Y los Stormy Mondays aparcaron su caravana en el Botánico de Gijón...

Una impresionante tormenta de rock&roll se avecinó al escuchar el nuevo trabajo de mis buenos amigos asturianos Stormy Mondays, con el inigualable Jorge Otero al frente. "Stormy Mondays en concierto en el Jardín Botánico Atlántico de Gijón" es el resultado del concierto celebrado el 3 de agosto de 2008, tras cuatro años de silencio en los escenarios, al menos como grupo. Ya hemos hablado en esta consulta de Jorge Otero y sus Stormy Mondays en alguna ocasión, pero creo que no está de más refrescaros quién es Jorge Otero y sus trabajos, sobre todo estando fuera de los circuitos comerciales habituales en la industria discográfica. Jorge Otero es músico (guitarrista, bajista, mandolinista...) en el que se unen como en pocos talento y técnica. Es side man o guitarrista de confianza de verdaderas leyendas del rock&roll como Joe Grucesky, Willie Nile, Cindy Bullens o Elliott Murphy. Además, de vez en cuando edita algún disco con sus Stormy Mondays y lo cuelga en su web para que todos los podamos disfrutar de forma gratuita. Y todo porque Jorge Otero es un músico, y no un mero vendedor de discos. Su vida está en la carretera, y además comparte sus vivencias a través del blog de su página web http://www.stormymondays.com/, donde tenéis toda su música disponible gratuitamente.

La formación que se presentó en el Jardín Botánico de Gijón fue Jorge Otero poniendo la voz, las guitarras y la mandolina, Pablo Bertrand al piano, órgano hammond y coros, Dani Menéndez a la guitarra y coros, Danny Montgomery a la batería y Rafa Sánchez con el bajo. Como músicos de apoyo participaron Juan Flores al saxo, Miguel Herrero a la trompeta y Héctor Braga aportando el violonchelo y el violín, con el que se lució en este "Fisherman blues" de "The Waterboys".

Pasaron por el escenario amigos como Toli Deville, de Los Débiles versionando el legendario "I'll Feel A Whole Lot Better" de The Byrds, Toli Morilla en una intensa interpretación de su "Azul y gris" y Alberto Rionda y Márco Álvarez de los contundentes Avalanch, todos ellos insignes representantes del rock asturiano. Ángel Parada resucitó el clásico "Caldonia" y cerró el concierto con una fabulosa versión del mítico "Caravan" de Van Morrison.

"Caravan" se publicó en 1970 incluida en el álbum "Moondance". Se convirtió en uno de los temas imprescindibles para Van Morrison, incluyéndose también el su álbum en directo "It's Too Late to Stop Now", grabado en 1974. En esta canción Van Morrison nos habla de sus recuerdos cuando vivía en Woodstock, en pleno campo, en una especie de casa encantada. Van Morrison dijo que "podía oir la radio como si estuviera en la misma habitación. No sabría cómo explicarlo. Había alguna historia sobre un pasaje subteráneo bajo la casa en la que vivía, rumores de niños y esas cosas y comencé a pensar que era verdad. ¿Cómo puedes escuchar la radio de alguien desde una milla de distancia como si estuviera en tu propia casa?" .

Nick Hornby, nos dice en su imprescindible libro "31 Songs" que "Caravan es la canción que quiero que toquen durante mi funeral. En el largo pasaje justo antes del clímax, la banda de Morrison parece aislar un momento en algún lugar entre la vida y el más allá, un hall grande y barroco donde puedes parar y pensar sobre todo lo que ha pasado antes".

Van Morrison interpretó "Caravan" con The Band en la película/despedida del grupo dirigida por Martin Scorsese en 1976 "El último vals", que podéis ver los que no tengáis la película en el enlace http://www.youtube.com/watch?v=fYr60DVzehg . Para Eric Clapton "Muddy Waters y Van Morrison robaron el concierto. Van haciendo "Caravan" y dando patadas. Parte de la mejor música en directo que jamás verás". Tiene razón Manolenta. Es un momento mítico en la historia del rock. Y Jorge Otero y sus Stormy Mondays son sus legítimos herederos por línea directa. Ved y escuchad todos de él. Os ofrezco este cover del "Younger face" del californiano Dan Baird, grabado como todos estos videos del post por Paco Vigil, al que desde aquí agradezco su generosidad al compartir este impagable material.

Chet Baker, 21 años después

21 años después llega a España un documental sobre la vida del trompetista Chet Baker, titulado "Let's get lost", dirigida por Bruce Weber en 1987. Mientras Weber estaba en pleno proceso de producción recibió la noticia de que el protagonista había fallecido tras caer de la ventana del Hotel Prins Hendrik de Amsterdam a las 3 de la madrugada del 13 de mayo de 1988, con el cuerpo rebosante de drogas, y en circunstancias que jamás se pudieron esclarecer.

Chesney Henry Baker Jr. nació en 1929 en una granja de Oklahoma, aunque pronto se trasladó con su familia a California. Su padre era aficionado al jazz y así comenzó a aficionarse al trombón, aunque pronto se decantó por la trompeta. Al volver del servicio militar continúa estudiando música y empieza a relacionarse con los grandes trompetistas del bebop de la época, como Dizzy Gillespie. Como músico las pasa canutas y se vuelve a alistar en el ejército, del que se cansa pronto y decide regresar a California. Allí tiene un golpe de suerte: Charlie Parker está de gira por allí y necesita un trompetista para su banda. Esperó una cola de cincuenta aspirantes, pero cuando Charlie Parker le escuchó no quiso oir más: Chet Baker era el elegido. Incluso Charlie Parker llamó a Dizzy Gillespie y a Miles Davis para ponerles en aviso de aquel blanco que tocaba la trompeta como un negro.

Tras diversas giras con The Bird, formó parte del "Gerry Mulligan Quartet", en una formación que prescindió del piano -algo impensable en el jazz de aquellos años- y dio protagonismo a la sección de viento. Tras girar junto al pianista Russ Freeman por norteamérica y grabar discos de notable calidad, decide venir a Europa.

Chet Baker consumió heroína desde el inicio de su carrera, pero fue en la decada de los 60 cuando comenzó a ser un grave problema. En 1960 fue arrestado en Italia, pasando año y medio en prisión. En 1962 salió para grabar el magistral "Chet is back!", pero a finales de ese año fue nuevamente detenido en Alemania, siendo expulsado repetidamente de la propia Alemania, Suiza, Francia e Inglaterra. Después de más y más problemas con la justicia en Europa, regresa a Estados Unidos en 1964 y cambia la trompeta por el fliscorno, una especie de trompeta muy utilizada en los momentos solemnes del ejército estadounidense. En este video se luce al fliscorno, interpretando el tema "Bye Bye Blackbird" en Bélgica en 1964.

Su carrera no se endereza, y para colmo recibe una monumental paliza en San Francisco que le deja sin dientes, lo que le obliga a cambiar la forma de embocar la trompeta. Sufrió mucho y le costó reponerse. Su amigo Dizzy Gillespie le echó una mano, convenciéndole de someterse a tratamiento con metadona, volviendo a actuar nuevamente por Estados Unidos, Europa y Japón. En 1983 el rockero Elvis Costello le pide una colaboración. En este video interpretan ambos el tema "You Don't Know What Love Is" en 1986, dos años antes de morir.

En 1987 el cineasta Bruce Weber decide hacer un documental sobre el trompetista que le fascinó desde que tenía 16 años, cuando veía al guapo e irresistible Chet Baker en las portadas de los vinilos. Weber costeó la película de su propio bolsillo, y lo convirtió en uno de los documentales sobré músicos más desgarradores y auténticos que se hayan rodado jamás. Es un trabajo maldito que, pese a ser nominado al Oscar, ha estado olvidado en las estanterías de algún almacén hasta que el año pasado se rescató en el Festival de Cannes en la categoría de clásicos. Os traigo el trailer español del documental, que ahora se ha estrenado en España, el 18 de septiembre.

Chet Baker no fue técnicamente un gran trompetista, y mucho menos un buen cantante. Sin embargo, tenía eso que toda leyenda de la música debe tener y no sabemos cómo explicar. Chet Baker tenía esa varita mágica que remueve lo más hondo del alma. Bruce Weber dijo de él: "Era un tipo duro de verdad, y un terrible pesimista, siempre de mal humor; tenía una voz maravillosa, pero se enfadaba si se lo decías. Me recordaba tanto a los hombres mayores de mi familia... No había ninguna mujer que después de conocerle no quisiera saber más de él al día siguiente. Le gustaban las mujeres y los dulces, y yo solía pasarme por su casa de Santa Bárbara a saludarle con una tarta y acompañado de Christy Turlington, o de otras modelos... ¡Y claro, así me fue tomando simpatía!" .

En 1997, fue publicada su autobiografía inacabada con el título de "As Though I Had Wings: The Lost Memoir". Está enterrado en el Cementerio Inglewood Park de Los Ángeles, California. Si alguno váis por allí, no olvidéis llevarle flores. Fue un tipo realmente excepcional.

John E. Carter, el tenor del soul

Como dice alguno de mis más fieles seguidores, esta consulta se va pareciendo más a un obituario. Las grandes figuras del soul y del blues se nos van haciendo mayores y las bajas se suceden. Este verano de 2009 ha sido particularmente triste. A los que han pasado por la consulta para darles el penúltimo adiós se les une John E. Carter, vocalista del grupo de soul The Dells,que falleció por un cáncer de pulmón, en Harvey, Illinois, el pasado 20 de agosto a los 75 años.

John E. Carter formó en 1952 la banda de doo-wop The Flamingos, auténticos reyes de estilo reinante durante la década de los 50. Era el único miembro fundador de The Flamingos que quedaba con vida. Abandonó el grupo en 1957 para cumplir con el servicio militar, pero le dio tiempo para dejar alguno de los clásicos del soul como este "I only have eyes for you".

En 1960 se incorporó a The Dells, sustituyendo a su tenor principal Johnny Funches. Con The Dells grabó algunos de sus mayores éxitos: ‘Oh, what a night’, del que vendieron un millón de discos, ‘Stay in my corner’ y ‘Give your baby a standing ovation’. The Dells lo formaban el tenor John E.Carter, el barítono principal Marvin Junior, y los cantantes de apoyo Charles Barksdale, Michael McGill y Verne Allison, que participó en 1991 como director artístico en la película de Robert Townsend "The Five Heartbeats", inspirada en la vida del grupo. La última actuación de The Dells fue en 2004 en Chicago, tras ingresar en el Hall of Fame. Disfrutad de la voz en falsete de John E. Carter, el tenor del soul, y The Dells interpretando "A Heart Is a House for Love".

Terry Stewart, presidente y director del Rock&Roll Hall of Fame ha declarado: "Hemos perdido una voz extraordinaria que honró con su presencia a dos de los grupos vocales más importantes de todos los tiempos. Como miembro de The Dells y The Flamingos, Johnny fue uno de los pocos artistas incorporados dos veces al Rock&Roll Hall of Fame".

Ellie Greenwich, la compositora del soul

Agosto se despedía con el fallecimiento de Ellie Greenwich a los 68 años. Lo más probable es que su nombre no os diga nada, pero estoy seguro de que habréis bailado alguna de sus canciones, ya que compuso algunos de los más grandes temas de la música soul. Estaba casada con Jeff Barry, con quien formó uno de los tándems de compositores más reconocidos de los 60. El productor Phil Spector exprimió su talento en producciones de la envergadura del "Be My Baby" de The Ronettes o este "Da Doo Ron Ron" para The Crystals.

La obra cumbre del trío Jeff Barry, Phil Spector y Ellie Greenwich fue el inconmensurable "River deep mountain high", hecha a medida de Ike & Tina Turner, que pusieron su granito de arena para hacerla verdaderamente grandiosa. Como curiosidad, Ellie Greenwich nunca acabó de digerir las producciones de Phil Spector, ya que las consideraba excesivas. Como curiosidad, a Ike Turner no se le permitió la entrada al estudio durante la grabación. La voz registrada e únicamente es la de Tina Turner. Se publicó en Estados Unidos en 1966 y no obtuvo el éxito que se esperaba de ella. Se dice que fue considerada una canción demasiado negra para las radios para blancos, y demasiado blanca para ser emitida en radios para negros. Se han hecho versiones de todo tipo, pero destacaría las de Bob Seger, The Supremes con Diana Ross al frente, Annie Lennox, Neil Diamond o incluso Meat Loaf. Creo que el mejor homenaje es ver y escuchar la versión auténtica, la de Ike & Tina Turner.

El bombazo de esta canción se produjo en Gran Bretaña poco después, aprovechando el auge del blues y el soul en el Reino Unido en aquellas fechas, coincidiendo con el despegue de los mods y su gusto por el soul, y la gira de los grandes bluesmen como Muddy Waters, Howlin' Wolf o Sonny Boy Williamson por Inglaterra dando clases magistrales a los jóvenes talentos ingleses. Grupos como Eric Burdon & The Animals, The Shadows o incluso Deep Purple se atrevieron a versionar el "River deep mountain high". Ellie Greenwich también compuso otros temas para grupos británicos. A mí me gusta especialmente el legendario "Doo Wah Diddy Diddy" para los Manfred Mann. Auténtico sonido de los 60.

Por siempre, Les Paul

Hará ya la friolera de más de veinticinco años que leí en un tedioso verano en una colección de mi abuelo de viejos ejemplares de la revista americana Reader's Digest una historia que me impactó. Un guitarrista norteamericano sufrió un grave accidente de coche en Oklahoma en 1948. Entre otras graves lesiones, su codo derecho quedó destrozado. Los médicos podrían operarle pero le comunicaron que el brazo quedaría inmóvil, con lo que su carrera como guitarrista quedaba seriamente comprometida. Nuestro protagonista propuso al cirujano que ya que iba a quedar su brazo rígido, contemplaran la posibilidad de dejárselo inmóvil en la postura y con la inclinación idónea para poder seguir tocando la guitarra. Así fue. Este guitarrista era Lester William Polsfuss, más conocido como Les Paul, que acaba de fallecer este 13 de agosto en Nueva York a los 94 años de edad.

A los 8 años ya coqueteaba con la armónica, el banjo y la guitarra. A los 13 ya actuaba acompañando a alguna banda country, siendo conocido en esa época como Red Hot Red. Ya apuntaba maneras cuando patentó el soporte para la armónica que ideó para poder tocarla sin dejar de acompañarse con la guitarra. Todos los folkies norteamericanos lo siguen utilizando desde entonces. En 1936, con 20 años, participó en la grabación de dos discos, acompañando a Rhubarb Red en uno de ellos y a la blueswoman Georgia White en otro como guitarrista acústico. En 1938 comenzó a tener éxito con el llamado Trio Les Paul, formado por él mismo, el bajista Ernie Newton y Jim Atkins, guitarrista y hermano mayor de Chet Atkins. En 1943 se trasladó a Hollywood, donde acompañó a la guitarra a rutilantes estrellas como Nat King Cole, The Andrew Sisters o Bing Crosby, con quien grabó el gran número 1 de 1945 "It's Been A Long, Long Time" Os dejo este video grabado con Chet Atkins, interpretando "Birth of the Blues".

Mientras tanto, Les Paul experimentaba con los sonidos grabando algunos discos propios a finales de los 40 en el sello Decca. Al finalizar la II Guerra Mundial, el técnico de sonido Jack Mullin, que sirvió en el ejército como técnico de comunicaciones, se trajo de Alemania un magnetófono desguazado, que reconstruyó en su casa y ofreció a Bing Crosby para su programa de radio. La empresa Ampex lo adaptó y perfeccionó con las sugerencias de Les Paul, que fue el primero en hacer una grabación multipista -multitrack- en el garaje de su casa, aprovechando para hacer todo tipo de efectos especiales. En esa grabación Les Paul tocó ocho partituras de guitarra diferentes, grabando cada pista en un disco de pasta, volviendo a grabar otra parte junto con la primera ya registrada. Así quedaban todas las pistas superpuestas en una misma grabación. Además, le encantaba trastear con las pistas aumentando y reduciendo la velocidad, consiguiendo diferentes efectos sonoros. Estas y otras innovaciones introducidas por Les Paul se convirtieron en pilar fundamental en el desarrollo de la industria musical moderna, causando una auténtica revolución. En los 50, Les Paul hizo varias grabaciones técnicamente vanguardistas con su esposa, Mary Ford, quien cantaba country y le acompañaba a la guitarra rítmica. Entre las mejores canciones de la pareja destaco "How High the Moon", "Bye, Bye, Blues", "The World is Waiting For The Sunrise" o "Vaya Con Dios", pero os dejo con esta battle guitar entre ambos, donde podemos contemplar la gran complicidad que existía entre ambos.

Les Paul ha sido uno de los más grandes guitarristas de la historia y uno de los principales renovadores de los sistemas de grabación, pero quizá su obra más reconocida es la creación de uno de los modelos de guitarra eléctrica más utilizados por los virtuosos de este instrumento: la Gibson Les Paul.

A mediados de los años 30 la electrificación de las guitarras era una de las asignaturas pendientes para poder terminar de revolucionar el mundo de la música. Mientras Leo Fender y Adolph Rickenbacker investigaban por esas fechas cada uno por su lado, el propio Les Paul comenzó a experimentar con un bloque macizo de pino, dos pastillas, un puente y un mástil fabricado por Gibson. Así nació su primera creación, bautizada como The Log. Gibson Guitar Corporation se dejó asesorar por Les Paul y a principios de los 50 se presentó la primera guitarra Gibson Les Paul, que fue adoptada por las principales figuras del emergente rock&roll como Chuck Berry. Había nacido un clásico. La Gibson Les Paul la han utilizado los mejores. De Jimmy Page a Duane Allman, de The Edge a Slash, de John Fogerty a Carlos Santana, de Peter Green a Gary Moore, pasando por George Harrison y John Lennon. Como homenaje a Les Paul os propongo este video sobre su vida y obra, proyectado en el Carnegie Hall en el NYC Jazz Festival de 2005.