. Un año después Janis Joplin y su banda Big Brother and the Holding Company se marcaron una vibrante versión incluida en su disco "Cheap thrills". La crítica musical Ellen Willis explicó la diferencia entre las versiones de Erma Franklin y de Janis Joplin: "Cuando Franklin la canta, es un reto, no importa lo que me hagas, no destrozarás mi habilidad para ser un ser humano, de amar. Joplin parece al contrario que está diciendo: seguramente si sigo aceptando esto, si sigo un ejemplo explícito de amor y perdón, seguramente él tiene que entender el intercambio, devuélveme lo que te he dado. Joplin utliza el blues no para trascender el dolor, sino para gritar mas allá de la existencia". Escuchemos "Piece of my heart" con la inigualable voz en directo de Janis Joplin.Compone para Janis Joplin temas esplendorosos como "Try (Just a Little bit harder)" o "Cry baby". Sin embargo, elúnico tema que Jerry Ragovoy compuso especialmente para ella, “I’m Gonna Rock My Way To Heaven”, jamás fue grabado. Estaba previsto que formara parte de un musical que está previsto que se estrene este año y que llevará por título "One Night with Janis Joplin". En 1969 funda su propio estudio de grabación, llamado "Hit Factory", y produce trabajos de Bonnie Raitt y Dione Warwick. En 2003 produce su último trabajo, un recopilatorio de Howard Tate titulado "Howard Tate Rediscovered". El cantante, productor, compositor e historiador mucsical Billy Vera ha dicho: “Jerry Ragovoy no fue un escritor de melodías como Carole King o Burt Bacharach, si no que realmente capturó un lenguaje negro basado en el gospel”. Sirva de homenaje esta gran interpretación de Janis Joplin de su tema "Cry baby" en Toronto en 1970.
