La Consulta del Dr. Rhino

Etta James, la blueswoman de la voz prodigiosa

2012-02-19T16:06:00.000+01:00

Era una noticia que sabíamos que íbamos a recibir en cualquier momento, pero no por ello ha dejado de sorprendernos como un jarro de agua fría. Etta James, enferma de leucemia desde hacía meses, complicada con hepatitis C y afectada de demencia senil, ha fallecido el 20 de enero en el hospital Riverside de California a los 73 años, un día después de que falleciese su descubridor Johnny Otis.

Jamesetta Hawkins nació en Los Ángeles en 1938. No conoció a su padre, aunque siempre sospechó que fue George Hegerman, de raza blanca, más conocido en los ambientes como Minnesota Fats, un maestro del billar que inspiró la novela de Walter Tevis "The hustler", llevada a la gran pantalla en 1956 por Robert Rossen y titulada en España como "El buscavidas", con Paul Newman en el papel del propio Minnesota Fats. Desde niña tuvo una gran voz, iniciándose como tantos otros en el coro gospel de la iglesia de su barrio. Con solo cinco años comienza a formarla el profesor James Earle Hines. Marcha a San Francisco en 1950 y con 14 años se presenta a una audición con el director de orquesta Johnny Otis, a quien deslumbra colocándola de vocalista de su banda The Peaches. Consiguen una gran éxito en 1955 con la sensual canción "Roll with me Henry", que en el disco pasaría a titularse "The wallflower", en una especie de censura previa que no pasó. The Peaches se disuelven y Etta James decide emprender su carrera en solitario.

En 1960 ficha para Chess Records, de Chicago. Su índice de popularidad sube enteros gracias a grandes discos que la hacen trepar en las listas norteamericanas de rythm&blues, como "All I Could Do Was Cry", "At last" o el blues "In the Basementcon" con Sugar Pie De Santo. Consigue unas altas cotas de popularidad gracias al impulso de Leonard Chess, que la encuadra como baladista. Graba un par de temas con su novio Harvey Fuqua, vocalista de The Moonglows, que tienen gran éxito, como este "If I can't have you".

En 1968 edita el disco "Tell mama", que incluye una de las canciones que considero más emblemáticas de Etta James: la desgarradora "I´d rather go blind". Etta James nos cuenta en su autobiografía "Rage To Survive" que la por primera vez cuando era solo un boceto a su amigo Ellington "Fugi" Jordan, quien se la tarareó cuando Etta le visitó en la cárcel. La terminaron de escribir a dúo, pero por razones fiscales quedó registrada a nombre de su pareja en ese momento, Billy Foster. Aquí la interpreta junto al legendario bluesman de Nueva Orleans Dr. John.

Los años 70 son difíciles para el rythm&blues y Etta James trata de mantenerse grabando temas pop y rock, que no son de su estilo. Leonard Chess fallece en 1969, y pese a ello Etta James continúa en Chess hasta 1975. La decadencia del sello Chess y sus coqueteos con las drogas la sume en una espiral de adicciones, detenciones y condenas, que dura hasta que en 1984 le piden que entone el himno nacional en la inauguración de la olimpiadas de Los Ángeles en 1984. En 1988 publica "Seven Year Itch", un buen trabajo de claro estilo sureño. Se asoma a la nueva década con esperanza y publica en 1990 "Sticking to my guns" y "The right time" en 1992, acercándose mucho al jazz. En 1993 entra en el Rock&Roll Hall Of Fame como reconocimiento a su carrera. Siguió en activo hasta que en noviembre de 2011 publica "The dreamer" a modo de despedida. La leucemia avanzaba implacable y el Alzheimer iba haciendo de las suyas, pero consigue un disco de soul potente y muy sólido, aunque quizás aprecio su voz ya cansada, minada por las enfermedades.

Pese a su debilidad para superar las adicciones fue una mujer de fuerte carácter, capaz de enfrentarse a ellas a lo largo de su vida en el libro "Rage to survive: the Etta James story", coescrito con David Ritz en 1995, en el que afronta su biografía sin adornos, con una crudeza fuera de lo habitual. También fuimos testigos de su fuerte carácter tras presenciar cómo Barack Obama y su esposa Michelle bailaban acaramelados en la celebración de su toma de posesión de la presidencia de los Estados Unidos mientras Beyoncé Knowles interpretaba el legendario tema de Etta James "At last". Fueron muy duras las declaraciones posteriores de Etta James contra Barack Obama, que prefirió a la joven y esbelta Beyoncé, que ya había interpretado el papel de la propia Etta James en la película "Cadillac Records", y que a Etta tan poco le gustó. El reverendo Al Sharpton leyó en su funeral una declaración del presidente Obama en la que decía: “Etta será recordada por su legendaria voz y su contribución al patrimonio musical de nuestro país”. Desde nuestra consulta queremos rendirle homenaje a la gran Etta James con este video del tema "At last". Esta vez sí, con la genuina voz de Etta James.

Fred Milano, la voz tenor de The Belmonts

2012-02-11T15:20:00.000+01:00

Fred Milano, miembro del grupo Dion & The Belmonts, falleció el pasado 1 de enero en un hospital de Long Island. Contaba con 72 ños y hacía tres semanas que se le había diagnosticado un cáncer del pulmón. Fred Milano fue un excelente tenor, que aportó su voz a la exitosa carrera de su grupo vocal The Belmonts, en plena eclosión de los grupos blancos del estilo doo-wop en el Bronx neoyorkino.

Fred Milano y sus amigos Carlo Mastrangelo y Angelo D'Aleo, todos ellos de origen italiano, nacidos en el Bronx y de clase obrera, se unen a mediados de la década de los 50 para formar The Belmonts, en honor de la Belmont Avenue, arteria del Bronx por donde se movían nuestros protagonistas. En 1958 se une Dion DiMucci como voz principal, pasando la formación a denominarse Dion and The Belmonts. Entre sus éxitos más sonados están "A Teenager in love" y "The wanderer", aunque su tema estrella fue "I Wonder Why", grabado en 1957. Mucho más tarde, en 1993, Robert de Niro la incluyó en la banda sonora de su película "Una historia del Bronx", donde nos narra su infancia en el barrio italiano del Bronx, al igual que la de nuestra protagonista.

Dion DiMucci decide emprender su carrera en solitario y The Belmonts se disuelven. Fred Milano abandona el mundo de la música y pasa a desempeñar el puesto de coordinador legal de la cárcel de Rikers Island, la prisión más grande de los Estados Unidos. Descanse en paz.

Johnny Otis, el padrino del rythm&blues

2012-02-04T20:31:00.000+01:00

Me gusta traer a la consulta a aquellos personajes secundarios que con esa infalible mezcla de talento, trabajo e ilusión consiguieron hacer historia en cualquier disciplina de que se trate. Hoy tenemos a Ioannis Alexandros Veliotes, más conocido como Johnny Otis, cantante, disc jockey, compositor, arreglista, cantante, batería, vibrafonista, empresario y sobre todo productor discográfico. Ha fallecido el 17 de enero de 2012 en Los Ángeles (California) a los 90 años de edad. Era conocido como "el padrino del rythm&blues".

Nace en California el 28 de diciembre de 1921 en el seno de una humilde familia de inmigrantes griegos. Comenzó interesándose por la batería. Toca en diferentes orquestas de swing hasta que en 1945 decide formar su propia orquesta, contando entre sus miembros con el cantante de blues Wynonie Harris y Charles Brown, pianista y también cantante. Ambos harán una exitosa carrera en solitario más adelante. En aquella época dorada de las big bands la banda de Johnny Otis logró un gran éxito con este tema, compuesto por Earl Hagen, que se convirtió en clásico: "Harlem Nocturne".

En 1947 prueba fortuna en el mundo de la hostelería y abre junto al cantante y guitarrista Ali Bardu el Barrelhouse Club en Los Ángeles, donde actúa su banda como residente. En el Barrelhouse Club actúan figuras como Mel Walker o Little Esther Phillips &The Robins (que más adelante se convertirían en The Coasters). A Little Esther Phillips fue descubierta por Johnny Otis al ganar uno de los concursos que organizaba en su club. También descubre al gran saxofonista Big Jay McNeely, quien interpretó con gran acierto su tema "Barrelhouse Stomp".

En 1950 cambia de sello y empieza a grabar para Mercury, pero su éxito comienza a decaer como intérprete. No obstante, su actividad como productor se multiplica y descubre grandes talentos del rythm&blues como la gran Etta James, para quien produjo su primer hit "Roll With Me, Henry". También hay que apuntarle la producción de la grabación original del tema "Hound dog", compuesto por llevada a cabo por Jerry Leiber y Mike Stoller e interpretada por Big Mama Hornton, a la que vemos interpretando "Hound dog" en este video de 1952.

Su actividad como intérprete y compositor tampoco para. En 1952 The Royals graban su canción más reconocida: "Every Beat of My Heart". La versión más famosa es la que llevaron a cabo Gladys Knight & The Pips en 1972.

Crea Dig, su propio sello desde el que lanza nuevas promesas. Desde 1957 se convierte en un asiduo de la televisión de Los Ángeles con su programa The Johnny Otis Show. En 1958 publica su gran éxito "Willie y el Hand Jive", que llega al top ten de las lista norteamericanas. Eric Clapton lo versionó en 1974, incluyéndolo en su disco "461 Ocean Boulevard". Ya en 1969 graba bajo el nombre Snatch and the Poontangs un polémico disco en el aparece material sexual explícito. En esos años 60, se dedica al periodismo y a la política, llegando a presentarse a la Asamblea Estatal de California. Más tarde se convirte en jefe de gabinete del congresista demócrata Mervyn M. Dymally. Por si fuera poco, también fue pastor de la Iglesia Comunitaria de Landmark. En 1970 actúa en el Festival Jazz de Monterrey junto al saxofonista Eddie "Cleanhead" Vinson y Little Esther Phillips. Desde entonces, aunque su estrella se fue eclipsando, continuó actuando asiduamente por los Estados Unidos. Más tarde, durante los 80 tuvo un programa semanal de radio en Los Ángeles sobre rythm&blues. En 1982 publica un álbum junto a su hijo Otis.

Johnny Otis decidió públicamente vivir su vida como un miembro más de la comunidad afroamericana. Él mismo llegó a decir que "cuando era niño, decidí que si nuestra sociedad dicta que uno tenía que ser blanco o negro, preferí ser negro". Sirva de homenaje su mayor éxito "Willie and the hand jive". Descanse en paz.

Don DeVito, el gran record man

2012-01-15T20:04:00.003+01:00

Hace ya un par de meses leí una pequeña reseña en la prensa en la que en un escueto obituario se recogía el fallecimiento del productor musical Don DeVito. Me retrotraje en el tiempo 30 años cuando, recomendados por algún compañero de colegio con hermanos mayores, cayeron en mis manos los vinilos de Bob Dylan "Blood on the tracks", "Desire", "Street legal" y "At Budokan" abriendome los ojos y los oídos a todo un mundo por descubrir. Fue el punto de partida de un viaje sin fin por los sonidos, sabores, rincones y gentes de norteamérica. Con quince años me sentí adulto musicalmente hablando. Don DeVito falleció el pasado 25 de noviembre en Nueva York cuando contaba con 72 años de edad tras perder la batalla contra un cáncer de próstata.

Neoyorkino de nacimiento, concretamente de Brooklin, comienza a tocar la guitarra muy pronto, integrándose en la banda del reputado músico Al Kooper con poco más de quince años. Se cuenta que el propio Al Kooper le vio tocando en la calle, se acercó y le preguntó si era capaz de tocar una determinada canción. Lo debió de hacerm muy bien porque a los pocos días salía de gira con la banda de Al Kooper. Más tarde crea su propio grupo, The Sabres. En plena gira se separan y Don DeVito se queda en Fort Smith (Arkansas). Este incidente se transforma en un golpe de suerte cuando conoce de forma fortuita a Johnny Cash, que se convertiría en una persona clave en su vida al presentarle más adelante a Bob Dylan, produciéndole sus tal vez mejores discos.

Su carrera no termina de cuajar como músico y en 1967 entra en un programa de formación para directivos del sello CBS. Allí desarrolló toda su carrera profesional pasando desde la división de deportes a ser responsable de promoción local de CBS Records en Miami. En 1971 CBS Records se transforma en Columbia Records y Don DeVito regresa a Nueva York para formar parte del departamento de marketing. Comienza a formarse como productor con lo mejorcito de la casa: Bob Johnston, James Guercio, Jimmy Ienner y Phil Ramone. Su amigo Johnny Cash le presenta a Bob Dylan y Don DeVito consigue que Dylan firme de nuevo con Columbia Records tras su paso por Asylum. De paso se convierte en su productor, consiguiendo sacar lo mejor de Dylan. "Blood on the tracks", "Desire", "Hard Rain", "Street legal" y "At Budokan", con la Rolling Thunder Revue de por medio. De esa legendaria gira son estas imágenes interpretando "Tangled up in blue", tema recogido en "Blood on the tracks", el primer LP de Dylan producido por nuestro protagonista.

El nombre de Don DeVito está inseparablemente unido al Bob Dylan de los 70, pero también trabajó con Billy Joel, Bruce Springsteen, James Taylor, Janis Joplin, The Byrds, Simon & Garfunkel, Aerosmith, Tony Bennett y Carole King. En 1981 es nombrado vicepresidente de Columbia Records. En 1989 recibe un premio Grammy por su trabajo “Folkways — A Vision Shared: A Tribute to Woody Guthrie & Leadbelly” en la que reunió a lo mejorcito de la música norteamericana (Bruce Springsteen, Willie Nelson, Dylan, Little Richard, John Cougar...) alrededor de las canciones de Woody Guthrie y Leadbelly. Se encargó de la organización del concierto homenaje a Bob Dylan en el 30 aniversario de su carrera. En 2001 se encargó de la organización y promoción del concierto en memoria de la víctimas del atentado del 11 de septiembre sobre la ciudad de Nueva York. Se jubiló en 2007. Descansa en paz, record man.

Hubert Sumlin, el guitarrista del blues

2012-01-07T19:33:00.001+01:00

2011 no ha sido un buen año para el mundo del blues. A las sensibles pérdidas del pionero David Honeyboy Edwards, George "Mojo" Bufford, Gary Moore, Eddie Kirkland, Pinetop Perkins y Willie "Big Eyes" Smith, y la colosal lucha contra la enfermedad de Etta James se suma en el último mes del año el fallecimiento de Hubert Sumlin, uno de los más grandes guitarristas de la historia del blues. Nació en Greenwood (Mississipi) el 16 de noviembre de 1931, aunque se crió en la localidad de Hughes (Arkansas). A los seis años cogió por primera vez una guitarra , instrumento que le enganchó. Se cuenta que siendo un niño conoció a Howlin' Wolf al colarse en una actuación suya en un juke joint de la zona. A primeros de la década de los 50 monta su primera banca acompañado del armonicista James Cotton. Howlin' Wolf se traslada a Chicago en 1953, pero su guitarrista Willie Johnson optó por no unirse a él. Le sustituye Jody Williams, y un año más tarde, en 1954, Hubert Sumlin recibe una llamada de Howlin' Wolf para unirse a su banda como segundo guitarra. Se dice que le obliga a tomar cláses de guitarra clásica y a tocar la guitarra eléctrica sin púa. Jody Williams abandona la formación en 1955 y Hubert Sumlin ocupa su puesto de primer guitarra y no lo abandonará durante el resto de la carrera de Howlin' Wolf, salvo algún pequeño escarceo en 1956 para acompañar a Muddy Waters. Hubert Sumlin es la guitarra de un gran puñado de las que se consideran las mejores canciones del blues como "Wang Dang Doodle" o "Killing floor". Otra de las imprescindibles es "Smokestack lightnin'", pedazo de rythm&blues con la voz y la armónica de Howlin' Wolf y la guitarra de Hubert Sumlin.

Tras la muerte de Howlin' Wolf en 1976, Hubert Sumlin continuó con otros miembros de la banda hasta aproximadamente 1980 bajo el nombre The Wolf Pack, algo así como la manada de lobos. Sumlin también grabó algún disco bajo su propio nombre. El primero se publicó en Berlín en 1964 durante la gira europea del American Folk Blues Festival. A estas sesiones pertenece este video, en el que aparece acompañado del pianista Sunnyland Smith y el bajista y compositor Willie Dixon, interpretando el tema "Come On Home Baby".

Lo cierto es que nunca fue un buen cantante, lo que le relegó a la hora de editar trabajos como solista. No obstante, a finales de los 80 publica dos brillantes discos para el sello Black Top, "Blues party" y "Healing feeling", con el guitarrista Ronnie Earl como principal colaborador. Su legión de admiradores del rock blanco, capitaneados por Keith Richards, inician el gran disco de colaboraciones que pretende poner a Hubert Sumlin en el lugar destacado que merece. Se le detecta un cáncer de pulmón y se le extirpa uno de ellos. El disco tarda cinco años en publicarse. Por fin se edita "About them shoes", pero su situación es precaria y hay que volcarse para recaudar fondos que sufraguen las facturas de médicos y hospitales. Entre el éxito del disco homenaje y la inestimable ayuda de Eric Clapton, Levon Helm, David Johansen, Jmes Cotton o el propio Keith Richards hace que su nombre vuelva a sonar por los circuitos, permitiéndole actuar en pequeños locales incluso asistido por una bombona de oxígeno, como en esta actuación de enero del pasado año.

Hubert Sumlin falleció el pasado 4 de diciembre en el St. Joseph´s Hospital de Wayne (Nueva Jersey) a causa de un fallo cardíaco a los 80 años de edad. Miembro del Salón de la Fama del Blues desde 2008, es sin duda uno de los guitarristas más influyentes de la historia. Toni Ann Mamary, manager y compañera de Hubert Sumlin ha manifestado: “Solo quería compartir con vosotros, queridos fans de Hubert, que Mick Jagger y Keith Richards han insistido en hacerse cargo de todos los gastos del funeral de Hubert. Dios bendiga a The Rolling Stones”. Y que Dios bendiga a Hubert Sumlin, el guitarrista del blues.

Howard Tate, la gran estrella oculta del soul

2011-12-30T16:24:00.002+01:00

Son muchas las ocasiones en que calidad y éxito no van directamente relacionadas. Este es el caso de Howard Tate, soulman de voz brillante y elegante convertido en artista de culto, que ha fallecido el pasado 2 de diciembre a causa de una leucemia complicada con un melanoma múltiple cuando contaba con 72 años de edad.

Al igual que el gran Otis Redding nació en la localidad georgiana de Macon. No se sabe mucho de sus primeros años, pero sí que en la década de los 40 emigró a Philadelphia, donde comienza a cantar gospel. Se interesa por el rythm&blues y el doo-wop durante años, hasta que a mediados de los 60 le descubre el gran productor Jerry Ragovoy, fallecido también este año. De la mano de Jerry Ragovoy ficha por el sello Verve, donde graba varios discos que no obtienen mucho éxito comercial, aunque sí son muy apreciados entre el selecto público especializado en música soul. Así, Howard Tate se convierte en artista de culto. Entre estos trabajos destaca sobre los demás el excelente "Get I while you can". La canción que da título álbum fue versionada por Janis Joplin, B.B. King o Jimi Hendrix. Para esta ocasión prefiero ofrecérosla interpretada por el propio Howard Tate.

El cantante de rythm&blues Lloyd Price lo ficha para su sello, publicando el trabajo "Howard Tate's reaction", que no tiene mucha trascendencia, marcando el comienzo de su declive tanto profesional como personal. Su estrella va decayendo al entrar en los 70, abandonando el mundo de la música a finales de la década consumido por sus adicciones al alcohol y las drogas. Su vida se encuentra en una espiral de la que no logra salir, tocando fondo al convertirse en un homeless, un sin techo que sobrevive en la calle gracias a las limosnas de los viandantes. En los 90 consigue superar sus adicciones gracias a que se convierte en predicador y se dedica a asistir a drogadictos y enfermos mentales.

En 2003 regresa al mundo de la música de la mano de Elvis Costello y con la producción de nuevo de Jerry Ragovoy con el disco titulado "Discovered". Os dejo con este cover del tema "All I Know Is The Way I Feel" de The Pointer Sisters, incluido en este trabajo.

En 2006 publica “A Portrait of Howard”, en el que incluye canciones compuestas por Randy Newman, Nick Lowe y Lou Reed. Su último trabajo fue “Blue Day”, editado en 2008. Pese a estos tres últimos grandes trabajos, ninguno de ellos le llevó al estrellato donde siempre debió estar por merecimientos propios. Ya quedará como siempre fue: como la gran estrella oculta del soul. Descansa en paz.

Feliz Navidad y próspero 2012

2011-12-28T16:05:00.000+01:00

Desde la consulta del Dr. Rhino os deseamos que esta Navidad no quede solamente en un bello pensamiento o en el propósito de buenas acciones, sino que sea una puerta siempre abierta para los demás, un propósito de paz y armonía para todos la gran familia del blues. Y salud, mucha salud, para conseguir los mejores éxitos personales y profesionales en este 2012 que se nos avecina oscuro y lleno de incertidumbre. Negro como como un blues.

Dobie Gray, el negro que mezcló el country y el soul

2011-12-26T17:31:00.003+01:00

El cantante de country&soul Dobie Gray ha fallecido el 6 de diciembre por causas no se han podido aclarar. a los 71 años de edad. Nació como Leonard Victor Ainsworth, su nombre real, cerca de Houston, Texas, en una familia de aparceros. Respira en casa los efluvios del gospel, a través de su abuelo ministro de la iglesia baptista. Comenzó a forjarse una carrera musical pero el gran empujón se lo dio el gran Sonny Bono, a quien debe su nombre artístico, tomado de la serie de televisión “The Many Loves of Dobie Gillis”. Su primer éxito fue "The ‘In’ Crowd", editado en 1965. Pero su gran éxito no llegaría hasta 1973 con la canción "Drift Away". Posteriormente ha sido versionada por Roy Orbison, Rod Stewart, Waylon Jennings, Ray Charles o Michael Bolton. Escuchadle en esta versión en directo de 1974 y disfutad de su gran voz.

Durante la década de los 70, aprovechando su éxito como cantante cambia de registro y prueba fortuna como actor, llegando a participar en el musical "Hair". Se instala en Nashville, firma por Capricorn Records y compone junto a Troy Seal éxitos como "If Love Must Go" o "You can do it", que serían interpretados por Ray Charles, Johnny Mathis o Don Williams. Continuó componiendo, produciendo e interpretando hasta que a partir de los 90 su carrera declina. Buen cantante y buen compositor, se convirtió en el referente de un estilo a caballo entre el country de Nashville y el soul que fluía por sus venas. Un negro cantando country. Descansa en paz.

Barry Feinstein, el fotógrafo del rock

2011-12-18T16:47:00.001+01:00

Para los que somos un tanto fetichistas con todo lo que rodea especialmente al mundo de la música y del cine, asociamos a un músico, a un actor, a un director de cine con la imagen que tenemos de ellos. Me gusta especialmente escuchar un disco mientras sostengo en mis manos el vinilo o el cd correspondiente y observo detenidamente la portada, o me deleito con el contenido del libreto que suele acompañarlo. Cómo no asociar el legendario "The times they are a-changing" a la foto en blanco y negro de Bob Dylan en la portada, reflejando en la cara enfadada de Dylan el contenido reinvindicativo de las letras del disco. "The times they are a-changin'" se convirtió en símbolo de la canción protesta y de la lucha por los derechos civiles en los Estados Unidos durante la década de los 60. El autor de esa fotografía que expresaba a través del rostro de Dylan el hastío, el enfado y el desafío hacia los poderosos es Barry Feinstein, que ha fallecido recientemente en Woodstock a los 80 años de edad.

Barry Feinstein comenzó aficionándose a la fotografía desde muy joven, hasta que en 1955 comienza a trabajar para la revista Life, llegándo a convertirse en uno de los fotografos más codiciados de Hollywood. Inmortalizó a grandes estrellas como Judy Garland, Marlene Dietrich, Charlton Heston o Steve McQueen. También son famosos retratos de presidentes norteamericanos como John F. Kennedy o Richard Nixon para la revista Esquire.

En 1966 decide acompañar a Bob Dylan durante la gira que emprendió por Inglaterra, convirtiéndose en su fotógrafo exclusivo, dejando constancia fotográfica de cada paso que daba el cantante. Décadas más tarde uno de sus más fervientes admiradores, Martin Scorsese, utilizó buena parte del material dylaniano de Barry Feinstein para documentar la película "No direction home", sobre los comienzos de la carrera musical de Bob Dylan.

También es legendaria la foto realizada al beatle George Harrison rodeado de gnomos, que sirvió de portada para su primer disco en solitario "All things must pass", editado tras la separación de The Beatles. Martin Scorsese ha utilizado las fotografías de Feinstein para el documental que acaba de publicar sobre George Harrison titulado "Living in the material world".

Otra portada legendaria que no podemos dejar que pase desapercibida es la del disco "Pearl" de Janis Joplin, a la que fotografió un día antes de su muerte. En 1974 volvió a la carretera para documentar en imágenes la gira norteamericana de Bob Dylan acompañado de The Band.

En resumen, sin Barry Feinstein la imagen y la estética del rock que tenemos en nuestras retinas posiblemente hubiese sido otra. Sus fotografías presiden más de 500 álbumes de la música rock. "Era un gruñón, pero un gruñón adorable", ha dicho su mujer Judith Jamison. "Hacer fotografía editorial tiene un gran componente de suerte", declaró hace tiempo el propio Barry Feinstein en una entrevista con motivo de una retrospectiva en la Morrison Hotel Gallery de New York. "Estar en el lugar preciso en el momento correcto, obtener la foto adecuada, y luego irte", explicó. "No tienes que engañar a nadie ni nada por el estilo".

David Hess, un actor y compositor de pesadilla

2011-12-11T20:20:00.001+01:00

"Con gran tristeza hemos dado nuestro último adiós a nuestro querido padre y amigo de todos. David falleció pacíficamente ayer por la noche". Este ha sido el mensaje que los hijos de David Hess lanzaron a través de Facebook y Twitter el pasado 9 de octubre. En todos los medios ha sido recogida la noticia del fallecimiento de unos de los malos más recordados del cine de terror moderno: Krug Stillo, líder del grupo de delincuentes de la legendaria película de terror "La última casa a la izquierda", remake de "El manantial de la doncella", de Ingmar Bergman, en la que un grupo de jóvenes son violadas y asesinadas por un grupo de delincuentes, cuyo cabecilla era encarnado por David Hess. También debutó dirigiendo esta película Wes Craven, que más tarde se convertiría en el capo del cine de terror al dirigir las sagas "Pesadilla en Elm Street" y "Scream". El actor norteamericano David Hess, ha fallecido a la edad de 69 años en Tiburón (California).

Aunque su labor más reconocida es la de actor, David Hess comenzó su carrera profesional como compositor y cantante. Con el nombre artístico David Hill grabó en 1956 el tema de Otis Blackwell "All shook up", versionado al año siguiente por Elvis Presley. Desde 1957 compuso canciones para el sello Shalimar Music. Desde entonces y durante la década de los 60 compuso canciones para Elvis Presley como "Frankie and Johnny," "Come Along" o "Make Me Know You're Mine", entre muchas otras. Sal Mineo, Ames Brothers y Andy Williams fueron algunos de los cantantes que en los años sesenta interpretaron sus canciones. Sin embargo su gran éxito se produce en 1962 cuando compone "Speedy Gonzales" y Pat Boone la lleva a lo más alto de las listas, pese a haberlo intentado el propio David Hess bajo el sobrenombre David Dante un año antes.

En la última década retomó su carrera como actor especializado en películas de terror, dejando a su muerte cuatro producciones inacabadas. Sin embargo, su actividad musical nunca la abandonó, firmando bandas sonoras para películas de terror como "Cabin Fever" o la noruega "Rodvyr (El placer de la caza)". Os dejo con este video que recoge los mejores momentos de su carrera. Descanse en paz.

John Lee Hooker, el rey del boogie (2ª parte)

2011-12-05T15:52:00.001+01:00

A finales de los 50, John Lee Hooker encuentra un nicho de seguidores entusiastas entre el público blanco, que comienza a apreciar el blues más tradicional, al estilo rural del delta del Mississipi. Forja un estilo muy peculiar, inimitable, único, de un folk en el que cuenta historias prescindiendo de rimas, con su guitarra acústica y siguiendo el ritmo con el pie, que marcó a toda una generación de músicos como Bob Dylan, que fue su telonero en Nueva York en 1960. A principios de los 60 cruza el Atlántico hacia las islas británicas siguiendo la estela de otros bluesmen como Muddy Waters o Howlin' Wolf, marcando a toda una generación de músicos británicos como Keith Richards, Charlie Watts, Eric Clapton, The Yardbirds o The Animals, entre otros muchos. Graba discos como "Black snake" (1959), "Wednesday evening blues" (1960) o "Birmingham blues" (1963), que le reporta gran prestigio a ambos lados del Atlántico. Los jóvenes bluesmen británicos le aceptaron como padre espiritual y le admiraron hasta el final. No os perdáis esta actuación de John Lee Hooker junto a The Rolling Stones y Eric Clapton en 1989.

No solo ejerce una gran influencia entre los folkies norteamericanos y las bandas rythm&blues británicas, sino que también sienta cátedra entre jóvenes bandas sureñas como ZZ Top o Canned Heat, con quien edita en 1970 el trabajo "Hooker'n'Heat", un disco con el embrujo de la voz y la guitarra de John Lee Hooker, acompañado por el entusiasmo y buen hacer de los jóvenes Canned Heat, en el momento cumbre de su carrera. Un álbum que emana efluvios de blues a borbotones.

Durante los 70 gira y gira sin parar, sin dejar de grabar y colaborar con otros músicos como su gran amigo Carlos Santana o Van Morrison. En 1980 protagoniza una escena de la película "The Blues Brothers", interpretando "Boom boom" en pleno Maxwell Street Market de Chicago en riguroso directo, al contrario de utilizar el playback, como era habitual en la época.

Ya en 1989 se produce el punto de inflexión en su carrera, un tanto tardío, con la publicación de su disco "The healer", rodeado de lo mejor y más granado del universo del blues. Grandes estrellas del blues de los 80 como Bonnie Raitt, Robert Cray, George Thorogood, el gran armonicista Charlie Musselwhite o el consagrado Carlos Santana le arropan en este disco. Con este trabajo consiguió un premio Grammy y el reconocimiento del gran público, consagrándole por fin, después de décadas de incansable trabajo, como una de las grandes estrellas del blues de todos los tiempos. Tenía 72 años y por fin el éxito le sonreía. Este es el video oficial de "The healer", junto a su fiel amigo Carlos Santana.

Desde el gran espaldarazo de "The healer" publica cinco trabajos más hasta 1998. De ellos me quedo con el maravilloso "Chill out", una cálida colección de canciones con un inconfundible estilo sureño. De todas ellas me quedo con la que da título a disco, "Chill out", acompañado a la guitarra nuevamente por Carlos Santana.

Falleció el 21 de junio de 2001 mientras dormía en su casa de San Francisco, un par de días después de dar su último concierto. Fue uno de los grandes bluesmen de la historia, con un estilo personal e irrepetible a caballo entre el folk y el blues. Sus canciones han sido versionadas por reconocidos artistas como Led Zeppelin, Tom Jones en su fantástico último disco, Jimi Hendrix, AC DC, The Doors, The White Stripes, Eric Clapton y una lista interminable. Su música fue utilizada por Steven Spielberg al narrar la dura vida del sur el "El color púrpura" o en el thriller "The Hot Spot", en el que completa una banda sonora excepcional en un mano a mano con Miles Davis. Como dijo el propio Hooker "nadie podrá ocupar mi lugar. Mi legado quedará en los discos". Te seguiremos escuchando, bluesman.

John Lee Hooker, el rey del boogie (1ª parte)

2011-11-26T16:58:00.001+01:00

Este año se cumple el décimo aniversario del fallecimiento de John Lee Hooker, una de las más influyentes y significativas leyendas del blues de todos los tiempos. Nació en una granja de Clarksdale, en pleno Mississipi, un 22 de agosto de 1917, aunque cambió su fecha de nacimiento en varias ocasiones hasta que a su muerte se confirmó la auténtica. Su padre, además de agricultor, era pastor de una iglesia baptista. Al poco tiempo se trasladan a una plantación de bananas y allí conoce a otros niños de su edad que con el tiempo se convertirían en los bluesmen Snooky Pryor y Jimmy Rogers, entonces conocido como Jimmy Lane. Sus padres se separan en 1928 y John Lee Hooker queda al cuidado de su madre. Este acontecimiento marcará su vida, ya que su madre vuelve a casarse con un bluesman de la zona, William Moore, y le enseña a tocar la guitarra. Su casa es un punto de reunión de los amigos de su padre, y contaba que llegó a conocer a personajes como Charlie Patton o Blind Lemon Jefferson que estaban de visita en su propia casa.

En 1931 decide, como muchos otros negros del sur, emigrar hacia el norte industrial en busca del trabajo y la prosperidad que el sur no les ofrecía. Entretanto hace escala en Memphis, en casa de una tía. Prueba en diversos empleos y toca con Robert Lockwood, cuya madre fue pareja de Robert Johnson, quien le enseñó a tocar la guitarra. En 1935 marcha a Cincinnati, donde desempeña diferentes trabajos de escasa entidad mientras colabora con grupos gospel. Cumplido el servicio militar se instala en Detroit en 1943, al abrigo de la pujante industria del automóvil. Encuentra trabajo como conserje en la fábrica de Chrysler, mientras actúa por la noches en los clubes de la ciudad. Se casa dos veces, teniendo seis hijos con su segunda mujer.

John Lee Hooker presenta una de sus canciones a Bernard Bessman, productor local y propietario de una tienda de discos. Le gusta y le lleva a los United Sound Studios para grabarla bajo la dirección de Maurice King, que años más tarde sería director musical de la Motown. La canción en cuestión es "Boogie chillen", interpretada únicamente con una guitarra eléctrica trepidante, sin melodía, solo un riff repetido sin descanso, acompañado del taconeo del pie siguiendo ese ritmo contagioso. Por encima, su voz grave sin cantar, narrando una historia sin parar, sin rima definida, como los pioneros del blues rural. Pero aquella forma de tocar blues no se parecía a nada de lo que se escuchaba a finales de los 40. Había nacido un nuevo estilo: el boogie. El propio John Lee Hooker dijo: "Lo tomé de mi padrastro, Ese ritmo era suyo. Simplemente está ahí. Y simplemente sale hacia afuera". "Boogie chillen" vendió más de un millón de copias y saltó al número 1 de las listas. Se dice que un disc jockey de una radio station de Nashville emitió la canción doce veces seguidas. El disc jockey se llamaba Riley B. King, que más tarde llegaría a ser conocido en los ambientes como B.B. King. Aprovechando el tirón, durante el año siguiente edita "Hobo blues" y "Crawling King Snake", y ya en 1951 "I’m in the mood" se aúpa al número uno de las listas. En este video le podéis ver interpretando "Hobo blues".

En 1955 acaba su contrato con Modern Records y fichó por el sello de Chicago Vee Jay, convirtiendo en éxito los temas "Dimples" y "Boom boom", en los que ya no aparece solo, sino acompañado de una banda, al uso de la época.

George "Mojo" Buford, el armonicista de Muddy Waters

2011-11-13T18:31:00.001+01:00

La banda de Muddy Waters continúa de luto. Después de la muerte del batería Willie "Big Eyes" Smith nos llega a la consulta la noticia del fallecimiento de George "Mojo" Buford a los 82 años de edad. Nació en Hermano, cerca de Memphis (Mississipi), un 10 de noviembre de 1929. Como no podía ser de otra forma al nacer en la mismísima cuna del blues comienza a interesarse por este estilo musical. En 1952 marcha a Chicago como tantos otros en busca de fortuna y comienza a introducirse en los ambientes del blues. Forma un grupo que se hace llamar The Savage Boys y comienzan a tocar en night clubs, llegando a sustituir asiduamente a la banda de Muddy Waters cuando éstos se encontraban de gira. Incluso se les llegó a conocer como The Muddy Waters Jr. Band. En 1959 entra en la banda de Muddy Waters sustituyendo a Little Walter, ocupando su lugar durante tan solo tres años. No obstante le da tiempo a grabar uno de los grandes clásicos del blues: "Got my mojo working". El éxito de este tema le marcó tanto que se le conoció desde entonces por su sobrenombre "Mojo" Bufford.

Se traslada a Minneapolis, pero el buen sabor de boca dejado en el público por su aportación a la banda de Muddy Waters hace que que en 1967 vuelva durante un año para sustituir a James Cotton. Permanece hasta principios de los 70, regresando en sustitución de Jerry Portnoy, inmerso en el proyecto de formar The Legendary Blues Band. También grabó algún esporádico álbum en solitario, en el que se mostró como el eficaz armonicista que era en la banda de Muddy Waters, despojado de todo alarde innecesario y provisto de una voz profundamente bluesera. Era uno de esos bluesman de segunda fila que tanto nos gustan en esta consulta.

Tras una larga estancia en el hospital George "Mojo" Bufford ha fallecido a los 81 años de edad en Minneapolis. Descansa en paz, bluesman.

Willie "Big Eyes" Smith, toda una vida de blues

2011-11-05T20:37:00.000+01:00

Willie "Big Eyes" Smith, cantante, armonicista y baterista y sobre todo bluesman en toda la extensión del significado de dicha palabra, ha fallecido el pasado 16 de septiembre, dejando como otros muchos un hueco muy difícil de cubrir para todos los amantes del blues. Su web oficial publicaba un escueto comunicado que decía: "Estamos muy apenados de informar de que Willie "Big Eyes" Smith murió la mañana del 16 de septiembre de 2011 en Chicago debido a un derrame cerebral". Tenía 75 años y continuaba en activo: el blues era su vida.

Willie "Big Eyes" Smith nace en Helena (Arkansas) un 19 de enero de 1936. Comenzó a hacer sus primeros pinitos con la armónica apenas con 17 años. En seguida se traslada, como tantos otros, a Chicago en busca de trabajo. Allí se aficiona a escuchar las emisoras especializadas de blues y a frecuentar las actuaciones del Teatro Helena Miller. Allí vio en directo a su ídolo Sonny Boy Williamson II. En 1953 su madre le lleva a ver a Muddy Waters en el Zanzibar Club y le impacta fuertemente la forma de tocar de su armonicista Henry Strong, lo que le hacer centrarse en seguir aprendiendo y evolucionando con la armónica, adoptando el sonido urbano, un punto más acelerado, que la ciudad de Chicago imprimió al sonido tradicional del blues. Ya en 1956, con 18 años decide profesionalizarse en la música formando un trío formado por Bobby Lee Burns a la guitarra, Clifton James a la batería y él mismo como armonicista. También actúa en solitario como "Little Willie" Smith y como acompañante del guitarrista Arthur "Big Boy" Spires, llegando a grabar alguna sesión para el sello Delmark. Realiza trabajos como músico de sesión para Bo Diddley, con el que graba el tema de Willie Dixon "Diddy Wah Diddy".

Willie "Big Eyes" era un buen armonicista, y disfrutaba tocando, pero pronto se da cuenta que los baterías tienen más demanda y están mejor pagados, así que se interesa por las baquetas, los bombos, los platillos y las cajas y no se le da nada mal. Tanto es así que ingresa en la banda de Muddy Waters, y en 1959 graba el álbum "Muddy Waters sings Big Bill Broonzy", en homenaje al pionero bluesman de Mississipi. La banda estaba formada por tipos como George "Mojo" Buford, Luther Tucker, Pat Hare y Otis Spann. Poco después abandona la banda para alejarse de la desenfrenada vida de músico y trabaja como taxista, entre otros empleos. Pero el veneno del blues fluía por su venas y vuelve a los escenarios de la mano de Muddy Waters, a cuya banda regresa en 1968. No la abandonará hasta 1980, siendo testigo activo de las mejores grabaciones de Muddy Waters, en álbumes como "Hard again", "I'm ready" o "They call me Muddy Waters" entre otros. Esta es una actuación de Muddy Waters de 1979, con una banda de mucho quilates: Luther "Guitar Jr." Johnson y Bob Margolin a las guitarras, Jerry Portnoy a la armónica, Calvin Jones en el bajo y nuestro protagonista Willie "Big Eyes" Smith a la batería, interpretando el tema "Everything's Gonna Be Alright".

En 1980, con Muddy Waters prácticamente retirado, se embarca junto a viejos compañeros de la banda de Waters en un nuevo proyecto: The Legendary Blues Band. Le acompañaban Pinetop Perkins al piano y Leroy Portnoy a la armónica, componiendo la sección rítmica junto a Calvin Jones al bajo. Como curiosidad, la banda aparece en la película "Granujas a todo ritmo" de 1980 acompañando a John Lee Hooker en la interpretación del tema "Boom boom". Al final, se quedan todos ellos discutiendo sobre la autoría de la canción. Como quien no quiere la cosa, The Legendary Blues Band llega a grabar siete discos, con algunos cambios en la formación. Sin embargo, aunque la banda nunca tuvo un cantante solista quien aportó una voz más personal fue Willie "Big Eyes" Smith, que fue afianzándose poco a poco como blues singer. The Legendary Blues Band acompañó en alguna gira a estrellas de la talla de Bob Dylan, The Rolling Stones y Eric Clapton.

En 1995 decide grabar su primer álbum en solitario: "Bag Full of Blues". Genuino sonido de Chicago, acompañado entre otros del que ya es su inseparable amigo Pinetop Perkins. En 1999 colabora con Big Bill Morganfield, el hijo de Muddy Waters, en su álbum "Rising son". En 2006 graba "Born in Arkansas", con su propio hijo Kenny "Beedy Eyes" Smith a la batería y por supuesto con Pinetop Perkins al piano. En junio de 2010 firma mano a mano con Pinetop Perkins un excelente trabajo, un genial disco de blues, llamado "Joined at the Hip". Entre ambos sumaban casi doscientos años. Fue premiado en 2011 con el Grammy al mejor álbum de blues tradicional. Aquí les tenéis a ambos en una grabación en primera fila durante una actuación de 2008.

La desaparición de Willie "Big Eyes" Smith suma un nueva baja en el mundo del blues. Cantante, batería y armonicista, fue ante todo un bluesman. Descansa en paz.

Nick Ashford, el compositor del soul

2011-10-28T20:29:00.000+02:00

Un cáncer de garganta se ha llevado a los 70 años al legendario compositor Nick Ashford, quien junto a su esposa Valerie Simpson escribió míticos temas del soul. Nacido en Fairfield (South Carolina), decidió marchar a Nueva York cuando supo que su futuro estaba en la música. Conoció en 1963 a Valerie Simpson, su mujer y socia, en la iglesia baptista White Rock donde ella cantaba y tocaba el piano. Comenzaron cantando gospel con el coro The Followers, con quienes grabaron el disco "Gospel Meeting", que ya incluía alguna composición de Nick Ashford. Ya en 1964 ambos grabaron algún tema como el dúo Valerie & Nick, pero no tuvieron ninguna repercusión. Sin embargo, continuaron escribiendo canciones que otros interpretaban. Este es el caso de "California soul" para 5th Dimension, "Let's Go Get Stoned" para Ray Charles o este "Cry like a baby" para Aretha Franklin, que abrió los ojos de Berry Gordy, capo de la Motown, y decidió ficharles para el legendario sello Motown.

Ya en plantilla de Motown en 1966 el matrimonio Ashford-Simpson se encargan de escribir y producir canciones para el dúo formado por Marvin Gaye y Tammi Terrell, como "Your Precious Love", "Ain't Nothing Like the Real Thing" o "You're All I Need to Get By". Sin embargo, el gran espaldarazo a su carrera vino con "Ain't No Mountain High Enough" en 1967, que llegó al top 20 en las listas americanas y al número 3 en la lista de rythm&blues.

La pareja Ashford-Simpson continúan trabajando en conjunto con éxito para figuras como Diana Ross, para quien componen y producen tres discos a principios de los 70. También destacan producciones para Smokey Robinson & The Miracles, The Marvelettes, Chaka Khan o Gladys Knight & The Pips, de quien destacan canciones como "Didn't You Know You'd Have to Cry Sometime", "Bourgie, Bourgie", "Taste of Bitter Love" o este "The Landlord" cuyo video podemos disfrutar.

A mediados de la década delos 90 se retiran y abren un restaurante en Nueva York. Nick Ashford compagina esta actividad con la de descubrir disc jockeys para una emisora de radio. Nick Ashford llevaba tiempo trabajando en el libreto de un musical basado en la novela de Lynn Harris "Invisible Life". En 2006 aportó al magnífico álbum de Amy Winehouse "Back to Black" el tema "Tears Dry On Their Own", canción construida sobre un sample del "Ain't No Mountain High Enough", que acabamos de escuchar. Nick Ashford ha fallecido en Nueva York el pasado 22 de agosto después de luchar intensamente contra un cáncer de garganta. Descansa en paz. Las lágrimas se secan por sí solas.

Adiós a The Four Freshmen

2011-10-10T20:09:00.005+02:00

El legendario grupo The Four Freshmen ha echado definitivamente el cierre. Tres meses después del fallecimiento a los 82 años de edad de Bob Flanigan, líder de este grupo vocal, Ross Barbour, el último de los miembros originales, ha muerto en su casa de California tras perder la lucha que que ha mantenido contra un cáncer de pulmón.

Los hermanos Ross y Don Barbour, Hal Kratzsch y Marvin Pruitt se unieron en el Conservatorio Arthur Jordan de la Butler University de Indianapolis en 1948 bajo el nombre Hal's Harmonizers para hacer música de barbería o barbershop music. Este estilo surge a finales del siglo XIX en los Estados Unidos para amenizar las salas de espera de las barberías, auténticos foros sociales de la época. Por lo general presentaban formación de cuarteto con dos tenores, un barítono y un bajo. El estilo barbershop vuelve a tener auge en la década de los 50 con el resurgir del gusto por los grupos vocales en esos años. Pronto Marvin Pruitt abandona la formación y es sustituido por Bob Flanigan, primo de los Barbour. Hal Kratzsch sería reemplazado en 1953 por Ken Errair. El grupo adopta un estilo más jazzístico y cambia su nombre por The Toppers. En septiembre de 1948 toman definitivamente el nombre The Four Freshmen. Presentan un estilo muy influenciado por The Modernaires, la sección vocal de Glenn Miller, o Mel Torme. El director de big band y compositor Stan Kenton les escucha y les ofrece la posibilidad de hacer una audición para Capitol, sello para el que grabaron algunos de sus mayores éxitos, como "It's a Blue World", "Mood Indigo", "Day by Day", "Graduation day", que posteriormente versionaron The Beach Boys, o este "Nights are long", en un poco conocido videoclip que recoge una actuación en un programa de televisión en 1965.

The Four Freshmen alcanzaron su plenitud entre 1956 y 1964 de la mano del productor Peter Rugolo, con el que editaron una serie de trabajos en los que enfrentaban sus voces a diferentes grupos instrumentales: "Four Freshmen and 5 Trombones", "Four Freshmen and 5 Trumpets", "Four Freshmen and 5 saxes", "Four Freshmen and 5 guitars" y "Four Freshmen and 5 trombones". El grupo fue perdiendo protagonismo a medida que las bandas de rythm&blues británicas fueron adquiriendo éxito. Sus miembros se fueron retirando poco a poco, quedándose Bob Flanigan al frente de la renovada formación hasta 1997, momento en que se retira. Falleció el pasado 15 de mayo. Ross Barbour este 20 de agosto. Adiós a The Four Freshmen.

David Honeyboy Edwards, la última leyenda del blues

2011-10-02T00:11:00.001+02:00

David "Honeyboy" Edwards, la última leyenda viva del blues, ha fallecido el pasado 29 de agosto a causa de una insuficiencia cardiaca que le tenía retirado de los escenarios desde el pasado mes de abril, en que dio su último concierto. Es el último miembro de la generación de principios del siglo pasado que convirtieron el blues en una forma de vida diseminándolo por toda América y convirtiéndolo en la semilla de la que han brotado todos los estilos musicales modernos. Fue coetáneo de Charley Patton, Son House o Skip James. Nieto de esclavos, David "Honeyboy" Edwards nació hace 96 años en la pequeña localidad sureña de Shaw (Mississipi), un 28 de junio de 1915. Su sobrenombre "Honeyboy" (chico de miel) se lo puso su hermana por la forma en que se tambaleaba cuando estaba aprendiendo a andar. Aprendió a tocar la guitarra siendo niño de todos los músicos que veía a su alrededor en las plantaciones de la zona. Abandonó su casa con 14 años para acompañar al bluesman Big Joe Williams. Así pasó las décadas de los 30 y 40 del pasado siglo, de pueblo en pueblo, de club en club, compartiendo escenario con otros bluesmen del Delta del Mississipi como Charley Patton, Tommy Johnson o Johnny Shines. Fue amigo íntimo de Robert Johnson, de quien celebramos este año el centenario de su nacimiento. Fue una de las personas que estaban con él cuando el celoso dueño de un club ofreció a Johnson un vaso de whisky envenenado que le llevó a la muerte en 1938.

David "Honeyboy" Edwards escribió el libro "The World Don't Own Me Nothing", en que nos narra sus correrías desde su infancia hasta que decide emigrar a Chicago a principios de la década de los 50 en busca de fortuna. Describe la vida de un bluesman de la siguiente forma: "Un sábado, alguien como yo o Robert Johnson podría ir a uno de estos pequeños pueblos, y tocar a cambio de cinco y diez centavos. A veces podría estar tocando y tener delante a una multitud tan grande que bloqueaba toda la calle. A continuación, la policía venía y me tenía que ir a otra ciudad y en la que podía tocar. A veces el dueño de un bar nos daba un par de dólares por tocar en una tarde de sábado. Hacíamos autostop, de camión en camión, o si no se nos daba bien volvíamos a la estación de tren y nos subíamos a un mercancías camino de St. Louis o Chicago. Yo no tenía un lugar especial donde vivir. Cualquier lugar es mi casa. Si me va bien, me quedo. Cuando la cosa se ponía fea... salía por patas."

Sus primeras grabaciones no llegaron hasta que tras la Segunda Guerra Mundial el estudioso Alan Lomax le incluyó en unas grabaciones para la Biblioteca del Congreso. Tocó para él más de una docena de títulos en la Coahoma County Agricultural School de Clarksdale y dos días después tocó otros cuatro en el Delta Tourist Camp, situado cerca de Clarksdale. Estas grabaciones pusieron de manifiesto que Edwards era un músico del Delta típico de su época, capaz de hacer complicadas combinaciones entre voz y guitarra, y que ofrecía una línea vocal tensa y apasionada con canciones como "Worried life blues", a la vez que se acercaba a la cara más alegre de la vida en "I love my jelly roll" o en "Tear it down". Su estilo seguía la tradición del blues rural del Delta de Mississipi. De su estilo destaca su digitación en la guitarra y la utilización del bottleneck o “cuello de botella”, ese tubo de cristal o más modernamente de metal que introducido en el dedo meñique se utiliza para alargar la nota deslizándolo de traste en traste por el mástil de la guitarra. Le podemos ver en uno de mis dvds favoritos, "Lightnin' in a bottle" en el que Martin Scorsese recoge un concierto con las mejores estrellas del blues en 2004. David "Honeyboy" Edwards interpreta "Gamblin' man" manejando el bottleneck con gran maestría.

Edwards no volvió a grabar hasta 1951, fecha en que hizo su primera sesión comercial para el sello ARC bajo el nombre de Mr. Honey. El trabajo se tituló "Who May Your Regular Be". Hacia 1953 utilizaba el nombre artístico Honeyboy Edwards, grabando discos en Chicago para Chess, como "Build A Cave", aunque la mayor parte de estas sesiones nunca se publicaron. Durante la década de los 50 David "Honeyboy" Edwards trabajó en lo que fuera por las calles de Chicago para subsistir y por las noches tocaba asiduamente por los garitos de la ciudad, acompañado de bluesmen como Floyd Jones, Johnny Temple y Kansas City Red. En los años 60 fue redescubierto, grabando para algunas compañías como Artist Records y Chess, acompañado por el guitarrista Michael Stewart. Entre sus temas más conocidos destacan "Just Like Jesse James" o "Long Tall Worried Blues".

En 1972 conoce al cantante Michael Frank, con el que llega a tener una gran amistad. Actúan a dúo en numerosas ocasiones y en 1976 forman The Honeyboy Edwards Blues Band, girando con gran éxito por el norte de los Estados Unidos. En 1979 David "Honeyboy" Edwards graba el disco "Old Friends", acompañado de sus buenos amigos Sunnyland Slim, Kansas City Red, Floyd Jones y Big Walter Horton.

Durante las siguientes dos décadas, los 70 y 80, se convirtió en una figura habitual de las giras europeas, grabando notables discos fieles a su estilo del Delta, sustituyendo en ocasiones la guitarra eléctrica por su vieja guitarra acústica. En 2008 ganó un Grammy al mejor álbum tradicional de blues con el disco "Last of the Great Mississippi Delta Bluesmen: Live In Dallas", y en 2010 fue premiado con un Grammy a su trayectoria. Hasta abril de este año se mantuvo en activo con extensas giras, haciendo unos 70 conciertos al año. De hecho, tenía firmados varios conciertos en Estados Unidos y Europa para este verano. Este video recoge su actuación en el Crossroads Festival el día en que cumplía 95 años. Merece la pena ver y escuchar cómo el público le canta el "Happy bithday" mientras le regalan una tarta.

Bruce Iglauer, fundador y presidente Alligator Records ha dicho: "Con Edwards se ha cortado el enlace que había con el verdadero mundo del Delta blues. Honeyboy era de los artistas que entendía que no se puede separar la música que se crea de la cultura con la que se ha crecido". Descansa en paz, David "Honeyboy" Edwards.

NOTA: Este post ha sido fruto de la colaboración entre el programa de radio Blues Syndicate, del que Carlos Díez es su director y presentador, y La Consulta del Dr. Rhino. Este post ha servido de guión para el programa especial sobre David "Honeyboy" Edwards que podeís escuchar y descargar junto a la música de nuestro protagonista en la web del programa www.bluessyndicate.blogspot.com. Blues Syndicate es el programa de blues más seguido en España y Latinoamérica, y conocido y respetado en Estados Unidos, donde goza de gran prestigio entre la gente del blues. ¡No le perdáis la pista!

Joe Lee Wilson, el barítono cantor de jazz

2011-09-18T17:24:00.000+02:00

El cantante de jazz Joe Lee Wilson ha fallecido a los 75 años en Brighton el pasado 17 de julio, por causas que no se han llegado a esclarecer. Tenía una extraordinaria voz de barítono, con un estilo muy influenciado por el blues y el gospel que escuchaba en su infancia en su Oklahoma natal.Con 15 años abandonó la plantación donde trabajaban sus padres y se marchó a educar su voz a Los Ángeles. En 1951 tuvo ocasión de ver en directo una actuación de Billy Holiday, y se quedó tan impactado que supo que el jazz sería su forma de ganarse la vida. Comenzó a moverse por la Costa Oeste y se enroló en el grupo de Sarah Vaughan. La década de los 60 fue muy intensa y colaboró con grandes estrellas como Sonny Rollins, Lee Morgan o Miles Davis, entre muchos otros. Durante los 70 montó su propio grupo, Joe Lee Wilson Plus 5, que fue la banda de acompañamiento del saxofonista Monty Waters y del guitarrista japonés Ryo Kawasaki, además de otras colaboraciones. Participó en diferentes programas de radio y giró por Francia, Japón y Reino Unido, donde era muy apreciado. Este es un extracto de un documental sobre su figura, dirigido por Yves Breux y Brad Scott.

Mezcla de afroamericano e indio, fue un fantástico cantante de jazz como ha habido pocos, humilde y poco amigo del star system. Su última actuación fue en 2010 al ser incluido en el Oklahoma Jazz Hall of Fame, donde interpretó entre otras este "Nothing but a man". Descansa en paz.

Frank Foster, el virtuoso saxofonista de Count Basie

2011-09-10T16:20:00.003+02:00

El saxofonista estadounidense de jazz Frank Foster ha fallecido en su casa en Chesapeake (Virginia) a los 82 años por una insuficiencia renal. Nació en Cincinatti (Ohio) y estudió en la Wilberforce University, donde comienza a tocar el saxo. En 1949 se traslada a Detroit donde comienza a introducirse en los círculos locales de jazz, tocando con músicos como Wardell Gray. En 1951 le convoca la armada estadounidense para ir a la guerra de Corea, donde sirve en la 7ª División de Infantería. En 1953 regresa y esta vez se alista en la big band de Count Basie. Aporta arreglos y composiciones propias que llegarían a ser auténticos clásico del repertorio del pianista Count Basie como “Down for the Count”, “Blues Backstage”, “Back to the Apple”, “Discommotion”, “Shiny Stockings” o este "Young and beautiful", del que os traigo esta actuación de Count Basie en 1960 en Milán, con Frank Foster en el saxo tenor .

En la década de los 70 acompaña a Elvin Jones e ingresa en la big band del trompetista Thad Jones y el baterista Mel Lewis. En 1971 ingresa como profesor residente en el New England Conservatory of Music de Boston y en el New York City Public School System en Harlem. De 1972 a 1976 ingresa como profesor en el Black Studies Program de la Universidad de Nueva York y Buffalo (SUNY). A principios de los 80 forma y lidera diferentes grupos hasta que en 1986 releva a Thad Jones como director de la Count Basie Orchestra, que seguía en activo sin el propio Basie, que falleció en 1984. Recibe dos premios Grammy, uno como arreglista de la composición "Deedles’ Blues" de Diane Schurr y "Basie’s Bag", compuesta por George Benson. En 1995 abandona la Count Basie Orchestra y lidera tres formaciones de jazz: The Non-Electric Company, Swing Plus y The Loud Minority Big Band.

En 2001 sufre un derrame cerebral que le paraliza su lado izquierdo impidiéndole volver a tocar. Eso no le impidió seguir componiendo y arreglando desde su casa, donde falleció el pasado 24 de julio al lado de la que fue su manager durante 45 años y esposa Cecilia. Descansa en paz.

Munijazz, buen jazz en La Rioja

2011-09-02T22:08:00.000+02:00

Me he tomado unos días de descanso en este mes de agosto para visitar la zona del valle del Cidacos, y entre los dinosaurios, el senderismo y la rica gastronomía de la comarca he tenido ocasión de disfrutar del Munijazz -Festival de Jazz de Munilla-, que cada vez va tomando más cuerpo en su ya octava edición. Los conciertos se celebraron al aire libre en escenarios situados en las plazas de San Miguel para los conciertos nocturnos y en la de Santa María en horario de tarde. El festival se abrió con la banda For Free Hands Quartet, procedente de Berlin, aunque compuesta por miembros de dieferentes nacionalidades. Una sólida sección rítmica a cargo del norteamericano Jonathan Robinson al contrabajo y el griego Dimitris Christides a la batería preparaban el lucimiento del alemán Andreas Brunn a la guitarra y Vladimir Karparov al saxo, con sus trepidantes melodías de inconfundible sabor balcánico.

El festival continuó la tarde del sábado con la actuación de Cochán Martínez Quartet, la banda del batería navarro Cochán Martínez, conocidos en la zona como la Orquestina de Cochán. A ellos se les sumó Víctor Bruna, flautista y clarinetista últimamente ligado a los grandes musicales representados en la Gran Vía de Madrid. El concierto comenzó a las 18:30 h., lo que permitió la asistencia de un público muy heterogéneo, con mucha presencia infantil, que disfrutó de lo lindo con bandas sonoras a ritmo de jazz y grandes clásicos del género, todo ello salpimentado con diversas improvisaciones sobre la marcha. De vuelta a la plaza de San Miguel, el joven pianista granadino Sergio Pamies llenó la noche de aires flamencos acompañado de Víctor de Diego al saxo, el sueco Marko Lohikari al contrabajo, Gonzalo del Val a la batería y Benjamín Santiago al cajón. En un momento dado Benjamín Santiago se calzó las botas de taconeo y se marcó un excelente baile sobre las tablas del escenario. Echadle un vistazo a este reportaje que le dedicó Canal Sur hace un par de años y que no os dejarña indeferentes.

El quinteto Gabacho Connection, compuesto por cuatro alumnos franceses del Centro de Enseñanza Musical Musikene y el pianista español Willy Muñoz, puso fin al festival. Cada componente aporta sus propias influencias, pero con un denominador común: el jazz. Como muestra, esta interpretación de "Amazon blues".

Como complemento a las actuaciones musicales el Salón de Verano del Casino de Munilla acogerá a lo largo de todo el mes de agosto una muy interesante exposición de más de cincuenta portadas de vinilos de jazz del período comprendido entre las décadas de los 50 y los 80 pertenecientes a la colección del crítico musical y periodista radiofónico Carmelo Erecacho. Cabe resaltar que todas las actividades y conciertos son totalmente gratuitos. Son muchos los motivos para no perder de vista a este festival y estar atentos a próximas ediciones.

John Lennon, en el desierto de Almería

2011-08-28T19:28:00.005+02:00

He estado disfrutando de mis vacaciones veraniegas en la costa de Almería y he aprovechado para empaparme de la estancia de John Lennon por aquella zona entre los meses de septiembre y noviembre de 1966, cuando fue invitado por su amigo el director de cine Richard Lester a interpretar el papel protagonista en la película "Cómo gané la guerra" ("How I won the war"). Es una parodia de las películas de guerra, en la que un inepto mando y su tropa de soldados inadaptados reciben la orden de construir un campo de criquet en pleno desierto norteafricano tras la líneas enemigas.

En aquel momento The Beatles comenzaban a estar en lo más alto de su carrera y la vida de los cuatro de Liverpool era todo menos tranquila. Sus fans les agobiaban, no podían salir a la calle ya que causaban histerismo especialmente entre sus seguidoras. Además, acababa de finalizar la que fue la última gira que realizaron The Beatles, con momentos de mucha tensión como cuando Lennon declaró que eran más famosos que Jesucristo y recibieron las airadas críticas de los sectores norteamericanos más conservadores o el affaire en el aeropuerto de Manila en el que fueron maltratados por la policía de Imelda Marcos al acusarles de que la habían desairado. En la costa almeriense podía caminar tranquilamente por la orilla de la playa embebido en sus pensamientos o de la mano de su entonces esposa Cynthia, que llegó dos semanas después. Aquella estancia en Almería cambió por completo a Lennon. No solo en su aspecto, al cortarse el pelo o al adoptar las gafas redondas del protagonista de la película, que le acompañarían durante el resto de su vida y convertiría en símbolo de la paz, sino en la forma de plantearse la vida al verse afectado por profundas crisis de identidad ocasionadas por el consumo de elevadas dosis de LSD. No sólo podía andar a sus anchas por las tranquilas playas de Almería, sino que por primera vez estaba alejado del resto de The Beatles, trabajando él solo en una película en un lugar que le era extraño. Comenzó el rodaje con mucha ilusión pero pronto se dio cuenta de que la interpretación no era lo suyo, centrándose en una melodía y unos versos que le rondaban por la cabeza y que no terminaba de encajar. Así pasó las horas de descanso entre rodaje y rodaje esbozando la que sería una de las canciones más reconocidas de la historia del rock: "Strawberry fields forever". En este documental del genial Alfonso Arteseros, para mí una de las personas que más saben de música en este país. Cualquiera de sus documentales son de obligada visualización para entender no solo la música actual en España sino la propia historia inmediata de nuestro país. Esta es la primera parte de "Almería enla memoria", en la que repasa la estancia de John Lennon en Almería.

"Strawberry fields forever" mezcla música pop con conceptos pertenecientes a la música clásica, todo ello aderezado con grandes dosis de psicodelia. Se lanzó al mercado el 13 de febrero de 1967 en los Estados Unidos, y el 17 del mismo mes en el Reino Unido, como un single con doble cara A junto a "Penny lane", de la que hemos hablado hace poco en esta consulta. Ambas canciones tienen como línea argumental la nostalgia por la infancia trancurrida en Liverpool. Siguiendo la norma de que todo single no debía ser incluido en un LP hizo que estos dos temas no formaran parte del "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". George Martin reconoció que fue el error musical más grande de su vida. En EE.UU. fueron posteriormente incluidas en el "Magical Mystery Tour" de 1967.

Strawberry Field era un orfanato del Ejército de Salvación sito en el barrio de Woolton, en los suburbios de Liverpool, donde vivía John Lennon durante su infancia y donde solía ir a jugar. Lennon recuerda con nostalgia aquellos momentos felices y nos invita a un viaje psicodélico para regresar a una infancia feliz rodeados de campos de fresas, donde nada es real y nada te puede pasar. "Strawberry fields forever" contiene además un cargado componente esotérico, misterioso, con un punto surrealista. A ello pudo contribuir la estancia, tras los rodajes en Carboneras, Cabo de Gata o Tabernas, en la casa Santa Isabel de Almería. A ella se trasladaron para celebrar el 26 cumpleaños de John Lennon el 9 de octubre, ya que al llegar su esposa Cynthia y Ringo Starr ya no cabían en la que ocupaban hasta entonces. Cynthia Lennon declaró años después que era una casa llena de misterio en la que las cosas se movían, se oían ruidos extraños y se encendían y apagaban las luces. Recordaba especialmente la imagen de una virgen en el rellano de la escalera. La casa, un palacete del siglo XIX con un gran jardín y piscina desde la que se divisa la bahía de Almería estuvo abandonada hasta que fue rescatada por el Ayuntamiento de la ciudad. Este año ha sido inaugurado allí el Museo de las Artes Cinematográficas y Escénicas de Almeria. En este palacete John Lennon grabó la primera toma de la canción acompañado de una guitarra acústica. Únicamente tenía en aquel momento una estrofa: "There's no one on my wavelength / I mean, it's either too high or too low / That is you can't you know tune in but it's all right / I mean it's not too bad". "Strawberry fields forever" es una de las canciones del cuarteto de Liverpool que más cambiaron durante su gestación. Pese a ser una obra exclusiva de John Lennon como en el resto de canciones aparece registrada bajo la autoría del propio John Lennon y Paul McCartney. Os dejo con el video de "Strawberry fields forever", que junto con el de "Penny lane", ya ofrecido en un post anterior, fueron seleccionados por el MOMA de Nueva York como dos de los clips más influyentes de la década de los 60.

Aquella estancia en Almería parece que marcó de alguna manera el futuro de John Lennon. A primeros de noviembre de 1966 regresó a Londres y a los pocos días conoce a Yoko Ono en la Indica Gallery. Su matrimonio con Cynthia se derrumba mientras John y Yoko estrechan su relación y en 1969 de divorcian. Mientras tanto, los intereses de cada uno de The Beatles divergen cada vez más hasta que en 1970 se disuelven.

Jerry Ragovoy, la música está de nuestra parte

2011-08-21T19:52:00.003+02:00

No es la primera vez que en esta consulta dejamos patente que sentimos predilección por aquellas figuras desconocidas del mundo de la música que sin su aportación nada hubiera sido igual, como productores, músicos o compositores que la mayoría de las veces no pasaron de las minúsculas letras en los títulos de crédito en la contraportada de un disco. Hoy quiero dedicar este post a la memoria de Jordan "Jerry" Ragovoy, productor y compositor de canciones clave en la historia del soul entre las décadas 50 y 70 del siglo pasado. Nacido en la ciudad de Filadelfia en 1930, pianista autodidacta y formado musicalmente a base de comprar discos en unos grandes almacenes, ha fallecido el 13 de julio de 2011 en Nueva York a causa de un derrame cerebral.

Su relación con el mundo de la música comienza en 1953 cuando participa en la producción del tema "My Girl Awaits Me" de The Castelles, grupo doo wop. Fichó como composotor por el sello Chancellor Records, obteniendo algunos éxitos. En 1960 se traslada a Nueva York, convirtiéndose en un compositor fundamental para entender la música de la década de los 60. Compone para las más rutilantes estrellas del firmamento musical del momento como Jimi Hendrix, B.B. King, Elvis Costello, Barry White, The Drifters, Miriam Makeba, Dusty Springfield o Diana Ross. El gran bombazo que catapulta sus composiciones a los primeros lugares de las listas es "Time Is on My Side", firmada bajo el pseudónimo Norman Meade e interpretada por The Rolling Stones. Fue inicialmente compuesta en 1963 para el trombonista de jazz Kay Winding, pero en 1964 la graban The Rolling Stones y se sitúan en el top 10 norteamericano por primera vez en su carrera.

Jerry Ragovoy trabajó en equipo junto al compositor y productor soul Bert Berns, con quien coescribió "Piece os my heart", grabada en un principio por Erma Franklin, hermana de Aretha Franklin, en 1967 y que constituyó uno de sus escasos éxitos. Un año después Janis Joplin y su banda Big Brother and the Holding Company se marcaron una vibrante versión incluida en su disco "Cheap thrills". La crítica musical Ellen Willis explicó la diferencia entre las versiones de Erma Franklin y de Janis Joplin: "Cuando Franklin la canta, es un reto, no importa lo que me hagas, no destrozarás mi habilidad para ser un ser humano, de amar. Joplin parece al contrario que está diciendo: seguramente si sigo aceptando esto, si sigo un ejemplo explícito de amor y perdón, seguramente él tiene que entender el intercambio, devuélveme lo que te he dado. Joplin utliza el blues no para trascender el dolor, sino para gritar mas allá de la existencia". Escuchemos "Piece of my heart" con la inigualable voz en directo de Janis Joplin.

Compone para Janis Joplin temas esplendorosos como "Try (Just a Little bit harder)" o "Cry baby". Sin embargo, elúnico tema que Jerry Ragovoy compuso especialmente para ella, “I’m Gonna Rock My Way To Heaven”, jamás fue grabado. Estaba previsto que formara parte de un musical que está previsto que se estrene este año y que llevará por título "One Night with Janis Joplin". En 1969 funda su propio estudio de grabación, llamado "Hit Factory", y produce trabajos de Bonnie Raitt y Dione Warwick. En 2003 produce su último trabajo, un recopilatorio de Howard Tate titulado "Howard Tate Rediscovered". El cantante, productor, compositor e historiador mucsical Billy Vera ha dicho: “Jerry Ragovoy no fue un escritor de melodías como Carole King o Burt Bacharach, si no que realmente capturó un lenguaje negro basado en el gospel”. Sirva de homenaje esta gran interpretación de Janis Joplin de su tema "Cry baby" en Toronto en 1970.

Mavis Staples, cuando Madrid pareció Chicago

2011-08-12T21:04:00.004+02:00

Mavis Staples se presentó en Madrid, con sus 72 años a cuestas y sin más compañía que guitarra, bajo, batería y coros, y se marcó un auténtico conciertazo en la noche madrileña del 19 de julio en el escenario Puerta del Ángel dentro de la ya tradicional programación de Los Veranos de la Villa. Fue un concierto directo, sin adornos, en el que se pasó del gospel al blues, pasando por el soul en apenas dos horas de espectáculo. Tras un par de inoportunas toses de Mrs. Staples comenzó el concierto con la enorme fuerza vocal y espiritual de “Wonderful Savior”, un gospel que nos preparó para apuntar hacia cimas más altas que las que nos habíamos propuesto, apoyándose en las magníficas voces de Vicki Randle, Donny Gerrard y su hermana Yvonne Staples. Como columna vertebral utilizó su último disco, el excepcional "You're not alone", producido por su paisano Jeff Tweedy y del que ya hemos dado cuenta en esta consulta. Fue alternando legendarios éxitos propios como "I’ll take you there" con grandes clásicos ajenos como "We´re gonna make it" de Little Milton. También hubo homenajes como a su propio padre Pops Staples con temas como “I’ll Take You There” o “Freedom Highway”, retrotrayéndonos a la década de los 60, en aquellos tiempos en que creíamos que todo se podía cambiar y había sitio para la esperanza. También emocionante el homenaje a The Band con el legendario "The weight" que ya interpretara a las órdenes cinematográficas de Martin Scorsese en "The last waltz" junto a toda su familia, The Staples Singers. Grandes voces las de Vicki Randle (ha acompañado a Aretha Franklin, George Benson, Lionel Richie, Celine Dion, Herbie Hancock, Wayne Shorter y Branford Marsalis) y Donny Gerrard (ha colaborado con Elton John, Ray Charles, Bette Midler, Bruce Springsteen, Aaron Neville, Neil Diamond, Bob Seger, Donna Summer, Cher, Dolly Parton, Bobby Womack o John Fogerty, además de haber mantenido una larga carrera como solista soul) que se lucen en esta actuación, como en todo el concierto.

Os quiero ofrecer el tema "Keep Your eyes on the prize", con el que finalizó el concierto. Es una canción popular americana compuesta como himno después de la I Guerra Mundial, conocida tambén como "Gospel plow" o "Hold on" y a la que puso letra en 1956 Alice Vine, activista por los derechos civiles en los movimientos de los años 50 y 60 en norteamérica. La han grabado la flor y la nata de los artistas norteamericanos más comprometidos, como Mahalia Jackson, Odetta, Bob Dylan, Pete Seeger, Bruce Springsteen y, por supuesto, la propia Mavis Staples en su álbum "We'll Never Turn". Back" en 2007.

Cincuenta años de carrera no mermaron la simpatía y locuacidad de esta incansable mujer, en permanente conexión con el público. Al día siguiente los titulares que pude leer en la prensa fueron "Mavis Staples, más grande que cualquiera" (Alfonso Cardenal en Cadena Ser), "Colosal Mavis Staples" (Fernando Navarro en El País), "Mavis Staples lleva a su parroquia madrileña a un lugar mejor" (Javier Herrero en Agencia Efe)... Gran noche la del 19 de julio, cuando Madrid pareció Chicago...

Benny Spellman y su huella indeleble

2011-08-05T20:43:00.004+02:00

Ha fallecido en Florida el cantante de de rhythm&blues Benny Spellman a los 79 años de edad. Fue una de las grandes voces de la música de Nueva Orleans en los 60 junto a Allen Toussaint, Earl King o Ernie K-Doe. Su otra gran afición fue el fútbol americano, gracias al cual obtuvo una beca para estudiar en la Universidad de Baton Rouge. El ambiente universitario de ofreció la oportunidad de empezar a integrarse en diversos grupos vocales. Llega el momento de prestar el servicio militar, abandona la música y regresa a Pensacola, su localidad natal. En 1959 coincide con Huey "Piano" Smith and the Clowns, que tuvieron un accidente con su furgoneta al ir a dar un concierto. Benny Spellman les prestó ayuda para regresar a Nueva Orleans. La amistad que surgió fue tan grande que se quedó a vivir en Nueva Orleans pasando a integrarse en The Clowns. Conoce a Allen Toussaint, le gusta la profundidad de su voz y le ofrece hacer los coros a Ernie K-Doe en "Mother in Law" y en muchas otras canciones. Su mayor éxito lo consiguió en 1962 con el tema "Lipstick Traces (On a Cigarette)", compuesto por Allen Toussaint bajo el pseudónimo Naomi Neville. Este era el nombre de soltera de su madre y lo utilizaba para que cobrase los derechos de autor. Los coros corren a cargo de Willie Harper y la gran Irma Thomas. Ha sido una canción versionada en múltiples ocasiones, siendo la más tempranera la de The O'Jays en 1965. Posteriormente la han hecho suya Ringo Starr, Snooks Eaglin y Delbert McClinton, entre otros.

La cara B de este single fue "Fortune teller", canción con un ritmo endiablado. Encajó en plena ebullición del rythm&blues británico de los 60, y fue versionado por grupos emergentes como The Who, The Merseybeats, The Hollies o The Rolling Stones. Benny Spellman consituyó una gran influencia para todos ellos, dejando una huella indeleble para sus carreras.

Grabó algún single más, como "Word game" en 1965 para Atlantic Records. A partir de ese momento se retiró para dedicarse a trabajar como cualquier mortal en una empresa de sector cervecero. Pese a su breve carrera su influencia es innegable. Fue invitado por George W. Bush a cantar en la convención republicana de 1988 celebrada en Nueva Orleans. Ese mismo año se editó un álbum retrospectivo con 16 canciones. En 2009 entró en el Louisiana Music Hall of Fame.

Robert Johnson, centenario del padre del blues

2011-07-31T20:01:00.007+02:00

Este año celebramos el centenario del nacimiento de Robert Johnson, quien para alguien de la talla de Eric Clapton es "el más importante músico de blues que haya vivido". Y eso que tan solo dejó grabadas 29 canciones. De su vida existen pocos datos, y su biografía está llena de embrujo y enigma. Nació en Hazlehurst, Mississipi, el 8 de mayo de 1911, aunque este hecho no puede considerarse probado ya que no queda ningún documento que así lo atestigüe. Su madre fue Julie Ann Majors, hija de esclavos, y su padre, Noah Johnson, fue un temporero que pasó por la plantación y la dejó embarazada mientras ella estaba casada con el carpintero Charles Dodds Jr., aunque el matrimonio no duró mucho. Robert creció con el apellido Dodds, hasta que poco después, siendo aún un niño, su madre le confiesa la identidad de su verdadero padre. Desde ese momento pasará a llamarse Robert Johnson. Nunca fue al colegio alegando un problema en la vista y pronto se aficionó a la armónica. Con 18 años se casa con Virginia Travis, de tan solo 16 años de edad, pero queda embarazada y en el parto muere junto al bebé. Al poco tiempo se casa con Esther Lockwood, madre de Robert Lockwood Jr., hijastro de Robert Johnson, que llegó a ser un conocido bluesman.

Dejó registradas 29 canciones, 42 grabaciones en total (existen 13 canciones que fueron grabadas dos veces) registradas en dos sesiones: el 23, 26 y 27 de noviembre de 1936 en San Antonio (Texas) y el 19 y 20 de junio de 1937 en Dallas (Texas). Las letras de sus canciones mezclan religión, sexo, la vida rural del sur de Estados Unidos y lo efímero de las relaciones entre hombre y mujer. Vamos, puro blues en sentido estricto,como este "Come on in my kitchen", en el que dice cosas como "You better come on, in my kitchen, 'cause it's going to be raining outdoors." Imaginaos como debió terminar la historia...

Falleció a los 27 años en extrañas circunstancias, que nunca fueron aclaradas. La leyenda dice que fue envenenado con whisky por un marido celoso en un blues bar donde actuaba . Otros dicen que murió de sífilis o de neumonía. Lo verdaderamente cierto es que su certificado de defunción dice que falleció el 16 de agosto de 1938 en Geenwood, Mississipi y que no se le realizó la autopsia.

Únicamente se conservan dos fotos suyas. En una, la que encabeza el presente post, aparece relajado, mirando penetrantemente a la cámara, con sus larguísimos dedos marcando un acorde sobre el mástil de su inseparable guitarra, y sosteniendo distraídamente de medio lado un cigarro en sus labios. En la otra foto posa elegantemente con traje, chaleco, corbata de rayas, sombrero calado de medio lado mientras acomete con gesto socarrón algún acorde a la guitarra, apoyada sobre sus piernas cruzadas.

Robert Johnson está asociado a la leyenda del blues que cuenta que en el cruce de caminos entre la carretera 61 con la 49, en Clarksdale (Mississipi) se le apareció el mismísimo diablo. El bluesman coetáneo de Robert Johnson Tommy Johnson, declaró que nuestro protagonista le dijo en secreto: "Para aprender a tocar todo lo que quieras y componer tus propias canciones, tienes que llevar tu guitarra a un cruce de caminos, al lugar donde dos caminos se cortan. Ve allí y asegúrate de estar en el sitio preciso antes de la medianoche; entonces, coge la guitarra y toca algo tuyo. Un hombre grande y negro irá hasta allí, cogerá tu guitarra y tocará para ti, hará sonar tu canción y te devolverá la guitarra. De esta forma aprendí todo lo que necesito para tocar". Fue tentado por éste y le vendió su alma a cambio de que le enseñara a ser el mejor bluesman de todos los tiempos. Leyendas aparte, el caso es que Robert Johnson desapareció de Robinsonville un buen día durante un año en el que nadie supo de su paradero y regresó habiendo pasado de ser un mediocre guitarrista secundario acompañante de otros bluesmen, a convertirse en un gran virtuoso de la slide guitar, acompañado de una personalísima voz. Se amamantó del blues rural de sus antecesores (Charlie Patton, Son House, Blind Lemon Jefferson) y lo mejoró, le añadió unas letras que se han convertido en el alma de la poesía norteamericana popular.

Su muerte también está envuelta en misterio. Durante muchos años se dijo que fue víctima de la magia negra, otros que se suicidó. Johnny Shines dijo que oyó decir que estuvo durante días corriendo a cuatro patas, como un perro, hasta que el diablo vino a por él. Se especuló mucho con su muerte hasta que en 1968 Gayle Dean Wardlow descubre la partida de defunción, que ningún médico se encargó de firmar. En su investigación se estrevista con dos testigos que coinciden en que en agosto de 1938 Robert Johnson tocaba en un club de la pequeña población Three Forks, muy cerca de Greenwood. Robert Johnson se lió con la mujer del dueño del local. Éste envenenó el whisky que le ofreció durante su actuación. Murió días después de agonizar en casa de un amigo. Parece que fue enterrado en el pequeño cementerio de la Zion Church, cerca de Morgan City. Existen tres tumbas, pero probablemente no esté enterrado en ninguna de ellas, sino que seguramente descansará debajo de algún árbol en algún cruce de caminos, para que, como él había cantado "…Mi viejo y maldito espíritu pueda subirse a un autobús Greyhound y marcharse".

Sus 29 canciones han sido versionadas hasta la saciedad por las grandes estrellas de blues. La influencia en los jóvenes bluesmen de los 60 fue brutal, siendo recogida en el Reino Unido por la extraordinaria cantera británica como Keith Richards, Led Zeppelin, John Mayall, Peter Green, que revisó su repertorio en el disco "The Robert Johnson Songbook", o Eric Clapton, que hace unos años le dedicó su disco "Me and Mr. Johnson". No obstante, "Crossroads" siempre ha sido un clásico se su repertorio.

El diablo le convirtió el un gran bluesman, pero se lo llevó muy pronto y nos privó de saber qué hubiera podido ser su figura si hubiera llegado en plenitud a la dorada década de los 60, junto a Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, Howlin' Wolf o John Lee Hooker. Sus seguidores crearon una fundación que lleva su nombre. Sobre ella y sus actividades podéis informaros en su web http://www.robertjohnsonbluesfoundation.org, e incluso contribuir con alguna donación. También podéis ver un video creado por la propia Fundación Robert Johnson en la que nos narra su vida en dibujos animados a los sones de "Crossroads". Por siempre, Robert Johnson.

Asfalto, 30 años de "Déjalo así"

2011-07-24T21:26:00.005+02:00

El pasado 6 de mayo celebramos entre amigos, con amistad de 30 años atrás, el 30 aniversario de la publicación del disco "Déjalo así" a cargo de la banda madrileña Asfalto, y su reedición totalmente remasterizada. El concierto, inolvidable, se celebró en la sala Live!, en pleno Carabanchel, abarrotada por 500 fieles seguidores. Acompañados del solvente José Regadera (Quijotes Eléctricos) al bajo y el sólido Pedro Navarro a la batería completaron un emocionante repertorio compuesto por el disco íntegro, desgranando canción a canción y en el mismo orden del doble disco publicado en 1981. Esto constituye un acontecimiento sin precedentes en el rock español. También subieron al escenario amigos como Raúl Santana (Asfalto), Juan Olmos (Antigua), Johnny Martínez (Quijotes Eléctricos) y Enrique y Paul Castejón, hijos de Julio Castejón. Al final la formación actual de Asfalto subió al escenario para hacer los coros del último "Déjalo así". También hubo un momento entrañable, como el recuerdo a José Ramón Pérez "Guny", que estaba por la sala y a Enrique Cajide, que subió al escenario para recibir el cariño y el reconocimiento de todos los que nos encontrábamos en la sala por su silenciosa pero importante aportación al grupo. Ha sido una gran oportunidad tanto para los seguidores de Asfalto como para los fans de este disco poder escuchar en directo por primera vez todos los temas, ya que la mayoría de ellos jamás se interpretaron sobre un escenario. Así comenzó la fiesta, como comienza el disco: "Déjalo así".

En 1981 España despertaba tras una pesadilla de 40 años y en los barrios comenzaba a cocerse una renovación musical como hasta entonces no se había visto en España, cuya banda sonora la ponian folklóricas, el ritmo incansable de la canción del verano y algunos jóvenes cantantes que se subían al carro del fenómeno fan. Sin embargo, jóvenes humildes de barrios de la periferia de las grandes ciudades, sobre todo de Madrid, nos hablaban de sus problemas, de sus anhelos, de su vida... Aparecieron a ritmo de rock y escasísimos medios grupos como Burning, Leño, Ñu, Bloque, Coz, Obús, Mermelada o Barón Rojo. Al frente de todos ellos Mariscal Romero, dándoles cobijo con su sello Chapa Discos. Entre todos ellos destacó Asfalto, con un estilo musical extremadamente cuidado que se acercaba al rock progresivo, con claras influencias de Yes o Deep Purple, que no se casaba con nadie, y unas letras que invadían la parcela de los cantautores, con textos cargados de mensajes llenos de contenido. Su mensaje humanista, comprometido con la libertad, la no violencia o el ecologismo caló profundamente en los jóvenes llegando a convertir sus mensajes en una forma de vida, como en este tema "Lucy escóndete", con Raúl Santana en el escenario.

El camino recorrido por Asfalto no fue fácil ya desde sus comienzos, cuando tras su primer disco "Asfalto" con auténticos himnos como "Días de escuela" o "capitán Trueno" el grupo se parte con el abandono de Lele Laína y José Luis Jiménez para formar Topo. Se cruza en el camino de Asfalto el genial teclista uruguayo Jorge García Banegas y le da al grupo un giro hacia el rock sinfónico y progresivo, y al bajista José Ramón Perez "Guny". Junto a Enrique Cajide y el alma del grupo, Julio Castejón, constituyen la esencia de Asfalto, pese a las acertadas incorporaciones que ha habido en la banda a lo largo del tiempo.

"Dejalo así" se publica en 1981 en un momento confuso y difícil, convirtiéndose en un escollo más para el grupo. El contrato suscrito con Chapa Discos toca a su fin y solo les queda una bala en la recámara. El rock urbano comienza a virar hacia el heavy metal, que comienza a vivir su época dorada, y los nuevos grupos optan por un sonido más pop, en plena cresta de la nueva ola y la movida. Chapa Discos decidió unilateralmente sacar previamente un disco de grandes éxitos, que pasó totalmente desapercibido. Y para colmo, optan por publicar un disco doble, el primero del rock español. Es muy interesante esta entrevista en la que tanto Julio Castejón como Jorge García Banegas nos hablan de "Déjalo así" y las dificultades de esta disco para salir adelante.

Sin embargo, mi primer recuerdo de Asfalto es por el año 1981 en el Palacio de los Deportes de Madrid, en uno de aquellos macroconciertos que duraba un día entero mientras desfilaban por el escenario multitud de grupos de todo pelaje. El turno de Asfalto me dejó impactado, en especial la vibrante interpretación de "Déjalo así", con un brioso Julio Castejón haciendo participar al público y un Jorge García Banegas semioculto tras multitud de teclados como no se había visto hasta entonces en España. En ese momento supe que Asfalto era mi grupo. Poco después me hice con el vinilo y lo he seguido escuchando habitualmente hasta hoy. Ahora, 30 años después, Asfalto sigue siendo mi grupo de cabecera. Sin ellos, 30 años después, no podríamos entender el rock actual.

Alan “Mr. Fabulous” Rubin, el trompeta de The Blues Brothers

2011-07-20T20:24:00.002+02:00

Alan Rubin, trompetista de The Blues Brothers conocido como "Mr. Fabulous", ha fallecido el 8 de junio en Nueva York a los 68 años, a causa de un cáncer de pulmón. Nació en Nueva York en 1943, y comenzó a comenzó a tocar la trompeta con tan solo diez años, graduándose más adelante en la Juilliard School of Music. Fue miembro de la legendaria Saturday Night Live Band, que amenizaba el programa de televisión del mismo nombre, entre 1975 y 1983. Acompañó a John Belushi y Dan Aykroyd en "The Blues Brothers" y su secuela "Blues Brothers 2000", de donde adoptó el sobrenombre “Mr. Fabulous”. La escena del restaurante, en la que representa al maitre de un local de lujo, es desternillante. Este video recoge sus mejores intervenciones y quiero que sirva de homenaje.

Como músico de sesión participó en grabaciones de Frank Sinatra, Frank Zappa, Duke Ellington, Sting, Aerosmith, The Rolling Stones, Paul Simon, James Taylor, Frankie Valli, Eric Clapton, Billy Joel, B.B. King, Miles Davis, Peggy Lee, Aretha Franklin, James Brown, Ray Charles y Dr. John, entre muchos otros. Un currículum excepcional. Descansa en paz, maestro.

Clarence Clemons, el alma de la E Street Band

2011-06-20T20:26:00.002+02:00

Contaba con 15 años de edad cuando en el verano de 1981 a base de beber Pepsis y coleccionar las chapas de las botellas conseguí una cinta de cassette promocional con los temas "The river" y "Sherry darling", que se podían escuchar una y otra vez a lo largo de la duración de la cinta. Y lo mismo ocurría con la cara B. Estos temas eran interpretados por un para mí completamente desconocido Bruce Springsteen. Mi banda sonora de aquel verano fue "Sherry darling" y sobre todo el festivo solo de saxo, que lo convierte en protagonista de la canción. Quizás por ese solo me hice fan de Bruce Springsteen y la E Street Band. El autor de ese solo es Clarence Clemons, y acaba de morir el 18 de junio de 2011 a causa de un derrame cerebral.

Nació un 11 de enero de 1942 en Norfolk (Virginia), hijo de un predicador bautista, por lo que desde pequeño estuvo muy influenciado por el gospel. A los nueve años su padre le regaló un saxofón, al que llamó Jerome, y desde entonces se convirtió en su inseparable compañero. Fue compaginando la música con el fútbol americano hasta que se decanta por el fútbol ante la posibilidad de convertirse en profesional. El día antes de hacer una prueba para los Cleveland Browns sufrió un accidente y desde ese momento enfocó su carrera hacia la música. En 1972 conoce a Bruce Springsteen al moverse ambos por los ambientes musicales de Nueva Jersey y se incorpora en una incipiente E Street Band, que iría tomando forma hasta que en 1974 se constituye de manera oficial. En la canción "Jungleland", incluida en el álbum "Born to run" de 1975, nos obsequia con un solo absolutamente glorioso. Esta actuación corresponde a 1978 en Nueva Jersey. Para mí la época dorada de Bruce Springsteen y la E Street Band.

La figura de Clarence Clemons es clave en la E Street Band por el enorme carisma y cercanía que siempre ha mostrado, proporcionales a su tamaño. Siempre es esperado el momento de su intervención, y son seguidos los juegos intepretativos que lleva a cabo con el Boss. En la canción "Tenth Avenue Feeze-out", también incluida en el disco "Born to run" Springsteen le homenajea con los versos: "When the change was made uptown / And the Big Man joined the band / From the coastline to the city / All the little pretties raise their hands." En el momento de presentación de la banda siempre queda en último lugar y con una presentación especial para regocijo del público. Y si no les habéis visto nunca en directo, comprobadlo vosotros mismos con vuestros propios ojos en este concierto de 1985 en París, dando paso al tema "Rosalita" en una simpática actuación llena de complicidad y amistad.

Clarence Clemons también fue propietario en Nueva Jersey de la sala de conciertos Big Man's West. En 1982 montó su propia banda, The Red Bank Rockers y ha colaborado con innumerables compañeros como Aretha Franklin en "Freeway of Love", Lady Gaga en "Freeway of Love" o Jackson Browne en "You're a Friend of Mine" en 1982, de la que os dejo el videoclip.

Además actuó en la película "New York, New York" de Martin Scorsese de 1977, en el papel de un trompetista. Apareció en un episodio de Los Simpson y en diferentes series de televisión. Se dice que era el único miembro masculino de la banda con camerino privado, en el que debe haber galletas Carr's Water y caviar de beluga de la mejor calidad. Además, se zampaba a las 21:45 h., con puntualidad sagrada, un pollo asado antes de cada actuación. Genio y figura, grande como pocos. En mis oídos seguirá sonando, como desde hace 30 años, tu saxo en "Sherry darling". Te llevaremos siempre en el corazón.

David Mason, el trompetista de "Penny lane"

2011-06-19T15:30:00.006+02:00

David Mason, el músico británico que pasó a la historia por tocar el solo de trompeta en la canción de The Beatles "Penny Lane" ha muerto, bendito sea, el pasado 29 de abril a los 85 años tras una larga lucha contra la leucemia. Paul McCartney lo vió en 1967 en un concierto con la Filarmónica de Londres que transmitía la BBC. Una semana después, el 17 de enero de 1967, David Mason entraba en el estudio para grabar el solo de trompeta piccolo, inspirado en el 2º Concierto de Brandenburgo de Bach. Según contó el propio David Mason le pagaron 27 libras y 10 chelines por su actuación. Como curiosidad, Mason no sabía quiénes eran The Beatles. En este video podemos ver una entrevista a David Mason y una actualizada interpretación del legendario solo de "Penny lane".

"Penny lane" fue incluida en el album "Magical mistery tour" de 1967. Aunque aparecen como autores John Lennon y Paul McCartney, fue este último el compositor de "Penny lane". Según McCartney, Lennon le echó una mano en la tercera estrofa, que al parecer se le hacía bola y no encontraba los versos adecuados. "Penny lane" nos habla de los recuerdos de la infancia de Paul McCartney. Para ello nos dibujó una escena en una calle cualquiera de Liverpool, plasmada como para un cuento para niños con una linda enfermera, un alegre barbero, un banquero excéntrico, un bombero patriótico y algunos felices transeúntes. Como curiosidad cabe apuntar que tras el éxito de la canción, los carteles de la propia calle los robaban los fans con tal asiduidad que el ayuntamiento de Liverpool acordó sustituirlos por un rótulo pintado directamente en el muro. El nombre procede de James Penny, un comerciante de esclavos del siglo XVIII. Compartió single con "Strawberry fields forever", formando un sencillo extraordinario que llego al número 1 en Estados Unidos, quedando en Reino Unido solamente en segundo lugar tras "Release Me" de Engelbert Humperdinck.

La trompeta piccolo es la mitad de larga de la trompeta normal. Habitualmente tiene cuatro pistones, aunque existen modelos con tres pistones. El cuarto pistón desempeña la función de transpositor y reduce en 5 semitonos la nota de la trompeta, lo que amplía la gama de notas graves y proporciona digitación alternativa y mejora la entonación de algunas notas. Está afinada en Re, y es conocida como trompeta de Bach. La primera fue construida en 1890 por el belga Victor Mahillon para interpretar partes de las obras de Bach y Häendel. David Mason también participó en otros temas de The Beatles como “A Day in the Life”, “Magical Mystery Tour” y “All You Need Is Love”. El solo de "Penny lane" fue la primera incursion de este instrumento en la música moderna. Otros intérpretes de trompeta piccolo son Maurice André y el excepcional trompetista de jazz Winton Marsalis. Ahora disfrutemos del video de "Penny lane".

Festival Lunas de Gribralfaro, cine y jazz, perfecta combinación

2011-06-12T16:33:00.003+02:00

Se acaba de celebrar dentro del Festival Lunas de Gibralfaro (Málaga) la sección Jazz Cinema en colaboración con el Festival Internacional de Jazz de Vitoria-Gasteiz, cita ineludible en cada verano para los amantes del jazz del mundo entero. En Jazz Cinema este año nos han visitado los catalanes Triphasic, el brillante pianista neoyorkino de origen indio Vijay Iyer y el Michel Portal Sextet, aunque ha suspendido su actuación por motivos de salud. Triphasic nos ha ofrecido un jazz muy novedoso, con elementos electrónicos y sonido sacados de diferentes artilugios. Triphasic está compuesto por Llibert Fortuny (saxo alto), Gary Willis (bajo) y David Gómez (batería y percusión). Os aseguro que merece la pena tenerles en cuenta por si alguna vez tocan cerca de vuestra ciudad. Tomad nota de cómo se las gastan.

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Como actividad paralela y realmente original el festival nos ofrece la proyección de una película previa a cada concierto, y aquí es donde la organización ha acertado de pleno. Nos ofrecen en primer lugar nada más y nada menos que "Anatomía de un asesinato", dirigida en 1959 por Otto Preminger y protagonizada por James Stewart y Lee Remick, en un thriller jurídico extraordinario. Nos narra el juicio de un asesinato cometido en un tranquilo pueblo norteamericano. El abogado defensor, casi retirado y dedicado a la pesca y a tocar jazz al piano desde que no fue nombrado fiscal. Su ayudante, un abogado jubilado, perdedor y borrachín sin remedio, le anima a aceptar el caso. Y por si todos estos ingredientes fueran pocos la música la pone Duke Ellington, en la que realiza algún cameo. Duke Ellington llegó al comenzar el rodaje y estuvo en él, respirando el ambiente que se creaba para ir componiendo la música a la medida que se rodaban las escenas. No os perdáis esta joya del cine de todos los tiempos.

Otra de las películas elegidas es "Jazz on a Summer's Day". Se estrenó en 1960 y tiene formato de documental sobre el Festival de Jazz de Newport de 1958. Fue dirigido por el fotógrafo de moda Bert Stern y el director de cine Aram Avakian. Gran documento gráfico que nos brinda la oportunidad de revivir la década dorada del jazz, con músicos como Sonny Stitt, Thelonius Monk, Max Roach, la vocalista Anita O’Day, mi admirada Dinah Washington, la gran diosa del gospel Mahalia Jackson, Chuck Berry o Louis Armstrong. Si tenéis oportunidad de verla, no la dejéis pasar de largo. No os defraudará.

Y el festival se cierra con otro gran clásico de la era moderna para los amantes del jazz: "Bird", de Clint Eastwood, en la que nos cuenta la breve pero trepidante vida del grandioso saxofonista Charlie Parker, conocido como Bird en los ambientes. Clint Eastwood nos muestra con gran rigor y crudeza la vida de un músico único y genial que arruina su vida por su adicción a las drogas. Forest Whitaker borda el complicado papel protagonista, en una excelente interpretación. El crítico Carlos Boyero publicó en su crítica en el diario El Mundo: "Intensa, trágica y profundamente jazzística (...) La mejor película que se ha hecho nunca sobre el jazz".

Cine y jazz, la perfecta combinación, la que nunca falla.

Cornell Dupree, el hombre de las 2.500 sesiones

2011-06-11T11:20:00.003+02:00

Hay miembros de la gran familia del blues que no son grandes figuras que llenan por sí mismos estadios, grandes teatros o ni siquiera pequeños clubes, más acordes a la escenografía bluesera. Sin embargo hay una legión de bluesmen que han forjado la historia del blues a base de sesiones de grabación y conciertos, día tras día, noche tras noche. Y sin embargo en nuestra memoria musical tenemos grabados a fuego momentos inolvidables como aquel riff de guitarra, o este solo de batería o esa escala al piano detrás de una gran figura del blues. Este es el caso de Cornell Luther Dupree Jr., nacido el 19 de diciembre de 1942 en Fort Worth (Texas), guitarrista que ostenta en su curriculum con más de 2.500 sesiones de grabación con rutilantes estrellas como Paul Simon, Barbra Streisand, Harry Belafonte, Lena Horne, Roberta Flack, Joe Cocker o Michael Bolton. De hecho era conocido como Mr. 2500.

Su primera colaboración fue con The Kings Pins, con el saxofonista King Curtis al frente, hasta que en 1971 fue asesinado por un fanático. Como músico de sesión aportó sus acordes en la legendaria canción "Rainy Night in Georgia", escrita por Tony Joe White en 1962 y popularizada por Brook Benton, grabada en 1970 y convertida en gran éxito.

Entre 1967 y 1976 se integra en la banda de Aretha Franklin de la mano de King Curtis, que se encargaba de la dirección musical. De todas sus colaboraciones con Aretha Franklin me quedo con "Respect", versión de un tema de Otis Redding que grabó en 1965, y que Aretha Franklin incluyó en 1967 en su disco "I never loved a man the way I love you" imprimiéndole una fuerza brutal exigiendo respeto. Según Jerry Wexler la palabra respect para Otis Redding significaba estima. Sin embargo Aretha Franklin pasó a exigir con una tensión sexual sin precedentes el fin de una situación injusta con las mujeres. Para Aretha Franklin "Respect" supuso su consagración definitiva.

El pasado 8 de mayo Cornell Dupree ha fallecido en su casa de Fort Worth de un enfisema pulmonar mientras esperaba un trasplante de pulmon que no llegó a tiempo. Descansa en paz.

The Band, la gran banda americana

2011-05-29T17:23:00.009+02:00

Editorial Milenio acaba de publicar “The Band. Historia y música”, la primera biografía española del grupo canadiense The Band. Su autor, Mikel Muñoz, bucea entre los orígenes de The Band hasta su concierto despedida inmortalizado por Martin Scorsese en 1976 en “The last waltz”. Mikel Muñoz destaca “unas canciones que bebían de todos los diferentes géneros que forman el riquísimo acervo de la música popular estadounidense, y que fusionados por las personalidades artísticas de aquellos cinco hombres, se omplementaron de forma magistral para dar lugar a un estilo tan sutil como singular, hasta entonces desconocido y, a día de hoy, irrepetible”.

En 1950 un cantante de rockabilly norteamericano llamado Ronnie Hawkins llega a tierras de Ontario (Canadá), llevando de la mano a un joven batería llamado Levon Helm. Se rodean de jóvenes músicos canadienses y forma el grupo The Hawks con Robbie Robertson a la guitarra, Rick Danko al bajo, Richard Manuel al piano y Garth Hudson al órgano. Graban algún disco y actúan asiduamente interpretando viejos temas de rock&roll, hasta que deciden romper con Ronnie Hawkins a mediados de los 60. Se trasladan a Nueva York y comienzan a beber de fuentes como el blues, el soul y el country. Levon Helm asume el liderazgo y se ocupa de la voz principal, pasando a llamarse Levon Helm And The Hawks, aunque en alguna ocasión se denominaron The Canadian Squires.

A través de John Hammond Jr. conocen a Bob Dylan en 1965, que se encuentra en plena rampa de lanzamiento hacia el estrellato. Se convierten en el grupo eléctrico que acompañará al genio de Minnesota en su mutación del folk acústico más estricto a un sonido rockero, que conllevó innumerables criticas para Dylan por parte de sus seguidores. Levon Helm abandona, sustituyéndole Mickey Jones, y deciden pasar a llamarse The Band. Se embarcan en la gira de 1966 de Bob Dylan. Levon Helm vuelve al seno de The Band y comienzan a trabajar en las sesiones que llevaron a cabo con Bob Dylan en su casa de Woodstock mientras se reponía de su accidente de moto.

De estas sesiones surgirá por una parte el disco de Dylan "The basement tapes" y por otra el primer trabajo de The Band titulado "Music from big pink", publicado en 1968 y producido por Albert Grossman, manager de Bob Dylan. Debutan con una mezcla de texturas musicales sacadas de la más profunda cultura norteamericana, como el rock, el country, el gospel, el rythm&blues, el soul y el folk. Es una obra maestra con auténticos temazos como la versión de "I shall be released" de Bob Dylan y "This wheel's on fire", compuesta mano a mano entre Rick Danko y Bob Dylan. Bob Dylan aporta una bonita pintura para la portada. Quizás el tema más emblemático es "The weight", en el que nos narran las penas de un hombre al que se le muere su novia, y la carga que ello le deja (the weight) en esta vida. Escuchemos esta versión grabada el 31 de agosto de 1969 en el Festival de la Isla de Wight.

Tras el gran éxito de su primer trabajo publican "The Band" en 1969 siguiendo las pautas musicales del disco anterior. Firman canciones extraordinarias como "Up on cripple creek", "Rag Mama Rag" o "The night they drove old dixie down", una de mis favoritas, con un brioso Levon Helm a la batería poniendo su gran voz solista. Me quedo sin duda con la versión del filme "The last waltz" en la que completan una actuación sobresaliente.

En 1970 ve la luz "Stage Fright", tras dos trabajos imprescindibles en cualquier discoteca que se precie de serlo. Comienzan los problemas con las drogas aumentando las tensiones en el grupo, al considerar la crítica a Robbie Robertson como líder de la banda. Pese a ello siguen haciendo buenos trabajos como "Cahoots" en 1971 , con una colaboración con Van Morrison, y "Rock of ages", en directo, en 1972, producido por el músico de Nueva Orleans Alain Toussaints. En 1973 sacan un prescindible disco de versiones llamado "Moondog Matinee" y en 1975 graban una colección de temas compuestos exclusivamente por Robbie Robertson llamado "Northern Lights-Southern Cross", lo cual avivó las disensiones en el seno de la banda. Pese a sus problemas internos y a los flojos últimos álbumes The Band seguía teniendo una gran tirón en directo. En 1974 acompañan a Bob Dylan de nuevo en su gira y la grabacion del disco conjunto en directo "Before the flood" y "Planet waves".eciden que The Band ya no da más de sí y se despiden con un concierto en la sala Winterland de San Francisco el día de Acción de Gracias de 1976 inmortalizado por Martin Scorsese en la película "The last waltz" y comercializado en un disco triple. A la fiesta se unió el pionero Ronnie Hawkins y amigos como Neil Diamond , Neil Young, Joni Mitchell, Muddy Waters, Dr. John, Van Morrison, Ringo Starr, Ron Wood, Eric Clapton y un Bob Dylan en plan gran estrella, entre otros. Los poetas Lawrence Ferlinghetti y Michael McClure aportan la lectura de algunos poemas suyos. El film combina entrevistas con los protagonistas con grabaciones de estudio, como las de Emmylou Harris o The Staple Singers.

Como epílogo a su despedida oficial sacaron en 1977 el ramplón "Islands", únicamente por cubrir el contrato que les obligaba a sacar un último disco. Cabe reseñar una penosa versión del "Georgia On My Mind", una de las peores que he escuchado jamás, y que el no menos penoso Jimmy Carter utilizó como banda sonora para las elecciones presidenciales que le llevarían a la presidencia de los Estados Unidos de América.

Leeremos el libro de Mikel Muñoz mientras suene en nuestro equipo alguno de los legendarios discos de The Band, especialmente de su primera época. Definitivamente The Band es la gran banda americana de todos los tiempos.

Pinetop Perkins, la penúltima leyenda del blues

2011-05-22T17:42:00.005+02:00

El pasado 21 de marzo se nos ha ido Pinetop Perkins, una de las grandes figuras del blues de todos los tiempos, quizá uno de los últimos representantes de la edad dorada del blues. "Se echó la siesta en su casa de Austin (Texas) y ya no despertó", dijo el lunes su representante, Patricia Morgan. A los 97 años su corazón decidió dejar de latir.

Willie Perkins Mississippi nació en 1913 en Belzoni (Missisipi), en una plantación de algodón. No aprendió a leer en toda su vida, cosa que siempre reconoció. Su infancia transcurrió en un ambiente un tanto enrarecido, hasta el punto de que su madre le dio a probar el whiskey cuendo era niño y su abuela de rompió una botella en la cabeza, suponemos que también de whiskey, por negarse a cortar leña. Tocaba la guitarra y el piano de forma autodidacta desde pequeño en fiestas caseras y en los honky tonks de la zona. Abandonó la guitarra después de que una mujer le cortara en el brazo izquierdo en un club nocturno de Helena (Arkansas). El médico le dejó los tendones demasiado cortos para alcanzar los trastes del mástil de la guitarra. Decidió centrarse desde entonces en el piano. Echad un vistazo a esta interesante grabación de 1980 en un programa de la televisión francesa formando parte de la Muddy Waters Blues Band, en la que interpretan "Reefer And Champagne" y "Blow Wind Blow".

Pinetop Perkins ha sido uno de los máximos exponentes del delta blues interpretado al piano. En las décadas de los 30 y 40 acompañó durante cinco años a Rice Miller, más tarde conocido como Sonny Boy Williamson II, en un programa radiofónico llamado como su patrocinador, King Biscuit, que se emitía en la localidad de Helena. También formó parte de la banda de Robert Nighthawk, para quien realizó numerosas grabaciones para Chess Records. Se trasladó a Memphis en 1950 y grabó para el sello Sam Phillips Sun su versión del tema "Pinetop's Boogie Woogie" de quien fue su mentor, Clarence Pinetop Smith. Desde entonces nuestro protagonista pasó a llamarse Pinetop Perkins. La década de los 50 la pasó entre la zona este de St. Louis y Chicago, como tantos otros bluesmen de la época. Allí se integró en las bandas de grandes figuras del blues como Albert King. Su gran oportunidad le llegó con la salida de Otis Spann del grupo de Muddy Waters, con quien pasó 12 años acompañándole en innumerables grabaciones y no menos reseñables giras mundiales. Si os ha gustado el video anterior, no es perdáis la segunda parte, en el que Muddy Waters y su Blues Band, con Pinetop Perkins al piano, se lucen con los clásicos "Hoochie Coochie Man" y "They Call Me Muddy Waters". Todo un documento.

En 1980, siendo ya una leyenda viva del blues, se integra en la Legendary Blues Band de la mano de Willie "Big Eyes" Smith. Con ochenta años decide algo inconcebible: ¡comenzar su carrera en solitario! Se patea todo el mundo con la energía de un chaval que comienza. Graba varios discos como "Back On Top", "Ladies Man", "After hours" o "Joined At the Hip" de nuevo junto a Willie "Big Eyes" Smith, consiguiendo un trabajo sublime. premiado con un Grammy al mejor álbum de blues tradicional poco antes de morir, siendo el artista de más edad en conseguir dicho premio. Ya había conseguido otro más en 2005 y 2007, este último como reconocimiento a toda su carrera.

La última vez que le vimos por España fue el año pasado en el Festival de Blues de Hondarribia, reseñado en esta consulta. Se metió al público en el bolsillo por su bondad y sencillez, presentándose en la barbacoa ceebrada en la explanada junto a los músicos participantes en el festival y el público en general. "Ya no puedo tocar el piano como solía hacerlo", comentó Pinetop Perkins al Chicago Tribune en 2004. Pese a todo, como auténtico bluesman, siempre de gira, siempre en la carretera, tenía actuaciones firmadas para esta primavera. Os quiero dejar como homenaje a Pinetop Perkins el documental completo "The Blues: American History in the Present Day", en el que comparte cámara y leyenda con Buddy Guy, Hubert Sumlin, Taj Mahal y Slam Allen. Gran tipo Pinetop Perkins. Descansa en paz, amigo.

Joe Morello, talento y técnica al servicio del jazz.

2011-05-15T16:54:00.005+02:00

Ha fallecido Joe Morello, quizá el más grande batería de la historia. Nació en Springfield (Massachusetts) en 1928. Tuvo problemas con la vista desde niño, lo cual no fue obstáculo alguno para desarrollarse como virtuoso musical. Comenzó a los 6 años a estudiar violín, llegando a ser solista de la Orquesta Sinfónica de Boston tan solo tres años después. A los quince años de edad conoce al violinista Jascha Heifetz, provocándole tal desilusión al saber que jamás llegaría a tocar como él, que tomó la decisión de abandonar su carrera como violinista. Esto provoca un punto de inflexión en el que decide comenzar a tocar la batería.

Recibe clases del maestro Joe Sefcik, hasta que el propio Secfik se da cuenta que Joe Morello apunta más alto y debe pasar a otro nivel. Le recomienda al gran George Lawrence Stone en Boston. Le aporta gran cantidad de herramientas para desarrollar la técnica. Le enseña a leer música, pero quizá lo más importante es cuando le demuestra su talento para el jazz.

Se traslada a Nueva York y se introduce en el mundo de jazz, comenzando a trabajar con músicos reconocidos como Art Pepper, Phil Woods o Howard McGhee, entre otros. Le llegan ofertas para acompañar a Benny Goodman y Tommy Dorsey, pero las rechaza al sentirse más motivado por una gira de dos meses con The Dave Brubeck Quartet en 1955. Esta colaboración inicial con Dave Brubeck se prolonga hasta 1968, con quien grabó 60 discos . La colaboración más reconocida y espectacular es el tema "Take 5", recogido en el disco "Time out", en el que realiza un solo de un minuto de duración que pasó a la historia por su técnica. Podemos verle en esta actuación de 1961 interpretando el legendario tema "Take 5".

Otro solo de batería histórico de Joe Morello se recoge en "'Sound of the loops", en esta actuación de 1964. Dos minutos de solo absolutamente espectaculares, en el que eclipsa a l mismísimo Dave Brubeck.

Tras dejar The Dave Brubeck Quartet, Morello continuó centrándose en el estudio de la batería, formando a los más tarde reputados profesionales Danny Gottlieb, Gary Feldman, Patrick Wante, Rich Galichon o el batería de la E Street Band de Bruce Springsteen Max Weinberg. Además escribió diversos manuales para el estudio de la batería, que se utilizan en todo el mundo. Joe Morello quedó ciego en 1976 y aún así, continuó con su actividad como baterista y profesor hasta su muerte. En este momento está tronando en Madrid. Debes estar dando alguna de tus clases magistrales en el cielo. Hasta siempre, maestro.

Melvin Sparks, el guitarrista del soul

2011-05-08T16:25:00.005+02:00

Ha fallecido el guitarrista Melvin Sparks a los 64 años de edad, víctima de complicaciones con la diabetes que padecía. Nació en Houston (Texas) y comenzó a aficionarse a la guitarra en el instituto, con un grupo llamado Hank Ballard and The Midnighters. A los 13 años comparte escenario con B.B. King. Comienza a destacar y en 1963 le contrata Little Richard para los Upsetters, su banda de acompañamiento y la de otras figuras como Sam Cooke, Marvin Gaye, Jackie Wilson o Curtis Mayfield. Combinó su carrera con colaboraciones con músicos de la talla de Hank Crawford o Jimmy McGriff, además de convertirse en músico de estudio para los sellos Blue Note y Prestige, con la aventura en solitario con buenos trabajos como "Sparks!" o "Texas twister" a principios de los 70. Publicó en solitario once discos entre 1970 y 2006. Veámosle en acción con The Melvin Sparks Band, acompañado de Bill Carbone y Matt Orstrecher, interpretando "Straight on".

Sin duda, Melvin Sparks fue uno de los más grandes guitarristas de soul de todos los tiempos, y se merece por derecho propio un lugar de honor en esta consulta. Descansa en paz, maestro.

Ralph Mooney, el rey de la pedal steel guitar

2011-05-01T17:39:00.009+02:00

El reducido mundo del pedal steel guitar se ha quedado un poco más pequeño. Ralph Mooney, uno de los más grandes especialistas de esta peculiar modalidad de guitarra, murió el 20 de marzo en Kennedale (Texas) a la edad de 82 años. Nació en 1928 en Duncan (Oklahoma), trasladándose posteriormente a California, donde comenzó a aficionarse a la música. Como siempre hizo saber, se especializó en la pedal steel guitar cuando escuchó el disco de Leon McAuliffe “Steel Guitar Rag”.

La pedal steel guitar o guitarra de acero con pedal es un tipo de guitarra que se caracteriza por tener dos mástiles con 10 cuerdas cada uno. La guitarra acústica con pedal tiene forma, perdonad la licencia, de mesita rectangular sin cámara de resonancia. Las cuerdas se pulsan con una cuña metálica sobre los mástiles para conseguir la nota y el efecto sonoro deseado, en lugar de pulsar con los dedos, como en una guitarra normal. Y como digo, al igual que una mesita, reposa sobre patas y lleva pedales y palancas para ser manipuladas con los pies y las rodillas para cambiar la afinación mientras se toca una determinada nota. Tiene su origen en la técnica hawaiana slack key, en la que se pisan las cuerdas deslizando un objeto, como un cristal, un peine o el borde posterior de la hoja de un cuchillo, a lo largo del mástil, por encima de los trastes. El slack key influenció profundamente a los bluesmen del sur de los Estados Unidos a principios del siglo pasado. Hoy es un instrumento muy apreciado tanto en el estilo country como en todo el sonido sureño. Contemplad desde primera fila la maestría de nuestro protagonista en directo hace poco tiempo.

Volviendo a nuestro protagonista, Ralph Mooney comenzó tocando en la banda del legendario cantante de country y rockabilly Skeets McDonald, pionero del rock&roll. Más adelante colaboró con la banda de Wynn Stewart durante dos años, siendo considerados los impulsores del denomnado sonido Bakersfield. El sonido Bakersfield surgió en los bares honky tonk del estado de California por los dust bowls o emigrantes de estados sureños como Arkansas, Oklahoma o Texas a mediados de los años 50 como contraposición al sonido Nashville. Mientras tanto colabora con músicos country como Buck Owens, reforzando éxitos como "Foolin’ Around" y "Under Your Spell Again". En 1961 la banda de Wynn Stewart se traslada a Las Vegas y en ella conoce a Merle Haggard, quien se aventura en solitario con su propia banda, de la que Ralph Mooney pasa a formar parte firmando diferentes temas que le consolidan como gran especialista de pedal steel guitar. Entre ellos destaca este "Tonight The Bottle Let Me Down" de Merle Haggard, manejando Ralph Mooney las cuerdas.

A lo largo de su carrera acompaña a las principales figuras del country como Rose Maddox, Jessi Colter, Bobby Austin, Bonnie Owens, Wanda Jackson, Donna Fargo o Skeets McDonald, entre otros. En 1969 se unió al grupo The Waylors de Waylon Jennings, con quienes permaneció hasta principios de los 90. Convertido en un waylor, se mantuvo fiel a la banda durante más de 20 años. En alguna época de vacas flacas en la que los miembros de la banda abandonaron en busca de mejor fortuna, Ralph Mooney continuó al lado de Waylon Jennings a la espera de vientos favorables, que no tardaron en llegar. Os dejo este video en el que Waylon Jennings & The Waylors interpretan "I'll go back to her". Prestad especial atención al maravilloso solo de Ralph Mooney.

Sigue tocando y grabando de forma regular hasta casi el final de su vida. Su última colaboración la realiza en el último trabajo de Marty Stuart, premiado con un Grammy en 2010, “Ghost Train: The Studio B Sessions”, en el que aparece una versión instrumental de "Crazy arms", canción compuesta mano a mano con Chuck Seals. La propia Marty Stuart dijo: “Era mi héroe de música country de toda la vida". Chris Hillman, fundador de The Byrds y The Flying Burrito Brothers ha declarado: “Ralph Mooney era el arquitecto jefe del sonido Bakersfield. Nadie tocaba la Steel como Ralph. Cuando hacía un solo era todo California.” El batería Richie Albright dejó escrito en el box-set “Waylon: Nashville Rebel”: “Era un pionero y un visionario.” Y Shooter Jennings, hijo de Waylon Jennings, opina que “Ralph Mooney era una de las últimas llaves de acceso al sonido Outlaw, y ahora se ha ido para siempre. Gracias a Dios por aquellos álbumes". Desde esta consulta queremos rendir merecido homenaje a Ralph Mooney, ya que quizá sin su aportación el sonido country hubiera sido muy distinto, con el referido tema "Crazy arms", en la versión instrumental que hace en el último trabajo de Marty Stuart. Hasta siempre, amigo.

Bobby Robinson y su vieja tienda de discos

2011-04-10T20:24:00.002+02:00

Tenía pendiente dedicar un post a la figura de Bobby Robinson, uno de esos personajes que pasaron desapercibidos para el gran público pero que sin su aportación, como la de otros muchos, la música negra, tal vez no habría tenido la repercusión global e influencia que desde los años 50 ha tenido en toda la música moderna. Si buscáis datos sobre él en la red aparecerá como productor discográfico. Nació en Carolina del Sur el 16 de abril de 1917, afincándose en Nueva York a principios de los años cuarenta tras servir para el Ejército en Hawaii. Comenzó su actividad musical en 1951 produciendo el tema "Bobby’s boogie", interpretado por la Morris Lane Band. Fue creando diferentes sellos especializados en doo-woop y blues como Enjoy, Fire o Whilin' Disc, entre otros. Produjo a grandes estrellas de la música negra como Lightnin' Hopkins, Elmore James, The Shirelles, Gladys Knight & The Pips o Lee Dorsey. Escuchad a Wilbert Harrison, con quien alcanzó el número uno con "Kansas City", que posteriormente tambén interpretaron The Beatles o Fats Domino.

Sin embargo, y pese a su encomiable labor como productor, en esta consulta quiero destacar su actividad como vendedor de discos en su pequeña tienda de Harlem, fundada en 1946 como Bobby's Record Shop y posteriormente rebautizada como Bobby's Happy House en 2002, tras reabrirla después de una temporada de cierre. La tienda permaneció abierta al público hasta 2008. Era habitual verle en la puerta en los días de buen tiempo en su local, sito en la mítica 125th Street, esquina a Frederick Douglass Boulevard, muy cerquita del Teatro Apollo, el auténtico templo de Harlem. Afable con la gente y feliz por hacer lo que le gustaba, poco a poco se fue convirtiendo en el referente musical en Nueva York en lo que a música negra se refiere. Además, se fue ganando el respeto y el reconocimiento de las nuevas generaciones al convertirse en la década de los setenta en valedor de negros sonidos urbanos como el funk, el rap, el hip hop, como lo fue el blues en su momento, patrocinando los primeros trabajos de raperon neoyorkinos como Doug E. Fresh o Grandmaster Flash & The Furious Five, a quienes podemos escuchar en el tema "Super Rappin Nº 2". El larga duración "Enjoy!", en el que se incluye este tema, fue producido por Bobby Robinson en 1980.

Se deshizo del catálogo vendiéndoselo a Bell Records para dedicarse en cuerpo y alma a su tienda, a su pequeño templo, donde iban anónimos aficionados en busca de algún raro vinilo o simplemente a bucear entre las escasas estanterías tratando de encontrar algún disco especial, a los que atendía gustosamente con sus consejos y su sabiduría musical, o tal vez a ver sus fotos junto a Fats Domino o James Brown. Pese a la oposición de sus fieles clientes Bobby's Happy House cerró definitivamente en 2008, tal vez acuciado por la crisis de las tiendas tradicionales de discos. Bobby Robinson falleció el pasado 7 de enero. Contaba con 93 años. Tal vez ahora estará en el cielo, aconsejando a San Pedro sobre qué sonará en el hilo musical cada día, pinchando viejos temas soul. Desde enero el cielo es un poco más negro, más blues, más soul, más funk...

Gary Moore, que estás en los cielos

2011-04-06T22:33:00.002+02:00

El pasado 6 de febrero me llegó un mensaje al móvil en el que decía: "Gary Moore ha sido encontrado muerto en un hotel de Estepona". No me lo podía creer. La música de Gary Moore me viene acompañando mediados de los 80 como una especie de talismán. Me gustaba en los 80 cuando atronaba su guitarra al frente de Thin Lizzy y me encaminé de su mano hacia el blues al virar la década hacia los 90, descubriéndome un vasto mundo de sentimientos. No sé si de no haber conocido a Gary Moore hubiera profundizado en el estudio y disfrute del blues. Guitarrista de sonido espectacular aunque sobrio sobre el escenario, exprimía sus Gibson Les Paul hasta límites insospechados. Se le puede incluir como legítimo sucesor de aquellos jóvenes rockeros británicos que, deslumbrados por el feeling de los legendarios bluesmen (Muddy Waters, Howlin' Wolf, Sonny Boy Williamson) que desembarcaron en las islas en los 60 a sentar cátedra y marcar el camino de jóvenes talentos como John Mayall, Eric Clapton, Jeff Beck, Keith Richards o Peter Green.

Nació en Belfast (Irlanda del Norte) un 4 de abril de 1952. Su padre regentaba un salón de baile, y desde niño comenzó a aficionarse a la música negra que se bailaba en el local. Con siete años comenzó a interesarse por la guitarra. Mantuvo algún breve escarceo con una primeriza banda llamada The Boys y solo con 16 años ficha por la banda Skid Row, en la que se hallaba al frente poniéndole voz el mítico Phil Lynnott, que prontó dejó el grupo para fundar Thin Lizzy. Gary Moore y su grupo Skid Row comienzan a entrar en el círculo de Fleetwood Mac, de quien pasan a ser teloneros habituales y pasando a grabar con su propia discográfica. Peter Green queda impactado por su talento y se convierte en su mentor, sacandole todo el talento que albergaba en su interior. La influencia y admiración de Gary Moore hacia Peter Green se plasma años más tarde, en 1995, en el disco "Blues fior Greeny" donde reinterpreta once temas de Peter Green con la vieja guitarra del propio Green, sobre la que hay una curiosa historia: Una noche, en el Marquee Club londinense Peter Green le preguntó si quería tomar prestada su guitarra, una maravillosa Gibson Les Paul de 1959 de la que había sido compañero inseparable durante sus etapas como Bluesbreaker y como miembro de Fleetwood Mac. Días después le llamó para ver qué habia decidido, y Gary Moore le respondió que no podía permitírselo. Peter Green le pidió a cambio lo que le dieran por su principal guitarra, una Gibson SG, ya que en 1970 abandonó el mundo de la música y declaró al dinero maldito pasando a dedicarse a la caridad. Veamos a Gary Moore en este corte del DVD "Blues for Greeny live" en el que interpreta "I loved another woman", con unas interesantes imágenes del propio Peter Green, en la que ambos aparecen con la legendaria guitarra.

Volviendo a principios de los 70, publica "Grinding Stone", que se considera su primer trabajo en solitario, ya que lo firma como la Gary Moore Band. Inmediatamente ingresa en Thin Lizzy, sobria banda irlandesa de hard rock liderada por el genial bajista Phil Lynnott, en la que permanecerá con diversas entradas y salidas hasta 1979, cuando inica su carrera en solitario con el disco "Back on the streets", en la que incluye este increíble temazo, "Parisienne walkways", compuesto con Phil Lynott, con quien mantuvo una relación de amor/odio hasta la muerte de Lynott en 1986. Disfrutad de ambos en acción.

Durante la década de los 80 continúa editando discos que le van consolidando como un excelente guitarrista de gran elegancia, derivando hacia un estilo que conserva los más clásicos cánones del rock duro pero mostrando un refinado gusto por los temas melódicos al tiempo que coquetea con raíces celtas, volviendo en 1989 a su orígenes más rockeros en "After the War", con las colaboraciones de Ozzy Osborne y Cozzy Powell. Sin embargo en 1990 con la edición de "Still Got the Blues" da rienda suelta a sus más hondas raíces, recogiendo las influencias de su juventud al lado de Peter Green y se produce su inmersión en el blues, de la mano de Albert King y Albert Collins, que le acompañarán en una exitosa gira. Su consagración definitiva como bluesman se produce con la edición en 1992 de su trabajo "After hours", en la que colaboran nuevamente sus padrinos B.B. King y Albert Collins. En esta ocasión podemos ver una fabuloso duelo de guitarras entre el propio Gary Moore y el gran Albert Collins, interpretando un grandioso mano a mano al son del tema "Too tired".

En 1993 se embarca en una breve aventura denominada BBM, siglas de sus integrantes Jack Bruce al bajo, Ginger Baker a la batería (ambos ex Cream, nada más y nada menos), además del propio Moore a la guitarra. La colaboración fructifica en un espectacular y portentoso disco, "Around the Next Dream", que a mí particularmente me parece grandioso, y una exitosa gira que dejó muy buen sabor de boca. Para ver cómo se las gastaban echad un vistazo a este "White room", en un concierto en Colonia (Alemania) de la gira que realizaron en 1993.

Los 90 continúan adelante oscilando entre el blues, el hard rock e incluso algún experimento con tintes electrónicos sin mucha relevancia, hasta que cruzamos el umbral de la nueva centuria en la que regresa al blues para quedarse, con discos como el revelador "Back to the Blues", "Power of the blues" o el gran "Close as you get" con temas bluseros propios y versiones de Chuck Berry, Sonny Boy Williamson II, John Mayall o Son House. Esta actuación es de 2008 en Belgrado (Serbia), interpretando el clásico "Have you heard" de John Mayall & Bluesbreakers. Talento puro.

Para los que llegamos al blues procedentes de aguas más turbulentas como el heavy metal y el hard rock Gary Moore ha sido, es y será uno de nuestros grandes ídolos. Sin embargos, para los puristas del blues siempre será considerado como un advenedizo con un estilo nada ortodoxo. En cualquier caso es innegable que Gary Moore debe ser reconocido como uno de los más grandes guitarristas de todos los tiempos, y por derecho propio uno de los personajes más representativos del blues británico, independientemente de sus orígenes rockeros y de su personal estilo. Descansa en paz, maestro. Desde aquí seguiremos deleitándonos con un nuevo solo de tu Gibson.

Stormy Mondays: ¡hasta el infinito y más allá!

2011-04-02T13:30:00.016+02:00

Recibo en la consulta la sensacional noticia de que una canción de nuestros amigos Stormy Mondays, "Sunrise Number 1", ha sido elegida entre casi de 1.400 canciones para para despertar a los seis miembros de la tripulación de la misión STS-134 del Endevour, la última antes de que sea retirado de la circulación tras completar 20 misiones desde 1992. Las diez finalistas se escucharán a casi 400 Km. de la Tierra. Habitualmente este privilegio era reservado a familiares y amigos de los astronautas, que enviaban sus temas favoritos. En esta ocasión, y como punto final a la era de los transbordadores la NASA decidió que todo el mundo pudiese elegir estas canciones mediante sus votos a través de la web https://songcontest.nasa.gov/, en la que podéis seguir votando hasta el próximo 19 de abril. Las dos canciones más votadas serán las que escuchen el comandante Mark Kelly, el piloto Greg Johnson, los especialistas de misión, Mike Fincke, Drew Feustel, Greg Chamitoff y el italiano Roberto Vittori en su despertar espacial. Esta tradición de despertar a los astronautas con una canción se remonta a los años 60 con las legendarias misiones del Apollo.

El tema “Sunrise number 1" nos habla de un despertar en el transbordador y los paisajes que se pueden contemplar desde el espacio. Además, es la única canción procedente de un país que no sea los Estados Unidos. Como dice Jorge Otero, el alma de Stormy Mondays, "nos encantaría que todo el mundo nos votara para que un grupo español que hace rock americano sonara en una misión espacial americana Sería nuestra pequeña conquista del espacio”. Nada mejor que disfrutar de este "Sunrise number 1", adaptación "espacial" del magnífico "Weatherman" de su EP "On my radio". Visitad su web http://www.stormymondays.com/ y descargad su música. Seguro que no os defraudará. Os dejo con el video de "Sunrise Number 1" y ¡a volar, amigos!

Eddie Kirkland, el gitano del blues

2011-03-27T20:19:00.004+02:00

El bluesman Eddie Kirkland ha fallecido el pasado 27 de febrero en un accidente de tráfico en la US Highway 48 a la altura de Crystal River (Florida) mientras conducía su Ford Taurus de camino a casa tras actuar en Dunedin (Tampa) y al hacer un cambio de sentido fue embestido por un autobús. Conocido como "El gitano del blues", nació en Jamaica en 1923 pero rápidamente su familia emigró a los Estados Unidos, viviendo en diversos lugares de la geografía norteamericana como Alabama, Georgia o Detroit. Pasó su infancia entre plantaciones de algodón de Alabama. "Ahí es donde comencé a escuchar el blues... Mi primera experiencia con el blues fue cuando yo era un bebé. Mi mamá me llevaba al campo de algodón y me puso al final de una fila en la sombra. Tendrías que haber visto cómo cantaba la gente en esas filas", declaró Eddie Kirkland en 1989.

Su madre le regaló una armónica a los 4 años, y a los 12 ya tocaba la guitarra, demostrando un gran talento musical comenzando a salir de gira con el espectáculo de las Sugar Girls Medicine. Pasó su adolescencia en Indiana y después emigró a Detroit. Fue puliendo su blues hasta que tuvo categoría para poder asomarse a los estudios de grabación. Acompañó a John Lee Hooker durante más de siete años tanto en directo como en estudio durante la década de los 60. También acompañó a otros grandes bluesmen como Otis Reading, King Curtis, Ben E. King, Little Richards, Little Johnnie Taylor o el mismísimo Muddy Waters, junto al que podemos ver en esta actuación en 1978 en el que interpretan el clásico "I just want to make love with you".

En solitario publicó diferentes trabajos, siendo su debut “It’s the Blues Man!” en 1962. En los primeros setenta editó “Front and Center” y “The Devil and Other Blues Demons”. Se retiró aproximadamente durante 12 años, regresando en 1983 con “Have Mercy”. Su último trabajo, “Democrat Blues”, fue editado en 2004. Siguió en plena forma y sobre los escenarios hasta el último día. Rendimos homenaje desde esta consulta a Eddie Kirkland con esta actuación junto a la banda danesa The Wentus Blues Band en 2010. Descansa en paz.

Don Kirshner, el magnate del rock

2011-03-12T20:16:00.005+01:00

Don Kirshner –compositor, editor y productor musical– falleció el 17 de enero, en Florida a los 76 años de edad. Comenzó en el mundillo musical como agente de la cantante Connie Francis a principios de la década de los 50, que llegó a tener cierto renombre. Crea diez años después la agencia Aldon Music, que fichó a los mejores compositores, como Neil Sedaka o Carole King, para que creasen éxitos para grandes intèrpretes, como The Ronettes o The Drifters, formando así un tándem perfecto. La compañía fue comprada por Columbia Records. Aprovechando el fenómeno que en los 60 provocaron The Beatles, Don Kirshner lanzó un grupo paralelo: The Monkees. También eran cuatro, solo que habían nacido en Los Ángeles, y fueron fruto de una especie de "Operación Triunfo" cuyos ganadores protagonizarían una desenfadada serie de televisión al estilo de la película "A hard day's night"de The Beatles. Como curiosidad, solo dos de ellos sabían tocar algún instrumento (Michale Nesmith y Peter Tork). El resto (Davy Jones y Micky Dolenz) fue aprendiendo a medida que iban publicando los dos primeros álbumes. El tercero, "Headquarters", con todo el grupo al 100%, tuvo la fatalidad de que cuando alcanzó el número 1 a la semana siguiente The Beatles publicaron "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" y los desbancaron de lo más alto del podio. Se embarcaron en el proyecto cinematográfico "Head" con Jack Nicholson y Bob Rafelson, para ser protagonizado por ellos mismos pero fue un sonoro batacazo. Don Kirshner les ofreció el tema" Sugar sugar", pero lo rechazaron. El cantante Michael Nesmith abandona la banda por considerarla únicamente un producto y el grupo, reducido a dúo, edita su último trabajo "Changes" en 1970. The Monkees fue realmente un excelente producto musical, con grandes canciones. Nos quedamos con su tema más emblemático, "I'm believer", compuesto por Neil Diamond y producido por nuestro protagonista Don Kirshner.

"Sugar sugar" era una gran canción, graciosa y pegadiza, y tras el no rotundo de The Monkees para interpretarla, Don Kirshner decidió darle el espaldarazo que necesitaba. Creó una banda de dibujos animados, The Archies, que interpretaban rock&roll, y que patrocinaban una marca de cereales. En el reverso de la caja regalaban un disco de acetato con sus canciones. Se bromeaba equiparándoles a The Doors, ya que tampoco tenían bajista. El grupo en la ficción estaba formado por Archie, Carlos, Torombolo, Betty, Verónica y la mascota Rito. Tuvieron gran éxito, y "Sugar sugar" llegó en 1969 al número 1 de Billboard.

En 1972 Crea el programa de televisión "Don Kirshner's rock concert", en el que durante más de 10 años desfilaron las más rutilantes estrellas del rock tocando siempre en directo, como respuesta a la moda de entonces de actuar en playback. Desde ABBA a Stevie Wonder, de Black Sabbath a B.B. King, de Fleetwood Mac a George Harrison. La lista en interminable. De todos los que desfilaron hoy nos quedamos con el grupo norteamericano de rock sureño Allman Brothers. Veámosles en acción en el programa de Don Kirshner en 1973, con el desaparecido Duane Allman al frente interpretando "Done Somebody Wrong ".

Gladys Horton, la voz de The Marvelettes

2011-02-19T16:57:00.003+01:00

Gladys Horton, cofundandora y vocalista solista de The Marvelettes, ha fallecido en California a los 66 años tras sufrir un derrame cerebral en el asilo donde vivía desde hace un año, tras sufrir una apoplejía. Fue criada por padres adoptivos en los suburbios de Detroit, y siendo una adolescente ya sintió la llamada de la música y formó su primero grupo vocal: The Casinyets, nombre tomado de la frase "can't sing yet". Llamó la atención del capo Berry Gordy y su sello Motown, y las fichó, cambiándolas el nombre por The Marvelettes. Fue el primer girl group fichado por la Motown, por lo que se las considera las precursoras de todo un estilo de la época. Debutaron con "Please Mr. Postman" y fueron directas al número 1, en el que se mantuvieron durante 14 semanas. Gladys Horton puso la voz solista en este tema que narra la historia de una chica que solo desea que el cartero le traiga una carta de su novio, que está en la guerra. Como curiosidad cabe apuntar la aportación de un joven Marvin Gaye a la batería. Por si fuera poco, The Beatles lo incluyeron en su segundo álbum "With The Beatles" en 1963 y The Carpenters lo versionaron en 1975. Pero hoy nos quedamos con la genuina interpretación de The Marvelettes con nuestra homenajeada Gladys Horton como solista.

La moda de los girls group se extiende y llegan competidoras como The Ronettes, The Supremes o Martha & The Vandellas . Entretanto, Wanda Young, integrante del grupo, va adquiriendo cada vez más protagonismo hasta que Gladys Horton abandona la banda en 1967 tras quedarse embarazada. Tras su retirada, Smokey Robinson aportó buenas composiciones a The Marvelettes, pero sin su vocalista estrella no consiguieron remontar el vuelo, fracasando incluso en su intento de conquistar el Reino Unido. Ahora, la inconfundible voz de Gladys Horton se ha apagado para siempre.

"Razas", la última obra de David Mamet

2011-02-09T22:51:00.004+01:00

He tenido ocasión de ver en teatro la obra "Razas", último texto del autor chicagüense David Mamet, que se está representando en el Matadero de Madrid bajo la dirección de Juan Carlos Rubio y la interpretación de Toni Cantó, Emilio Buale, Bernabé Rico y Montse Plá. Una sencilla trama en apariencia -un joven millonario blanco es acusado del delito de violación de una chica negra y acude a un bufete interracial para su defensa- da lugar a una serie de reflexiones sobre el racismo existente en la sociedad actual norteamericana y una sutil pero feroz crítica al sistema judicial estadounidense.

Como no podía ser de otra manera, habiendo salido el texto de la pluma de David Mamet, el trasfondo cobra más y más importancia a medida que avanza la representación. De esta forma, Jack y Henry, blanco y negro respectivamente, ambos elegantes jóvenes ex compañeros de la Facultad de Derecho y actualmente amigos y socios de un prestigioso bufete se nos muestran como personalidades contrapuestas que debaten, mientras diseccionan el caso que les ocupa, sobre los pecados capitales de la sociedad americana: el racismo en todas sus vertientes (blancos contra negros, negros contra blancos, negros contra negros y blancos contra blancos), el machismo, la ostentación de la riqueza o la diferencia entre clases. Cuando entra en acción una joven abogada negra recién contratada por el despacho pone las cartas sobre la mesa destapando las miserias humanas que hierven bajo la mesa en la que se discute el enfoque del caso, convirtiéndose en el personaje clave de la obra.

El otro tema que David Mamet saca a colación es el sistema judicial de los Estados Unidos, en el que los abogados son los principales actores de una representación legal ante un juez, el que no importa si el acusado es realmente culpable o inocente, conviertiéndose el tribunal en un mero teatro. Si el acusado puede costearse un buen abogado que pueda tergiversar la realidad con un discurso eficaz e impactante ante el jurado, investigar en el pasado de la otra parte, comprar informes, testigos, pruebas, el acusado será declarado inocente y nuevamente admitido en la sociedad con todos los honores.

David Mamet es para mí uno de los grandes autores contemporáneos. Nació en Chicago hace 63 años y es novelista, ensayista, dramaturgo, guionista y director de cine. Como dramaturgo consiguio el premio Obie al Mejor Dramaturgo por "Sexual perversity in Chicago". "American buffalo", que años después llevaría al cine, fue votada mejor obra del año por el New York Drama Critics Circle. En 1978, recibió el Outer Critics Circle Award por su contribución al teatro americano. El premio Pulitzer le llegó en 1984 por la renombrada "Glengarry Glen Ross", que pudimos ver representada el pasado año por estas fechas en el Teatro Español de Madrid con gran eficacia bajo la dirección del argentino Daniel Veronese por actores de la categoría de Carlos Hipólitos y Gonzalo de Castro, entre otros.

James Foley dirigió sobriamente el guión preparado por David Mamet sobre su propio texto teatral, con un elenco de actores absolutamente galáctico: Alec Baldwin, Jack Lemmon, Kevin Spacey, Al Pacino, Ed Harris o Alan Arkin. Entre la obra teatral y el filme dista muy poco. Parece estar viendo misma obra pero rodada en diferentes planos. En cuanto al guión, no cambia una coma. A muchos nos recuerda la adaptación cinematográfica de la mítica "Doce hombres sin piedad". "Glengarry Glenn Ross" mantiene argumento siempre actual, en el mientras la crisis apremia a una empresa inmobiliaria los directivos, para superarla, proponen a sus cuatro vendedores un competitivo reto: quien menos venda será despedido. Los más bajos instintos de superviviencia aflorarán en función de la personalidad de cada personaje. El espectacular monólogo de Alec Baldwin durante la reunión de ventas es utilizado como apoyo en las más prestigiosas escuelas de negocios de todo el mundo. Merece la pena ver la crueldad con la que se expresa.

Repasando sus trabajos, me doy cuenta de que buena parte de las películas que más aprecio son fruto del guión de David Mamet. Hablo de trabajos como "La cortina de humo" o el espléndido drama jurídico "Veredicto final", por las que en ambas fue nominado al Oscar. Grandes guiones para grandes películas son los de "¿Qué pasó anoche?", "Los intocables de Elliot Ness", "Nunca fuimos ángeles", "Ronin" o "Hannibal", entre muchas otras. Mención especial merece el guión que adaptó para la versión que Bob Rafelson rodó en 1981 de la novela "El cartero siempre llama dos veces", de James M. Cain. Las interpretaciones de Jack Nicholson y Jessica Lange fueron magistrales, dándolo todo. Tanto que se dice que en la famosa escena de amor entre ambos sobre la mesa de la cocina, rebozados en harina, vivieron tan intensamente la escena que hubo sexo real. Lo cierto es que nunca lo sabremos. Como curiosidad, durante la promoción de la película se utilizó el slogan: "Si existiese un undécimo mandamiento, también lo hubieran incumplido" ("If there were an 11th Commandment, They Would Have Broken That, Too."). Recordemos el trailer de "El cartero siempre llama dos veces" mientras encontramos el momento ideal para verla de nuevo.

David Mamet es sin duda uno de los más grandes creadores actuales. También ha hecho el trabajo a la inversa: ha adaptado cuatro obras de Chejov al teatro ("El vint", "El jardín de los cerezos", "Tres hermanas" y "Tío Vania"). Ha escrito obras de teatro infantiles y cuentos, ha compuesto canciones para su esposa la cantante folk Rebeca Pidgeon, ha representado pequeños papeles en la televisión y en el cine, ha escrito innumerables ensayos y artículos periodísticos y es profesor de arte dramático en el Goddard College (donde estudió), en la Chicago University, la Yale School of Drama y la New York University´s Tisch School of The Arts. Hacedme un favor: a David Mamet no le perdáis la pista.

Tom Jones, "Praise and blame": todas las alabanzas y ninguna culpa

2011-01-29T16:07:00.007+01:00

El galés Tom Jones ha firmado sin ningún género de dudas uno de los mejores discos de este año 2010 que nos acaba de dejar: "Praise and blame". Se sumerge en la música espiritual y en las más profundas raíces del blues y el gospel en un viaje infinito hacia el sur norteamericano. La voz de Tom Jones está en un estado excelente a sus 70 años y lo demuestra en cada uno de los 11 cortes del disco. Qué mejor aperitivo que este magnífico "What Good Am I?", escrito de puño y letra por el mismísimo Bob Dylan y publicado en 1989 en su disco "Oh mercy".

Uno de los aspectos que más resaltan de este trabajo es la ciudadísima producción, llevada a cabo por el excelente Ethan Jones tras buenos trabajos con Kings of Leon y Rufus Wainwright, entre otros. El primer single editado lo conforman "What good am I?", que acabamos de desgustar, y este auténtico blues compuesto por Bernard Bessman y John Lee Hooker y editado por este último en 1964 ya convertido en clásico: "Burning hell".

Como nunca llueve a gusto de todos, David Sharpe, presidente de Island Records, tras escuchar este trabajo de Tom Jones lo calificó de "broma de mal gusto". Tal vez esperaba un álbum de canciones discotequeras dirigidas para el público más joven, que llenara las pistas de baile y alcanzara el número 1 de las listas de éxitos. David Sharpe exigió “tirar este proyecto de inmediato" o bien "que le devolvieran el dinero". Finalmente el proyecto siguió adelante, logrando editar una auténtica joya compuesta, además de las versiones de Bob Dylan y John Lee Hooker, por otras tantas de la prematuramente malograda blueswoman Jessie Mae Hemphil, la pionera del gospel Sister Rosetta Tharpe, que le puso compases de rock&roll a las letras evangélicas en los años 30 y 40, los cantantes country Susan Werner y Billy Joe Shaver o el mismísimo padre del gospel Pops Staples, además de cuatro cánticos espirituales tradicionales para cerrar este magnífico disco. Y cerramos este post dedicado al Tigre de Gales con el clásico gospel "Run on", ya versionado en otro tiempo por Wilson Pickett o Elvis Presley. El cover de Tom Jones es demoledor. Sin duda, el tigre sigue rugiendo con más sentimiento que nunca.

Adiós a Billy Taylor, el difusor del jazz

2011-01-15T18:07:00.004+01:00

Billy Taylor, compositor y pianista de jazz, falleció el pasado 28 de diciembre, a los 89 años, a causa de un fallo cardíaco, en Nueva York. Fue uno de los más reconocidos pianistas de la época dorada del jazz, marcando estilo en las vertientes del swing y del be bop. Pasó su infancia en Washington y en cuanto se graduó en sociología en 1942 se trasladó a Nueva York para desarrollar su verdadera vocación tocando el piano en diferentes clubes nocturnos de la ciudad, convirtiéndose en un pianista de reconocido talento llegando a acompañar a gigantes del jazz del prestigio de Charlie Parker o Miles Davis. Entre sus más 300 composiciones destaca por encima de todas por su significado social el gospel "I Wish I Knew How it Would Feel to Be Free", ya que se convirtió en el himno del movimiento por los derechos civiles en los 60. Destaca la versión de Nina Simone, aunque preferimos ofreceros la genuina de Billy Taylor, con Victor Gaskin al contrabajo y Curtis Boyd a la batería.

Otra de las facetas de Billy Taylor fue la difusión del jazz a través de la enseñanza y los medios de comunicación. Fue profesor en la Universidad de Long Island y en la Manhattan School of Music. En 1958 se convierte en director musical del programa de televisión "The subject is jazz", alternándolo con diferentes emisoras de radio, fundando, dirigiendo y presentando el prestigioso programa de "Jazz alive". Ha colaborado con la Fundación Jazzmobile organizando conciertos gratuitos en la calle con músicos de primera fila para recoger fondos para los más necesitados. Fue miembro del Consejo Cultural de Nueva York y asesor del Kennedy Center for the Performing Arts de Washington. En 1975 consigue el doctorado en Educación Musical por la Universidad de Massachusetts Amherst. Entre 1994 y 2002 participó en el Billy Taylor’s Jazz at the Kennedy Center, programa de jazz en directo y entrevistas. Como curiosidad contaros que en 1969 fue el primer director de orquesta negro que apareció en un programa de televisión, The David Frost Show. Que sirva de homenaje esta actuación de 1969 en The David Frost Show junto a dos leyendas del jazz del calibre de Duke Ellington y Willie The Lion. Tres grandiosos pianistas, tres.

Bernie Wilson y el sonido Filadelfia

2011-01-05T16:54:00.003+01:00

Ha fallecido Voorhees (Nueva Jersey) Bernie Wilson, miembro fundador y barítono del legendario grupo de soul Harold Melvin & The Blue Notes víctima de un ataque cardíaco. Contaba con 64 años.

Harold Melvin & The Blue Notes encadenaron una larga y fructífera lista de éxitos durante los 70, encabezando el denominado sonido Filadelfia o Philly sound junto a grandes figuras de los 70 como Isaac Hayes, Barry White, The Delfonics o The O'Jays, entre otros. Este estilo se caracterizaba por interpretar un soul aderezado con grandes arreglos orquestales, un rítmico y característico sonido de cuerdas y una potente sección de viento, dando como resultado un sonido rico y sofisticado. El sonido Filadelfia fue el precursor de la música disco.

Tras varias experiencias previas, en 1972 se refundan como Harold Melvin & The Blue Notes y se encaraman al número 1 con el tema "If You don’t know me by now", masivamente versionado y que en los 80 volvería a ser número 1 en la versión de Simply Red. No obstante, la versión original de Harold Melvin & The Blue Notes me parece excelente y es con la que hoy nos quedamos.

Otros éxitos de su carrera fueron "I miss you", "Bad luck, wake up everybody" y "The love I lost", una de las primeras canciones de la música disco. Con ella hoy rendimos homenaje a Bernie Wilson.

XVI Festival de Gospel y Negro Spirituals de Madrid, espiritualidad, alegría y esperanza.

2010-12-30T15:46:00.005+01:00

Como cada año, se ha celebrado el XVI Festival de Gospel y Negro Spirituals de Madrid en la Sala Guirau del Centro Cultural de la Villa. Como cada año, la Obra Social Caja Madrid nos acerca la espiritualidad, la alegría y la esperanza a través de la música. Como cada año, el cartel que se presenta es excepcional, nunca defrauda. Desde hace siete años no falto a la cita y como cada año parece que este festival me recarga espiritualmente las pilas.

Este año le ha tocado abrir el festival a New Spirit, acompañados de Carolyn Payne como voz solista. Carol Fraizer fundó el conjunto vocal New Spirit en 1999 en plena cuna del gospel, Filadelfia. Está formado por ocho espléndidas voces integradas en la Nueva Iglesia Conventual de Filadelfia. New Spirit se caracterizan por añadir a la música religiosa tintes de jazz y blues, adaptando a su estilo clásicos espirituales de todos los tiempos. La magnífica voz solista de Carolyn Payne estará inmejorablemente acompañada al piano por la directora Carol Fraizer, una de los pocos discípulos directos de la legendaria Mahalia Jackson, a la que rinden tributo.

Este año he tenido la suerte y el acierto de ver en vivo a Robin Brown & The South Carolina Gospel Chorale. Robin Brown dirige a la South Carolina Gospel Chorale, toda una institución en Atlanta. Su presencia es una constante en los eventos corporativos y estatales de Georgia: The Atlanta Arts Festival, The Coca Cola Centennial Celebration, The Annual Martin L. King Birthday Observance, National Black Arts Festival o la Convención Nacional del Partido Demócrata de 1988. En 1991 se forma el conjunto vocal Robin Brown and The Triumphant Delegation. En su primera gira europea participa en el Montreux Jazz Festival y en 1994 hacen una gira por Japón. Son habituales en los festivales de gospel europeos, Desde 2003 actúan ininterrumpidamente en el concierto de Navidad del Vaticano.

The Brotherhood Singers son firmes representantes del gospel vocal más tradicional, inspirándose en The Golden Gate Quartet, The Five Blind Boys o The Soul Stirrers. Proceden de Kentucky, donde comenzaron a cantar en la Iglesia Baptista de la 9th Street de la ciudad de Covington. Aquí les tenemos interpretando el clásico villancico "Silent night", como no podía ser de otra forma, a capella.

También he tenido ocasión de ver de nuevo a Mississipi Mass Choir, uno de los coros mejor considerados en el universo del gospel. Fue fundado en 1988 por Frank Williams y está dirigido por el Reverendo David R. Curry y compuesto por numerosos hombres y mujeres de todas las edades. Ver en directo al Mississipi Mass Choir es tener el privilegio de sentir el gospel en toda su máxima extensión, como en esta interpretación del tema "It's good to know Jesus". Disfrutadlo.

No quiero cerrar este post sin hacer referencia a otro escenario donde también se celebra el Festival de Gospel de Madrid. En La Casa Encendida ha actuado en sendas seiones matinales el Coro de Gospel y Música Moderna de la Universidad Complutense de Madrid. Nació como una extensión de la Big Band de la UCM, y está dirigido por Irene Shams y formado por unos 40 integrantes, entre instrumentos (piano, guitarra, bajo, percusión y batería) y voces, en su mayoría estudiantes de diversas nacionalidades, ex alumnos y personal de la Universidad. Hacen frente a cualquier expresión de gospel, desde el más tradicional hasta el más moderno, en fusión con el soul o los sonidos africanos. No os los perdáis, merecen la pena.

Ya estoy esperando impaciente a que 2011 llegue a su fin para que esta fiesta musical llena de alegría, compartiendo letras, músicas y sobre todo las emociones que transmite el gospel, haciendo de cada concierto una celebración mágica, viva y apasionante. Cada año por estas fechas mi Madrid se vuelve a veces un poco Harlem, a veces un poco Louisiana. En estas fechas más que nunca, que Dios os bendiga, amigos. God bless you, my friends.

Feliz Navidad y... ¡mucho blues!

2010-12-26T21:10:00.004+01:00

Hoy la consulta se abre para desearos que paséis unas felices fiestas cargadas de significado, con la esperanza de que todos los buenos deseos se cumplan. Disfrutad de estos días en la mejor compañía, y para ello os traigo al grandioso B.B. King interpretando el clásico "Merry Chistmas, baby" alumbrando el árbol presidencial en el Mall de Washington D.C. ¡Feliz Navidad! Merry Christmas!

Janis Joplin, la diosa con pies de barro

2010-12-19T16:07:00.004+01:00

Se ha cumplido el 40 aniversario del fallecimiento por sobredosis de heroína de la gran estrella blanca del blues Janis Joplin, y lo ha hecho con gran sigilo por parte de los medios de comunicación. Nació como Janis Lyn Joplin un 19 de enero de 1943 en Port Arthur, Texas. En la adolescencia ya dio muestras de su rebeldía al ser rechazada en el instituto por ser "amiga de los negros", rechazando su discriminación. Fue el gran icono del movimiento hippie, personificando en su espíritu rebelde la contracultura de los años 60. Comenzó a estudiar Bellas Artes en Texas, mientras por las noches cantaba blues y jazz en clubes de Louisiana. En 1963 se trasladó a San Francisco, donde comenzó a coquetear con los factores que marcarían su breve vida: los músicos de la generación beat (entre ellos miembros de Grateful Dead o Jefferson Airplane) y con la droga. Conoció al productor Chet Helms, a la vez manager del grupo Big Brother & The Holding Company, banda a la que se unió y con la que grabó su primer disco y obtuvo cierto éxito. El gran debut culminó con la actuación en el Festival de Monterrey de 1967 junto a primera figuras como Jimi Hendrix, Otis Redding, The Mamas And The Papas o Jefferson Airplane. La actuación fue tan impactante que, como no fue grabada, volvieron a subirse al escenario al día siguiente y conquistaron al público con la versión del gigantesto blues de Big Mama Thornton "Ball and chain".

Fruto de este gran éxito fue su contratación por Albert Grossman, productor de Bob Dylan. En 1968 marchan a Nueva York y se ponen manos a la obra en la grabación de un nuevo disco que estaría en las tiendas en agosto de 1968: "Cheap trills". Fue un auténtico bombazo, disco de oro en tan solo tres días y un millón de copias vendidas en un mes. Los tres singles de álbum fueron "Summertime", "Ball and chain" y "Piece of my heart". Os traigo una actuación de1969 en Frankfurt, donde da rienda suelta a toda su energía y sentimiento al interpretar "Piece of my heart"

Janis Joplin crecía como artista día a día y el grupo se le iba quedando pequeño. Las presiones de Albert Grossman y el deseo de Janis de seguir un estilo más negro, al estilo de sus grandes ídolos como Bessie Smith, Billie Holiday o Aretha Franklin hicieron que poco después de publicar "Cheap trills" abandonase la formación para iniciar su carrera en solitario formando una nueva banda: Kozmic Blues Band. En 1969 edita "I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!", que pese a no ser del todo bien recibido por la crítica sus actuaciones en directo se contaron por rotundos éxitos. En abril de ese mismo año de 1969 y con su disco "Cheap trills" debajo del brazo se plantan en Europa, donde contaron sus actuaciones por éxitos: París, Londres, Frankfurt, Estocolmo... Sin embargo él éxito le dio de lleno en la cara, llegando a declarar que "hacía el amor con 25.000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola...". Se fue refugiando de esa soledad en el alcohol y las drogas. Una de sus más aclamadas actuaciones fue en el Festival de Woodstock el 16 de agosto de 1969, donde interpreta Una de mis canciones favoritas de este álbum: "Try (Just A Little Bit Harder)".

Sumida en una montaña rusa de éxito, depresión, alcohol y drogas decide retirarse temporalmente a descansar, marchando en 1970 a Río de Janeiro a hacer una cura de desintoxicación. Allí se enamora de David Niehouse y recorren la selva brasileña como dos vagabundos hasta que deciden regresar a la casa de Janis Joplin en San Francisco. Albert Grossman le ofrece volver al espectáculo al frente de una nueva banda, la Full Tilt Boogie Band, y el proyecto ilusiona a Janis tanto que decide romper con David Niehouse, y se vuelca en la grabación de su nuevo disco "Pearl". El 4 de octubre de 1970, tras una tarde habitual de grabación de su nuevo disco, fue a divertirse con sus compañeros. Murió a la 1:40 horas por una sobredosis de heroína. Como toda gran estrella de rock, su muerte se vio rodeada de misterio. Se dice que la droga que consumió tenía un 40% de pureza, cuando lo habitual es que no llegue al 2%, y cuando descubrieron su cadáver no había rastro de ninguna jeringuilla.

Mes y medio después de su muerte se publicó "Pearl". El tema instrumental "Buried alive in the Blues" se dejó así, sin la voz de Janis Joplin que quedó sin grabar. Yo me quedo con el tema "Mercedes Benz", cantado a capella, que dejó sin acompañamiento instrumental, como reconocimiento a su voz.

Janis Joplin ha sido, es y será una de las más grandes voces del blues de todos tiempos. Desde la consulta del Dr. Rhino no queremos olvidarnos de ella y espero que este post sirva para mantener vivo su recuerdo, su enérgica voz y su rebelde personalidad. Tras ser incinerada, sus cenizas reposan en libertad en las aguas del océano Pacífico. Como muestra de su generosidad, dejó en su testamento 10.000 dólares para que se hiciera una gran fiesta tras su muerte. Cerramos hoy la consulta con la versión del tema "Summertime", compuesto por George Gerswing para su ópera "Porgy and Bess". En ella, Janis Joplin hace una interpretación escalofriante durante las sesiones de grabación de "Cheap trills", en la que se introduce en el personaje de la propia Bess de la ópera, cuando en el tercer acto canta al bebé de Clara, que ha desaparecido en busca de su esposo, un pescador que ha naufragado en una tormenta. Brindaremos por ti, para que no desaparezcas nunca, diosa con pies de barro.

Mavis Staples, una señora del blues

2010-12-08T13:51:00.004+01:00

Casi siempre la consulta se llena de grandes personajes que lamentablemente nos acaban de dejar, pero en esta ocasión eso no es así. Hoy nuestra consulta se llena de alegría por recibir a la gran blueswoman Mavis Staples, que trae debajo del brazo a sus 70 años llenos de vitalidad un nuevo disco recién salido del horno, calentito y crujiente: "You are not alone". Producido por Jeff Tweedy, el alma mater de Wilco, los grandes renovadores de la música americana, "You are not alone" es un delicioso paseo por el sur de los Estados Unidos repleto de blues, soul y gospel. Acompañada por su banda habitual desde hace tres años, con el guitarrista Rick Holmstrom al frente, recrean canciones clásicas del sur norteamericano y de autores imprescindibles como Randy Newman, Allen Toussaint, el legendario Little Milton, el propio Jeff Tweedy o el mismísimo rey del gospel Pops Staples, su propio padre. Id abriendo boca con este "Wrote A Song For Everyone" del gran John Fogerty en una magnífica versión en directo, con Jeff Tweedy a la guitarra.

Mavis Staples nació en Chicago en 1940, y desde 1951 formó parte de The Staple Singers junto a su padre Pops Staples y sus hermanos Pervis, Yvonne y Cleotha, hasta que en 1969 inicia su carrera en solitario. En 1970 publica un disco absolutamente imprescindible: "Only for the lonely". Colaboró con Curtis Mayfield en 1979 y en 1984 con Holland-Dozier-Holland, equipo de compositores y productores musicales formado por Lamont Dozier y por los hermanos Brian Holland y Edward Holland, Jr. El trío es responsable, en gran medida, del éxito en la década de los 60 del estilo conocido como Motown sound. Tras unos años de retiro, Mavis Staples volvió en 2004 con fuerzas renovadas con el trabajo "Have a little field", iniciando así una nueva etapa de éxito coronada con el disco que hoy nos ocupa. Os propongo esta versión acústica del "You Are Not Alone", el tema que titula al disco. Escrita por Jeff Tweedy, es una canción muy personal para Mavis Staples, quien declaró que se le escaparon algunas lágrimas cuando la cantó por primera vez. El destinatario de esta canción para Mavis es su padre, Pops Staples, al cual tenía en mente cuando pronunciaba las emotivas palabras que suenan en la canción y que hoy presiden vuestro blog.

No me resisto a dedicar un post a Mavis Staples y no recordar alguno de sus clásicos. Entre ellos me quedo con esta interpretación del inmenso y escalofriante blues "See That My Grave Is Kept Clean", grabado por primera vez en 1927 por Blind Lemon Jefferson. Como paradójica curiosidad, se desconocía donde descansaban sus restos hasta que en 1967 se descubrió su tumba, ya que el cementario se encontraba en un estado lamentable. Obtuvo la consideración de monumento oficial de Texas en 1997. Un grupo de amantes del blues costeó la colocación de una nueva lapida con la siguiente inscripción: Lemon Jefferson September 1893 - December 1929 "Lord it's one kind favor I'll ask of you, / See that my grave is kept clean" (Señor es solo un amable favor que te pido, / Cuida que mi tumba se mantenga limpia). Esperemos que así sea de ahora en adelante. Pero volviendo a nuestra protagonista, os recomiendo esta actuación grabada bajo la dirección de Anthony Fuqua y producida por Martin Scorsese como un capítulo más de su serie "Martin Scorsese presents the blues", ambos viejos amigos de nuestra consulta. Podéis encontrarlo en formato DVD con el título "A salute to the blues: lightnin' in a bottle". Todo un repaso a la historia del blues en un concierto memorable celebrado en febrero de 2003. Y como muestra un botón: con todos vosotros, Mavis Staples, toda una señora del blues.

Hasta siempre, Solomon Burke

2010-11-01T17:37:00.004+01:00

Nos desayunamos con la triste noticia del fallecimiento de Solomon Burke en el aeropuerto de Schiphol (Amsterdam) de forma repentina. Se dirigía a la capital holandesa para actuar en el famoso Club Paradiso. Solomon Burke es uno de los habituales en la consulta, y de los artistas a los que guardo más cariño por la grandeza y la cercanía que nos demostró en el Festival de Jazz de Villalba (Viajazz) de 2003 en un concierto memorable.

Solomon Burke nació en Filadelfia en 1940 en el seno de una familia profundamente religiosa. Desde joven tuvo dos vocaciones: la religión y la música. En cuanto al área espiritual, desde muy joven fue el director de su propia congragación The House of God for All People. A través de la religión desembarcó en el mundo musical, para grabar un disco de gospel en 1956. Cuatro años después lo fichó Jerry Wexler, director del sello Atlantic Records. Da una vuelta de tuerca al soul tradicional dando paso al soul moderno, con un alto componente de gospel tradicional y yendo un paso por delante de los bluesmen clásicos del momento. Consiguió notables éxitos como "Just out of my reach (of my two open arms)" o "Got to get you off my mind". En 1964 escribe y edita la archiconocida "Everybody Needs Somebody To Love". Pese a ser llevada al número 1 por artistas como The Rolling Stones, Wilson Pickett o formando parte de la banda sonora de "The Blues Brothers", quiero que hoy nos quedemos con la versión original de este gran clásico, interpretada por su autor: Solomon Burke.

Aunque obtuvo un gran reconocimiento entre la crítica, nunca llegó a ser considerado una primera figura de la popularidad de James Brown o Sam Cooke. Esto fue tan cierto como que pasó desapercibido hasta 2002, en que publica el extraordinario trabajo "Don't Give Up On Me", en el que interpreta temas de Bob Dylan, Brian Wilson, Van Morrison, Elvis Costello y Tom Waits de forma absolutamente magistral. A partir de aquí comienza, aunque tarde, un despegue espectacular en todo el mundo. Fue considerado mejor disco de 2002, según la revista Mojo y consiguió un Grammy. La gira de ese trabajo fue la que lo trajo a España por primera vez en 2003, en el Festival Víajazz de Villalba (Madrid) y en Barcelona.

A partir de aquí comienza un sin parar de discos y giras mundiales hasta su muerte. Como curiosidad os puedo contar que fue padre de 21 hijos (14 hijas y 7 hijos), tuvo 90 nietos y 20 biznietos. Respecto de su actividad religiosa, llegó a tener el reconocimiento de los papas Juan Pablo II y Benedicto XVI, que lo invitaron a importantes celebraciones religiosas en el Vaticano. No obstante y como prueba de su poca ortodoxia leed estas declaraciones al diario El País con motivo de la publicación para Chess Records del disco "Music to make love by": "Queríamos un disco para acompañar momentos íntimos. Así que llevamos parejas al estudio para que hicieran el amor y ajustamos el tempo de los temas a sus ritmos sexuales: que nadie dijera que mi elepé no servía para lo que anunciaba. El sexo es una parte maravillosa de la vida y deseo que todos, sean o no miembros de mi Iglesia, sepan disfrutarlo. Ya sé que la Iglesia católica no piensa como yo, pero debería replanteárselo". Genio y figura. Para despedirnos de este impresionante soulman de más de 200 Kg. de peso, lo que le obligaba a cantar sentado en un sillón estilo rococó, os dejo con la escena del seductor baile de la película "Dirty Dancing" en la que se utiliza como banda sonora su canción "Cry to me". Te lloraremos, Solomon Burke, pero sobre todo te seguiremos escuchando.

40 años sin Jimi Hendrix (2ª parte)

2010-10-23T16:57:00.005+02:00

Dejamos a la Jimi Hendrix Experience en 1967 en plena cima de su carrera. Tras Monterrey se comienza a preparar un nuevo disco: "Bold as love", más cercano al funk y al rythm&blues que los anteriores. Hay varias anécdotas que acompañaron la gestación de este trabajo. Hendrix olvidó en un taxi la cinta de las grabaciones, ya preparadas para ser entregadas para editar los vinilos. Estas grabaciones no se pudieron recuperar. La cara A completa se volvió a mezclar a partir de los multitracks del bajo, y a toda prisa en una sola noche. También se encargó la portada a un estudio de diseño gráfico británico para que trabajara sobre los orígenes étnicos de Hendrix como piel roja de norteamérica. Hubo un malentendido y Hendrix, Redding y Mitchell acabaron disfrazados de las deidades hindúes Durga y Visnú. Todo un despropósito. No obstante, la banda continuó girando con éxito hasta que Jimi Hendrix es detenido en Estocolmo en 1968 tras destrozar la habitación del hotel después de una noche de drogas y alcohol. Vamos a disfrutar de una de las mejores canciones de este álbum y del propio Hendrix. "Little wing" fue compuesta por Jimi Hendrix en 1967, y ha sido versionada por numerosos artistas como Derek and the Dominos, Stevie Ray Vaughan, Sting, John Mayer o Pappo, entre muchos otros.

Para afrontar el nuevo disco, el doble "Electric ladyland", Jimi Hendrix se encuentra con la dimisión del productor Chas Chandler por diferentes motivos. Uno de ellos fue la diferente manera de estructurar el disco, ya que Chandler quería canciones estándar de cuatro minutos como máximo, mientras que Hendrix prefería largas jam sessions cargadas de improvisación en las que dar rienda suelta a su creatividad psicodélica. Esto hizo que dejase gran material sin editar, grabando hasta 43 versiones diferentes del "Gipsy Eyes". Además, se añadieron músicos adicionales como el teclista Al Kooper, el amigo de nuestra consulta Buddy Miles como batería o Jack Casady, bajista de The Jefferson Airplane y Steve Winwood de los Traffic. Los incidentes se multiplican con cualquiera que está al lado de Hendrix, especialmente con el bajista Noel Redding, llegando éste incluso a abandonar la grabación. Al regresar se encontró con que la parte correspondiente a su instrumento ya había sido grabada por Jimi Hendrix. Así comienza a resquebrajarse la Jimi Hendrix Experience, siendo su última actuación el 24 de febrero de 1969 en el Royal Albert Hall de Londres. Al día siguiente se anunció la disolución de la banda. No os perdáis este "Fire", con un Hendrix pletórico, en aquella memorable noche londinense. Lamentablemente todas la imágenes de este concierto han sido retiradas de Youtube por solicitud de la Experience Hendrix, L.L.C., empresa que junto a Sony gestionan la explotación de los derechos de la obra de Jimi Hendrix. De momento nos tendremos que conformar con escuchar su música.

El Festival de Woodstock de 1969 fue la gran expresión de movimiento pacifista flower power, y la actuación de Hendrix se convirtió en el gran símbolo del festival para la posteridad, sirviendo de cierre al macroconcierto, después de tres días de paz, amor y música. Tras la torrencial lluvia caída durante el día anterior mientras actuaban Grateful Dead, Hendrix actuó ante unos 180.000 exhaustos espectadores. Fue presentado por el speaker como Jimi Hendrix Experience,pero fue inmediatamente corregido por nuestro protagonista autopresentándose como Gispy Sun And Rainbows. Ha quedado para la historia su interpretación del "The star-spangled banner", el himno de los Estados Unidos de América, arrancando salvajes notas de su guitarra mientras los sonidos se mezclaban con sirenas antiaéreas y bombardeos de los B52 sobre Vietnam. Y todo esto en plena guerra de Vietnam. Jimi Hendrix manifestó que no le interesaba la política. Sacad cada uno vuestras propias impresiones.

La noche del 17 de septiembre de 1970 se celebró una fiesta en Londres a la que acudió Jimi Hendrix. En algún momento su novia Monika Dannemannn le llevó a su suite en el Hotel Samarkand. A la mañana siguiente apareció muerto, asfixiado por su propio vómito, tras una ingesta brutal de alcohol y drogas. Jimi Hendrix se convierte en un mito. En el año 2000 se inaugura el Experience Music Project en Seattle, espacio diseñado por el arquitecto Frank Gehry, cuyas formas onduladas se inspiran en la guitarra Fender Stratocaster de Hendrix. No solo es un museo, dedicado en su mayor parte a la figura de Jimi Hendrix, sino un lugar de creatividad musical. Si vais por allí, no dejéis de visitarlo, y rendid homenaje a uno de los más grandes guitarristas de todos los tiempos.

40 años sin Jimi Hendrix (1ª parte)

2010-10-10T15:58:00.003+02:00

El 18 de septiembre se ha cumplido el 40 aniversario de la muerte de Jimi Hendrix, que aunque cuenta con los más fervientes admiradores y los más recalcitrantes detractores, como sobre gustos hay colores, debe ser considerado como uno de los más innovadores e influyentes guitarristas de todos los tiempos. Y eso sí que es innegable. Jimi Hendrix no estudió teoría musical, pero con la práctica logró sacar de su guitarra un sonido hipnótico, completamente diferente a lo que se había escuchado hasta entonces, en plena expansión del sonido electrificado de la guitarra a finales de los 60, con grandes maestros en pleno auge como Eric Clapton, Jimmy Page, B.B. King o Chuck Berry. Se decía que su guitarra se había convertido en una prolongación de su propio cuerpo.

Conocido por todos como Jimi Hendrix, nació como John Allen Hendrix en el King County Hospital de Seattle el 27 de noviembre de 1942. Inmediatamente le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix, en recuerdo de su tío fallecido, Leon Marshall Hendrix. Fue conocido entre sus familiares y amigos más allegados como Buster. Vivió su infancia en casa de su abuela en los suburbios de Seattle tras el divorcio de sus padres. Un amigo de su padre le consiguió una guitarra por 5 dólares, comenzando a tocar de oído escuchando a los grandes del blues de los 50. En 1958 su padre le compra una guitarra eléctrica sin amplificador, con la que empieza a dejarse ver en bandas locales, hasta que por problemas con la justicia se ve obligado a elegir entre entrar en prisión o alistarse en el ejército, decidiéndose por esta última opción. Como se veía venir, no se adapta a la rígida vida militar y se declara homosexual, con lo que tras varias visitas al psicólogo obtiene la baja militar.

A su regreso a la vida civil se asienta en Clarksville (Tennessee) y monta con su amigo Billy Cox el grupo The King Casuals. Se trasladan a Nashville y se dedican a actuar en todos los locales de Jeffeson Street, hervidero del ryhtm&blues en Nashville. Pasa unos cuantos años actuando bien con The Kings Cox o como guitarrista de bluesmen como Slim Harpo, Sam Cooke o Jackie Wilson, en el denominado chitlin' circuit. Se conocía como chitlin' circuit aquellos locales dispersos por la geografía de los Estados Unidos en los que los artistas negros que actuaban en ellos podían hacerlo libremente, como por ejemplo el célebre The Cotton Club o el Apollo Theatre de Harlem. Fue considerada la gran cantera de talentos desde los años 30, de la que salieron genios como Otis Redding, Tina Turner, George Benson, The Isley Brothers, Ray Charles o Duke Ellington. El nombre chitlin' procede de chitterlings, un guiso a base de intestinos de cerdo, plato habitual en la soul food o cocina tradicional de la comunidad afroamericana.

Huyendo del clima racista existente en el sur de los Estados Unidos en los 60 y concluido su período de aprendizaje, decide irse a Nueva York, y en 1964 se establece en pleno Harlem. Conoce a los idénticos gemelos Arthur y Albert Allen, conocidos artísticamente como Taharqa y Tunde-Ra Aleem. Forman con Jimi Hendrix el grupo The Guetto Fighters, con Taharqa a los teclados y Tunde-Ra junto con Jimi a las guitarras. También conoce a la que será su novia Lithofayne "Fayne" Pridgeon, que le introducirá en el mundillo musical de Harlem. Como ya comentamos hace poco en esta consulta, es reclutado por The Isley Brothers en 1964, con quienes graba "Testify", todo un éxito.

Entre 1964 y 1966 Jimi Hendrix pasa de una banda a otra continuamente de tour en tour por toda norteamérica, acumulando una gran experiencia. En 1966 conoce a Linda Keith, entonces novia de Keith Richards, y se hacen buenos amigos. Linda le presenta a Andrew Loog Oldham, manager de The Rolling Stones, pero no se lleva una buena imagen de Hendrix. No obstante, Linda cree en Hendrix y le presenta más tarde a Chas Chandler, bajista de The Animals, que le encarga una versión del "Hey Joe", legendario blues de Billy Roberts. El cover que le presenta Jimi Hendrix le entusiasma y deciden montar un grupo bajo el modelo de power trio, muy en auge en aquellos años, como por ejemplo Cream. El power trio lo conforman Jimi Hendrix a la guitarra, el guitarrista Noel Redding al bajo y Mitch Mitchell a la batería. La Jimi Hendrix Experience acababa de nacer.

La Jimi Hendrix Experience fue un bombazo, con el gran éxito "Hey Joe", al que siguieron "Purple Haze" y "The Wind Cries Mary". En 1967 su trabajo "Are you experienced?" llegó al número 2 en Inglaterra, por detrás del "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles. El desembarco en América estaba preparado. Paul McCartney les invita al Monterrey Pop Festival el 16, 17 y 18 de junio de 1967 y no dejan escapar la oportunidad desplegando una gran exhibición absolutamente salvaje durante los 40 minutos de su actuación, quedando además inmortalizadas en un documental. Jimi Hendrix exprimió su Fender Stratocaster hasta límites impensables, escenificando escenas sexuales, utilizando sus dientes como púa, tocándola en la espalda, acercándola al amplificador para distorsionar el sonido mediante estridentes acoples... Para terminar el show roció su guitarra con gas líquido del que utiliza para los mecheros y la prendió fuego en pleno éxtasis, destrozándola a continuación. Los restos de la guitarra se recuperaron y están expuestos en el Experience Music Project de Seattle. No os perdáis la actuación en su momento culminante. Uno de los iconos de la historia del rock.

"King" Coleman, descansa en paz

2010-10-03T10:55:00.003+02:00

El 11 de septiembre ha fallecido en Miami Carlton "King" Coleman, uno de los primeros en unificar ritmo y blues en una canción allá en los años 50, a causa de una insuficiencia cardíaca. Contaba con 78 años de edad y comenzó en el mundo de la música como disc jockey en diferentes radio stations de Tampa y Miami, llegando a ser uno de los DJ's más conocidos de Florida. En 1959 grabó su gran éxito "(Do The) Mashed potatoes" acompañado por la banda del gran James Brown. A este gran éxito le siguieron otros como "Mashed potato man" y este "The boo boo song" que os invito a escuchar.

También acompañó a artistas del calibre de B.B. King y Jackie Wilson. En 2003 se edito un álbum retrospectivo de sus innumerables singles publicados llamado "It's dance time". En 2005 realizó un tour por la costa este de los Estado Unidos. Volviendo a sus orígenes como disc jockey, estuvo emitiendo un programa de radio nocturno de 6 horas de duración titulado "Nothing But Love", dedicado al gospel. También hizo sus pinitos como actor en series y programas de televisión. "King" Coleman es el padre del prestigioso baterista Tony Coleman, que acompañó habitualmente a B.B.King.

Tam White, el escocés de la voz de terciopelo

2010-09-26T20:07:00.005+02:00

El bluesman escocés Tam White murió el pasado 21 de junio, a los 68 años, tras sufrir un colapso mientras hacía sus ejercicios habituales de gimnasia. Su voz se caracterizaba por ser suave como el terciopelo, templada como el whisky de malta de su tierra. Su verdadero nombre era Thomas Bennet Sim y nació el 12 de julio de 1942. Hijo de un camionero y una limpiadora, empezó muy joven, desde los 15 años, a trabajar como cantero hasta que a los 18 años escuchó a Ray Charles cantando "What’d I say" y decidió que su vida estaría dedicada a cantar rythm&blues. Comenzó participando en algún grupo del movimiento beat y haciendo versiones skiffle de canciones de Buddy Holly. Formó parte del grupo The Boston Dexters, con quienes firmó su primer contrato con EMI en 1964. Más tarde creo The Buzz, con quienes consiguió cierto éxito con el tema "Holding Me Down".

Inicia su carrera en solitario, editando varios singles con el sello Decca, que pretendía hacer de él el nuevo Tom Jones. También editó un disco folk para el sello Middle Earth. En los 70 presentó un programa de variedades en la televisión escocesa. Se retiró para volver a su oficio de cantero, aunque volvió por sus fueros poco después al protagonizar el programa "New Faces", una especie de "Operación Triunfo" de los 70. A principios de los 80 volvió con los The Boston Dexters, ganando poco a poco una merecida reputación como blues singer. Formó parte del grupo Bad Company junto al bajista Boz Burrell y el armonicista Fraser Speirs, además de convertirse en músico residente del Ronnie Scott's Jazz Club de Londres. Esta es una actuación de Tam White junto a Boz Burrell en el Festival de Blues de Edimburgo de 2000, interpretando el tema "I can't help myself" acompañados del grupo The Groove Connection.

Tuvo diversas apariciones como actor tanto en la televisión como en el cine, con papeles secundarios en "Piratas del Caribe" o en "Braveheart", como jefe del clan McGregor. No pasará como uno de los grandes bluesman de la historia, pero sus enormes bigotazos y su suave voz como pétalos de rosa permanecerá en el recuerdo de quienes hemos disfrutado con su música. Descansa en paz, escocés.

"Let it be" cumple 40 años

2010-09-19T10:29:00.005+02:00

Se ha cumplido el 40 aniversario de la edición de "Let it be", último LP editado por The Beatles, aunque no grabado, ya que la última vez que entraron en un estudio de grabación fue con "Abbey road". La grabación fue un auténtico infierno, llegando las divergencias entre los miembros del grupo a ser insalvables. Viendo que la situación en los últimos años se hacía insostenible -recordemos que desde 1966 no tocaban en directo- McCartney decidió preparar nuevas canciones especialmente pensadas para el directo, volviendo a los orígenes del grupo: el rock&roll. Por eso inicialmente el proyecto se denominó "Get Back". La gestación del disco fue filmada por el director Michael Lindsay-Hogg, que elaboró un gran trabajo documental en el que quedaban patentes las graves desavenencias entre los cuatro de Liverpool durante los ensayos.

Para conmemorarlo se ha celebrado el pasado 8 de mayo un concierto en el tejado del Círculo de Bellas Artes de Madrid rindiendo tributo diversos músicos a la última obra editada de The Beatles. Pájaro Sunrise, Amaral, Vetusta Morla, Coque Malla, Lovely Luna, Russian Red, Havalina, Tulsa y Miss Caffeina versionaron la canciones del disco. Merece la pena la versión que hizo Coque Malla a golpe de guitarra del rock&roll "One after 909".

"Let it be" se trata de un álbum controvertido desde su concepción: una vez que dejaron de tocar en vivo en 1966 por la imposibilidad de plasmar su música en el escenario, los Beatles se propusieron grabar un álbum para tocar un último concierto en vivo, tal vez en un barco o en un lugar público. Por tanto, las sesiones de grabación del disco (que por aquel entonces se llamaba "Get Back", aludiendo al regresar a las raíces rocanroleras del grupo) comenzaron a ser filmadas, en 1969, por el cineasta Michael Lindsay-Hogg. Los ensayos fueron tensos, con constantes discusiones entre los miembros del grupo, que desde sus discos anteriores denotaban una convivencia cada vez peor y más hostil entre ellos. Lennon, con su inseparable Yoko y todo el día colocado, al pasar por su etapa más intensa de adicción a las drogas, no mostraba la más mínima inquietud musical ni interés por el proyecto. George Harrison, cuyo prestigio como músico y compositor iba creciendo progresivamente, se sentía menospreciado por el resto de los miembros del grupo, llegando a marcharse en pleno trabajo, manifestando que dejaba el grupo. Volvió con la condición de que participara en las sesiones Billy Preston al piano. Ringo, como siempre, a su bola, con lo que quedaba Paul McCartney para tirar del carro, en plenitud creativa. Este es el trailer de la película documental que recogió todo el proceso de creación del álbum, yque fue premiada con Oscar a la mejor banda sonora (mejor adaptación musical) en 1970 por la canción "Let it be". Solo Paul McCartney acudió a recoger el premio.

Hubo muchas ideas, cada cual más excéntrica, sobre dónde celebrar el concierto de presentación, pero al final triunfó la más loca e improvisada: subir los equipos a la azotea de los estudios Apple donde estaban trabajando en los ensayos y el 30 de enero de 1969 sobre las 13:00 h. dieron el último concierto de su carrera, que duró 42 minutos. Finalizó cuando la policía clausuró la actuación por las quejas de los comerciantes de la zona por el ruido. Vivir para ver. Algunas de estas canciones se incluyeron en el disco "Let it be". Al día siguiente se grabaron en el estudio "Let it be" y "For you blue", quedando el trabajo terminado. Merece la pena ver el video de "I've Got a Feeling" y "One After 909", aderezado con entrevistas a pie de calle a los sorprendidos viandantes.

Con el trabajo terminado, The Beatles deciden grabar el que sería el álbum de despedida: "Abbey road", con lo que las cintas quedan almacenadas hasta que John Lennon decide rescatarlas y solicita que Phil Spector lo produzca. "Let it be" es el único disco de The Beatles que no fue producido por George Martin, decisión que fue criticada por el resto, especialmente por Paul McCartney, ya que Spector aplicó su llamado "muro de sonido", sus característicos arreglos orquestales, perdiendo el gusto rockero que se perseguía en un principio. También se cambió el título original por el de "Let it be". Al publicarse, se anunció la separación del grupo. El documental, titulado también "Let it be", consiguió el Oscar a la mejor banda sonora, que como ya hemos dicho, fue recogido por Paul McCartney. Años más tarde, en 2003, Paul McCartney publicó "Let it be... naked", las canciones del disco tal y como fueron concebidas, sin la producción posterior de Phil Spector. Esta es una buena muestra.

El wáter de John Lennon, a subasta

2010-09-11T20:02:00.004+02:00

Siguiendo con subastas curiosas, en la 33ª edición de la Beatles Convention, que se celebra anualmente en Liverpool se va a subastar nada más y nada menos que una taza de wáter perteneciente a John Lennon, con lo que la moda de subastar cosas raras de grandes leyendas de la música parece que tiene éxito. El inodoro estuvo en la casa de Tittenhurst Park, en Berkshire, en donde John Lennon escribió la célebre carta a Paul McCarney en la se quejaba del trato que sus compañeros le habían dado a Yoko Ono, y en la que reprocha a Paul su actitud un tanto altanera diciéndole: "¿Realmente piensas que la mayoría del arte actual existe gracias a Los Beatles? No puedo creer que estés así de loco. ¿No dijimos siempre que éramos parte de un movimiento y no el movimiento en sí?". Volviendo al wáter que nos ocupa, Lennon le regaló el inodoro al constructor John Hancock para que lo utilizase como maceta. Así ha permanecido durante más de 40 años, hasta que al fallecer John Hancock, su familia ha decidido subastarlo esperando alcanzar un precio entre 750 y 1.000 libras. No obstante, el objeto por el que se espera obtener una mayor cotización, unas 2.500 libras, es una edidión en sonido mono del "Two virgins", de John Lennon y Yoko Ono, del que apenas existen ejemplares.

"Two virgins" fue el álbum de debut de la pareja, que sinceramente a mí me parece un auténtico tostón, basado en la creatividad alternativa y experimental un tanto incomprensible de Yoko Ono y desechando el innegable talento de John Lennon. Cabe destacar la portada, con una foto de la pareja en la que aparecen abrazados y desnudos. La foto fue tomada por ellos mismos con el disparador automático de la cámara. El disco se vendía con una funda de papel marrón con un recorte en la que solo se veían las caras de John y Yoko. En la parte trasera aparecía el pasaje del Génesis 2:25: "Estaban los dos desnudos, el hombre y su mujer, sin avergonzarse uno de otro".

Al cierre del presente post llega a la consulta la noticia de que finalmente el wáter ha sido subastado por 9.500 libras, casi 12.000 € al cambio. Nada más y nada menos que diez veces lo previsto. ¡Que lo disfrute su nuevo propietario!

Elvis Presley y la macabra subasta

2010-08-29T16:52:00.003+02:00

Coincidiendo con el 33 aniversario del fallecimiento de Elvis Presley recibo en la consulta una curiosa noticia: los utensilios utilizados en la autopsia y posterior embalsamamiento del cadáver del rey del rock iban a subastarse el 12 de agosto. La noticia fue anunciada por la empresa de subastas Leslie Hindman, de Chicago. Recordemos que Elvis Presley murió el 16 de agosto de 1977 tras ingerir un cóctel de diversos fármacos. Al día siguiente, el cuerpo de Elvis fue embalsamado y preparado para un velatorio privado.

El embalsamador jefe de la Memphis Funeral Home, de Tennessee, guardó los utensilios tras realizar su trabajo. "El encargado de la funeraria, mantuvo la etiqueta y los instrumentos, junto con el reporte de la habitación, la hoja del caso, las etiquetas de la limpieza, el colgador del traje y corbata del cantante y la factura del envío del ataúd, que están bajo el nombre de Elvis Presley", dijo Mary Williams, portavoz de Leslie Hindman Inc. Los instrumentos sacados a subasta son guantes de goma, fórceps, cepillos para labios, un peine, un delineador de ojos, jeringas, agujas, un tubo arterial y ganchos utilizados en la preparación del cuerpo. En la más absoluta tradición americana, se le maquilló el rostro, fue vestido con un traje y se le tiñó el cabello de negro, ya que en aquella época Elvis comenzaba a tener canas. Los objetos se agruparon en dos lotes se esparaba obtener en total unos 14 mil dólares.

Días más tarde de anunciarse la subasta, Mary Williams anunció que los elementos habían sido retirados de la subasta por dudas sobre la propiedad de dichos objetos. "Debido a dudas sobre propiedad, el embalsamador retirado decidió entregar los objetos a la Memphis Funeral Home y su compañía matriz, Service Corporation International, con la intención de hacer una donación", dijo la propia Mary Williams en un comunicado. El presidente de Memphis Funeral Home, E.C. Daves, también dijo al diario The Commercial Appeal de Tennessee que "no existe una forma exacta para determinar si los artículos que estaban siendo ofrecidos era auténticos", ya que otro empleado de la funeraria ha declarado que el instrumental fue esterilizado, volviéndose a utilizar posteriormente para otros trabajos.

Los artículos de memorabilia de Elvis Presley siguen teniendo gran demanda, ya que sus seguidores se caracterizan por ser muy fetichistas. Por ejemplo, el año pasado se subastó un mechón de su pelo por 18.300 dólares. 33 años después de su muerte Elvis Presley es uno de los artistas muertos que más dinero sigue generando. En 2009 facturó 53 millones de dólares, nada más y nada menos, según la revista Forbes. Os propongo homenajearle con el video de su última actuación el 26 de junio de 1977 en el ya demolido Market Square Arena de Indianapolis y con la última canción que interpretó: "Can't Help Falling In Love". Esta canción fue compuesta en 1961 por George David Weiss, Hugo Peretti, y Luigi Creatore para la película "Blue Hawaii", interpretada por Elvis Presley. Está inspirada en la canción "Plaisir d'amour", de Jean Paul Egide Martini. Elvis, el rey de rock, sigue vivo. Nunca le olvidaremos.

El Hondarribia Blues Festival, una cita inexcusable

2010-08-26T23:08:00.003+02:00

Aprovechando una visita a la noble Donostia he pasado por Hondarribia, donde se ha celebrado la V edición del Hondarribia Blues Festival, ya convertido en cita inexcusable del blues mundial durante los cuatro días de cartel, del 8 al 11 de julio. Además se ha celebrado la 2010 European Blues Conference, lugar de encuentro de los profesionales del blues para poner en común negocios, proyectos, conferencias y discusiones sobre el estado actual y proyectos de futuro del blues. El cartel será difícil de igualar en futuras ediciones, con una columna vertebral sostenida por tres grandes figuras del blues con un Grammy en su haber como Pinetop Perkins, Magic Slim y el gran Solomon Burke. Cerrarán el festival unos asiduos en nuestra consulta: los gallegos Los Reyes del K.O. Entre medias, conciertos pedagógicos para niños, la proyección de la magnífica película “Cadillac Records” (ya reseñada en esta consulta), barbacoa popular con actuaciones de los grupos participantes en el festival y una jam session y sobre todo blues, mucho blues a través de conciertos en diferentes escenarios repartidos por la ciudad, haciendo de Hondarribia un pequeño Mississipi en la que el blues se respira en cada calle. En uno de esos escenarios repartidos por la ciudad, concretamente en la Plaza del Obispo, nos deleitaron Los Reyes de K.O. En esta actuación les acompañan como invitados a la armónica, Jorge Lera, armonicista del grupo madrileño The Blues Boat, y su sobrino Tatu Harp de 17 años, toda una promesa.

En cuanto a lo más destacado del cartel hay que resaltr a Pinetop Perkins, de 97 años, uno de los más grandes bluesman de todos los tiempos, procedente del Mississipi, todavía en activo, y lo que le queda. Dejó la guitarra en los comienzos de su carrera por una lesión en el brazo, y se cambió al piano, llegando a ser reconocido como quizá el más grande pianista de blues. Comenzó acompañando en los años 30 y 40 a Sonny Boy Williamson, y en los 50 a B. B. King y Earl Hooker. Fue el pianista de Muddy Waters durante 12 años convirtiéndose aún hoy en todo un referente para los pianistas de blues. Como curiosidad, su única exigencia por contrato en al Hondarribia Blues Festival fue poder fumar y comer hamburguesas de Mc Donald's. Gran detalle fue acudir como uno más a la barbacoa popular que cerraba las jornadas del festival.

Otro de los pesos pesados, no solo por su físico sino por su categoría dentro y fuera del escenario, ha sido Solomon Burke. Leyenda viva del soul, desde el sillón dorado desde el que canta en sus conciertos (por su volumen no puede estar en pie de forma continuada) es capaz de ponernos en pie y hacernos bailar en sus conciertos o emocionarnos con sus baladas cargadas de sensibilidad. Pese a componer temas como "Everybody Needs Somebody To Love" nunca fue reconocido como el grandioso soul man que es hasta que en 2002, con más de 60 años, publica "Don't give up on me" con canciones escritas para él por Bob Dylan, Brian Wilson, Van Morrison, Elvis Costello o Tom Waits. Desde entonces en sus giras siempre cuelga el cartel de completo, y es un habitual en los festivales españoles.

Os ofrezco un completo video de las actuaciones de los vizcaínos The Reverendos, Pinetop Perkins y Solomon Burke. Solo dadle al play y disfrutad. Merece la pena.

El Hondarribia Blues Festival se ha labrado ya en sus cinco ediciones una merecida fama de purista, y esto se lo debemos a su director, Carlos Malles, quien vive el blues desde dentro del grupo Midnight Shuffle. Carlos Malles ha declarado: "Mis amigos y la gente de mi banda me dicen que soy un talibán del blues. La verdad es que soy bastante purista, cierto; pero, de todos modos, siempre tratamos de que el cartel quede lo más variado posible en lo que a estilos de blues se refiere. En cuanto a los veteranos, este año premiamos a Pinetop Perkins, que cumplirá nada más y nada menos que 97 años aquí, en Hondarribia. También programamos siempre una banda que nunca antes haya pisado nuestro país. En su día fue Janiva Magness, Zac Harmon y la gran revelación del año pasado, Dwayne Doopsie. Este año son los Cash Box Kings, una banda muy joven de Chicago que dará mucho que hablar". Veamos un resumen de la primera jornada del festival, con actuaciones de The Blues Hackers, Los Reyes del K.O., Magic Slim y los Cash Box Kings con su estilo a la vieja escuela del puro blues de Chicago de los años 40 y 50, cuando los bluesmen emigraban del Delta del Mississipi hasta la capital de Illinois.

Estaremos esperando con expectación el cartel del Hondarribia Blues Festival 2011. Será una buena ocasión de respirar de nuevo los aires sureños de esta ciudad del norte. Hasta entones.. ¡mucho blues!

Phelps "Catfish" Collins, el guitarrista del funk

2010-08-22T15:54:00.003+02:00

Si la semana pasada le dedicábamos una reseña al fallecimiento del bajista funk Marvin Isley, desde esta especie de cementerio virtual en que se está convirtiendo esta consulta desde hace tiempo quiero dedicar el post de hoy al guitarrista funk Phelps "Catfish" Collins, que ha fallecido a los 66 años el pasado el pasado 6 de agosto en Cincinnati (Ohio) tras sucumbir ante un cáncer. Phelps era el hermano mayor del bajista funk Bootsy Collins, y le acompañó en la banda de James Brown The J.B.'s, y en Funkadelic, grupo del pionero del funk George Clinton. "Mi mundo nunca será el mismo sin él", dijo su hermano Bootsy Collins en un comunicado. "Sé feliz por él, sin duda ahora y por siempre será el joven más alegre que he conocido en este planeta". En 2007, participó junto a su hermano en la banda sonora original de la gamberra película "Superbad", en España traducida como "Supersalidos". Queremos homenajear desde nuestra consulta a Phelps "Catfish" Collins con uno de los más reconocidos hits en que acompañó a la guitarra a James Brown, "Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine" de 1970. Descansa en paz.

Marvin Isley, el bajista del funk

2010-08-15T20:16:00.003+02:00

Marvin Isley, bajista y miembro más joven de la banda de soul The Isley Brothers ha fallecido a los 56 años en el Seasons Hospice del Weiss Memorial Hospital de Chicago. Se desconoce la causa de la muerte pero su salud era bastante delicada debido a una diabetes crónica que le hizo retirarse en 1997 y poco después se le tuvieron que amputar las dos piernas.

Como tantos otros, los cuatro hermanos mayores Isley, O´Kelly Jr., Rudy, Ronald y Vernon, comenzaron cantando en el coro de la iglesia como cuarteto gospel, tutelados por sus padres Sally Bell y O'Kelly Isley Sr. En 1955 Vernon falleció a los 13 años en un accidente de bicicleta. La actividad del grupo se paraliza por la tragedia, hasta que un año después los tres hermanos Isley se reúnen de nuevo trasladándose a Nueva York para grabar algunos temas doo wop, aunque con escasa repercusión. Actuaban asiduamente como teloneros de otros artistas ya consagrados, como Jackie Wilson, cuyo show abrieron The Isley Brothers con el tema del propio Wilson "Lonely Teardrops". En aquel concierto Ronald exclamó "You know you make me want to shout!", de la misma forma que hacían tras la lectura del Evangelio en la iglesia. Un ejecutivo del sello RCA Records lo vió, le gustó y les ofreció su primer contrato. La canción "Shout!", escrita por los hermanos Isley, se convirtió en un bombazo, amplificado por la realización de covers o versiones a cargo de otros grupos que la incluían en sus shows. Les fue imposible mantener el éxito con singles posteriores y abandonan RCA en 1962. Fichan por Wand Records, consiguiendo otro gran éxito al grabar "Twist & Shout" de The Topnotes. Su éxito se multiplicó por la grabación de este tema por The Beatles, llegando The Isley Brothers al número 2 de las listas americanas en 1963.

Montan su propio sello, T-Neck Records, al hilo del éxito conseguido pero no consiguen mantenerse en lo más alto. Firman con Motown Records y en 1965 consiguen su mayor éxito con "This Old Heart of Mine", que más tarde popularizó Rod Stewart y ya en el siglo XXI Vonda Shepard en la banda sonora de la serie de TV Ally McBeal, versión que a mí personalmente me gusta mucho. Como en otras ocasiones The Isley Brothers no consiguieron mantenerse en la cresta de la ola y al considerarse en la Motown como un grupo de segunda categoría frente a The Temptations o The Supremes deciden abandonar la Motown y fichan en 1969 por el neoyorquino Buddah Records. Entretanto, escuchad a los Isley Brothers en "This Old Heart of Mine".

Con su fichaje por Buddah Records, The Isley Brothers dieron un giro a su estilo e imagen, adoptando un sonido funky, más al estilo de James Brown. Se unieron los hermanos menores, el guitarrista Ernie y baterista y nuestro protagonista Marvin al bajo. Llegan al número 1 con el tema funk "It's Your Thing", además de ganar un Grammy y vender cinco millones de discos. Esta es una actuación en la que hacen un medley con "It's Your Thing" y su primer éxito "Shout!".

En 1973 cambian de discográfica y se van a Epic, consiguiendo encadenar en esta nueva etapa una serie de éxitos como sus discos "3 + 3", "The heat is On" o "Between the sheets". En 1984 Ernie, Chris y Marvin se separan y montan su propia banda. En 1986 Kelly Isley fallece y en 1989 Rudolph se retira para dedicarse a su actividad como pastor eclesiástico. En 1992 Ernie y Marvin se reúnen con Ronald para grabar el álbum "Tracks of Life". Ese mismo año son incluidos en el Rock & Roll Hall of Fame. En 1996 vuelven al número 1 con "Mission to Please". Más tarde publicaron "Eternal" (2001), "Body Kiss" (2003) y "Baby Makin' Music" (2006). En 2007 publicaron el navideño "I'll Be Home For Christmas". Esta es una de las últimas actuaciones del grupo, en 2005, que quedó inmortalizada en un DVD. El tema escogido es "Summer Breeze".

Como curiosidades de The Isley Brothers os puedo contar que está considerada la banda más longeva de la historía, al mantenerse en activo desde su fundación a principios de los 50. También os contaré que en 1964 se incorpora un guitarrista solista de Seattle llamado Jimmy James. Al dejar al grupo poco después, James cambió su nombre por el de Jimi Hendrix. The Isley Brothers también contaron con un joven inglés llamado Elton John como pianista durante una gira por el Reino Unido, ese mismo año. En cuanto a Marvin Isley nos deja un interesante legado en cuanto al protagonismo que adopta el bajo como sección rítmica en la música funk de los 70. Su técnica fue adoptada más tarde por figuras como Paul Weller, Prince o Lenny Kravitz. Descansa en paz.

Abbey Road, a la venta

2010-08-11T14:26:00.003+02:00

Llega a la consulta la noticia de que los estudios londinenses de grabación Abbey Road están a la venta por los problemas económicos de la discográfica EMI. Se desconoce si junto a los estudios adquiridos en 1929 se ha puesto a la venta la marca registrada, ya que esta es mucho más valiosa que el propio edificio. The Beatles hicieron estos estudios famosos tras utilizarlos para grabar la mayor parte de sus canciones entre 1962 y 1969, y sobre todo al ver la luz el último trabajo grabado por los Fab Four: "Abbey Road". Sin embargo, el último álbum publicado por The Beatles en 1970, "Let it be", fue grabado anteriormente. "Abbey Road" fue producido por George Martin para Apple Records. Tras las turbulentas sesiones de grabación del denominado proyecto "Get Back", que después se llamó definitivamente "Let it be", Paul McCartney, que nunca fue partidario del estilo experimental de Phil Spector, propuso a George Martin volver a grabar un disco como antes. Para ello necesitó la aceptación de John Lennon, y mientras George Martin repescó a Geoff Emerick tras abandonar el equipo un año atrás, y a su asistente Alan Parsons. Tras la reunión mantenida en los estudios EMI en 1969 los cuatro beatles se conjuraron para dejar a un lado sus diferencias y "terminar de una manera honorable".

Con "Abbey Road" descubrí el grandioso talento de George Harrison, que siempre había como quedado aparentemente en un segundo plano, a la sombra de la riqueza creativa de Lennon y McCartney, que aglutinaban todo el protagonismo en el grupo. Harrison aporta a este trabajo dos canciones absolutamente sensacionales: "Something" y "Here comes the sun".

Harrison se inspiro en su mujer Patti Boyd para escribir "Something", siendo la segunda canción de The Beatles de la que se han hecho más versiones, solo superada por "Yesterday". Fue compuesta durante las sesiones del "White Album", pero no dio tiempo a incluirla en el disco. La canción fue ofrecida a otros cantantes como Joe Cocker, pero al final decidió grabarla con The Beatles. Se dice que la primera frase de la canción ("Something in the way she moves") está tomado de una canción de James Taylor. Es realmente un tema excepcional, una obra maestra, en la que el característico solo de guitarra del propio George Harrison y los arreglos orquestales de George Martin le aportan una calidad fuera de lo habitual. Disfrutad de esta joya.

"Here comes the sun" es un canto a la alegría y al optimismo. En los peores momentos de la relación entre The Beatles, en la que se quiso cambiar de manager, con constantes reuniones con su discográfica Apple, en un momento dado George Harrison decidió que necesitaba salir de allí. Se marchó a Surrey a ver a su amigo Eric Clapton. Mientras caminaba por el jardín bajo el sol en plena naturaleza en su remanso de tranquilidad, se inspiró para escribir la canción. Es otra pieza maestra de la música moderna. En ella George Harrison acapara diversos instrumentos como la guitarra acústica y eléctrica, el armonio, el sintetizador, las plamas y además pone la voz. Paul McCartney por el bajo y coros y Ringo la batería. También George Martin dirige una orquesta de 17 músicos, encajando todas las piezas a la perfección.

Una de las características más reseñables de "Abbey road" es la portada, que curiosamente se improvisó sobre la marcha. Solo se tomaron seis fotografías, por el intenso tráfico que habitualmente hay en Abbey Road. Como curiosidad, el Volkswagen que aparece a la izquierda estaba habitualmente aparcado en la zona, ya que pertenecía a alguien que vivía junto al estudio, ya que Abbey Road es la calle donde están situados los estudios de grabación, cuyo nombre para el estudio fue adoptado en 1970. Es la escenificación de un entierro en la que aparece John vestido de blanco representando a un predicador, George en vaqueros y un tanto desaliñado haciendo de enterrador y Ringo de luto, amigo del difunto, cuyo papel le corresponde a Paul, caminando descalzo (en Oriente los cadáveres son quemados descalzos), con los ojos cerrados y con el paso cambiado respecto al resto. A la derecha está aparcado un coche negro a modo de coche fúnebre. ¿Esta portada representa la muerte, el final de The Beatles? Tal vez. Os dejo con "Come together", la canción que abre el disco y que fue single junto a "Something". Fue escrita por John Lennon para la campaña que el político Timothy Leary preparaba para presentar su candidatura a gobernador de California, y fue lanzada como un sencillo de doble cara A, junto con "Something". Por siempre, Beatles.

Walter Hawkins, una leyenda del gospel

2010-07-21T20:09:00.003+02:00

Walter Hawkins, una de las más legendarias figuras del gospel, ha fallecido a causa de un cáncer de páncreas a los 61 años de edad y tras más de cuarenta años de brillante carrera. Llevó una auténtica vida de cantante de gospel, combinándola con su actividad como pastor de la Iglesia God in Christ, de la que llegó a ser obispo. Comenzó su carrera musical en The Northern California State Youth Choir, perteneciente a su congregación. Más tarde junto a su hermano Edwin fundó el coro The Edwin Hawkins Singers. Esta actuación es de 1971, con el tema "To my Father's house", acompañados de Elaine Kelly.

A principios de los 70 abandonó The Edwin Hawkins Singers y se trasladó a la ciudad californiana de Oakland, en la Love Center Church. Con el Love Center Choir consiguió un gran éxito con una serie de grabaciones denominadas "Love alive". Estos trabajos llevan vendidas más de un millón de copias, cifra considerable para un estilo minoritario como el gospel. "Love alive IV", editado en 1990, llegó al número 1 de Billboard Gospel Music Charts donde se mantuvo durante 33 semanas. Además, Walter Hawkins ha colaborado de alguna manera en 116 hits de Billboard Gospel Music Charts. También ha colaborado en numerosas ocasiones con artistas de la talla de Van Morrison. Cuando escucho un duelo de voces excepcionales arropadas por un coro dando gracias a Dios sé por qué me gusta el gospel. Disfrutad de Walter Hawkins y Donnie McClurkin en este "Thank You".

La figura de Walter Hawkins ha sido fundamental en la música gospel, ya que lo sacó de las iglesias y las celebraciones religiosas y lo hizo llegar al gran público. Produjo el bombazo "Oh Happy Day", canción espiritual del siglo XVIII rescatada del olvido, a la que modernizó, traspasando todas las fronteras y pasando de ser una clásica canción gospel en todo un número 1, cantada por The Edwin Hawkins Singers. Ha sido versionada por innumerables cantantes como como Joan Baez, Aretha Franklin y Elvis Presley. Walter Hawkins ha sido, es y será una leyenda del gospel. Sirva como homenaje de nuestra consulta este video de "Oh happy day" cantándolo junto a grandes estrellas del gospel, con Richard Smallwood al piano y Jeffrey LaValley al órgano. Desde el cielo seguirá acudiendo puntual a nuestra consulta.